CRITIQUE : Stevie, Hampstead Theatre ✭✭✭

Stevie

Hampstead Theatre

17 mars 2015

3 Étoiles

Il y a deux choses assez remarquables à propos de Stevie, la pièce de 1977 de Hugh Whitemore sur la poétesse Stevie Smith, qui, après avoir été reprise par le Chichester Festival Theatre la saison dernière, est maintenant à l'affiche à Londres au Hampstead Theatre. La production magnifiquement jugée de Christopher Morahan en fournit une troisième.

La première est l'alchimie que Whitemore utilise pour tisser ensemble poésie et prose afin de former un récit doux, réfléchi et perspicace. Il est souvent impossible de savoir quand un fragment de dialogue se termine et quand un morceau de poésie commence. C’est en partie le résultat d'une exécution impeccable. Mais, plus que cela, c'est une façon efficace pour le dramaturge d'établir l'environnement domestique et petit-bourgeois où la poétesse a écrit son héritage.

La pièce concerne à la fois la poétesse et sa poésie. En établissant quel type de personne Stevie était et comment elle vivait et écrivait, Whitemore fournit un contexte pour éclairer cette écriture ; en utilisant une partie de la poésie elle-même pour atteindre cet objectif, l'effet permet à la fois une compréhension globale et détaillée, un sens de la perspective à la fois mélancolique et révélateur. La nature factuelle de l'exécution de la majorité de la poésie complète l'effet : loin d'être une forme d'art archaïque, spécialisée et élitiste, la poésie est possible partout et pour tout le monde.

La deuxième chose remarquable est le caractère bravoure du rôle de Stevie. Ce n'est ni Hamlet ni Médée, mais c'est un rôle immense, plein de monologues qui demande beaucoup de son étoile. C’est un rôle silencieux et introspectif : il n’y a ni meurtres, ni viols, ni aveuglement, ni complots de vengeance. En effet, il n'y a guère d'argument, pas de moment pour libérer une fureur incandescente dans un spectacle de compétence de Diva. Non. Le rôle est réfléchi, contemplatif, débordant des détails d'une vie ordinaire ; le genre de pièce où le choc de l'Acte Deux est un choix entre entendre parler d'un suicide raté bien après l'événement ou se demander quelle friandise surprise Tante Lion recevra si elle mange sa salade de jambon. (La crème l'emporte !)

Ce qui est remarquable dans tout cela, c'est à quel point un tel écriture est rare de nos jours. L'écriture moderne est obsédée par les problèmes, les conséquences fatales et les grandes idées : les thèmes débordant de conséquences sont à l'ordre du jour. Les pièces « biographie » n'ont pas tendance à être très domestiques au 21e siècle, mais la grande force de la pièce de Whitemore réside dans son implacable domesticité, à partir de laquelle une grande actrice peut libérer ses compétences et le travail d'une grande poétesse être redécouvert. À partir de l'ordinaire doux, la grandeur est découverte.

La production de Morahan offre une troisième chose remarquable à Stevie: le design parfait de Simon Higlett. Superbe en tous points, des costumes précis au chariot à boissons, en passant par le sentiment des environs verdoyants de la maison très années soixante que Stevie partage avec sa vieillissante Tante Lion, le design enracine sans effort la pièce dans la bonne époque et le bon lieu, permettant et invitant à la fois la nostalgie et la complicité. Tout le monde a vécu ou connaît quelqu'un qui a vécu dans une maison comme celle-là. C'est chaleureux, amical, normal.

C'est aussi autre chose. C’est une représentation poétique de la maison, pas une réaliste. Toutes les cloisons nécessaires ne sont pas là ; l'imagination est requise pour créer la séparation entre le hall et le salon. Mais ce n'est pas la seule licence poétique sur laquelle Higlett s'est appuyé. D'un côté de la scène, il y a un sentiment que les roseaux (cueillis il y a longtemps et nichés dans un vase au-dessus du piano) ont pris leur envol, se sont étendus le long du mur, se fondant avec l'environnement extérieur - ils ressemblent d'abord à un effet de papier peint, mais ce n'est pas ça. C’est une belle évocation de l'ordinaire prenant son envol, devenant totalement captivant. Cela fonctionne de manière spectaculaire comme un arrière-plan pour cette histoire d'une poétesse de banlieue ordinaire.

Dans le rôle-titre, Zoe Wanamaker est en excellente forme. Légèrement voûtée, les pieds constamment en position maladroite, vêtue de vêtements simples, à la limite du démodé, elle se transforme avec une grande habileté en la petite poétesse, ressemblant à un oiseau. Elle est tout à fait crédible en tant que femme en décalage avec le monde mais entièrement à l'aise dans les limites de son domicile. Il y a quelque chose de constamment nostalgique chez Wanamaker ici et c’est le cas malgré son addiction à la cigarette, son discours épineux, légèrement acerbe et ses manies minutieuses. Il n'y a rien à reprocher à sa performance mesurée et totalement engagée.

Wanamaker offre un cours magistral dans cet art perdu - la récitation de poésie. Elle s'attaque au texte poétique avec ferveur et passion ; même lorsqu’elle jette les lignes comme des graines lancées aux poules, il y a une clarté d'acuité derrière l'exécution. Elle capte tout l'humour ainsi que l'introspection lumineuse qu'offrent chaque vers, ses yeux brillant de l'intensité que seule la compréhension peut garantir. C'est un plaisir de l'écouter.

Lynda Baron est superbement douce en Tante Lion, la vieille célibataire coriace qui dirige la maison où Stevie vit et qui fournit l'amour significatif et sans condition qui soutient Stevie pendant ses années de solitude. Elle est merveilleusement acariâtre à propos des autorités fiscales et encline à cracher « des bêtises » tout en effectuant des tâches ménagères, préparant une théière ou risquant une rapide gorgée de Sherry. C’est une performance délicieusement large mais profondément chaleureuse. Quand l'âge rattrape Tante Lion, Baron montre très clairement sa fragilité et son inconfort à être dépendante ; ces scènes entre Baron et Wanamaker sont pleines de vérité et de légère tristesse. Le moment avec la crème est à chérir.

Les hommes ont joué peu plus qu'un rôle d’accessoire dans la vie de Stevie et certains aspects de cela sont résumés dans les trois personnages interprétés par Chris Larkin. Son interprétation de l’homme idiot qui veut l’épouser après une rencontre sexuelle hésitante mais probablement foireuse est particulièrement fine : il est gourdement mal à l'aise dans la scène où il veut décortiquer l'expérience. Moins réussie est son ami/chauffeur camp et hautement théâtral de Stevie qui semble modélisé sur Maggie Smith en mode perles saisies, mais cela relève plus de la scène elle-même qui pourrait être supprimée sans perte significative.

Mais le meilleur moment de Larkin vient lorsqu’il récite Drowning, Not Waving de Smith, probablement son poème le plus connu. C'est un beau moment dans une pièce silencieusement engageante et douce.