RESEÑA: El Fantasma de la Ópera, Her Majesty's Theatre ✭✭✭✭

El fantasma de la ópera

Her Majesty's Theatre

12 de marzo de 2015

4 estrellas

COMPRAR ENTRADAS Para un espectáculo que se estrenó hace más de 28 años, El fantasma de la ópera sigue llenando el teatro y, en todos los sentidos, es un ejemplo —quizá el listón más alto— de un teatro mágico, de esos musicales ornamentados. La dirección de Harold Prince es tan eficaz, incisiva y detallista como siempre; el extraordinario diseño de Maria Björnson aporta una suntuosidad rica y un romanticismo profundo a cada aspecto del relato; la puesta en escena musical de Gillian Lynne, las secuencias de ballet y el desbordante Masquerade, que abre el segundo acto, son logros magistrales. Pero en el mismísimo corazón del éxito y la longevidad de El fantasma de la ópera, que se representa sin interrupción en Her Majesty's Theatre desde el 9 de octubre de 1986, están las ingeniosas letras de Charles Hart (junto a las de Richard Stilgoe) y la partitura lujosa y melódica de Andrew Lloyd Webber. Pese a la familiaridad, números como Music of the Night, Prima Donna, All I Ask of You, Masquerade, The Point of No Return y la canción titular conservan todavía su fuerza y belleza teatral. Sin duda, esto se debe al buen hacer del actual director musical, James McKeon, que maneja con maestría la orquesta de 27 músicos, garantizando un nivel de acompañamiento orquestal que la mayoría de los musicales del West End solo pueden soñar. Por supuesto, es fácil pensar que todo el mundo conoce el espectáculo, que ya ha visto sus secretos. Pero, como demostró sobradamente el público de la función de tarde a mi alrededor, aún hay mucha gente que nunca ha visto El fantasma de la ópera en directo. Por eso, ver la producción original en manos del reparto actual ofrece a los recién llegados la oportunidad de descubrir las maravillas del montaje de Prince/Lynne y al público que repite, la ocasión de comprobar si la obra resiste el paso del tiempo.

Lo hace.

Aunque hay algunos momentos en los que la veterana cruje ligeramente, en general la puesta en escena se siente contemporánea y capta la atención desde el primer instante, cuando las palabras, levemente inquietantes, del subastador anuncian el comienzo de la velada. Las secuencias en la guarida del Fantasma, con barca, velas y un órgano ornamentado, resultan casi hipnóticas; los jirones de humo se enroscan en la imaginación, impregnando la acción y la música de intriga. La tensión en The Point of No Return es convincentemente real y las decisiones finales tanto de Christine como del Fantasma parecen tan sorprendentes como siempre.

El director residente Sam Hiller y la coreógrafa residente Lynn Jezzard se aseguran de que todo esté tan preciso y tenso como hace falta para sostener esa cuerda floja entre el romance serio y la farsa de altos vuelos por la que este espectáculo camina sin miedo. Les acompaña un reparto, en su mayoría, muy solvente.

Harriet Jones es hermosa, menuda y seductora, exactamente como debe ser Christine Daaé. Se mueve con total naturalidad con el cuerpo de ballet del Opéra Populaire y transmite con facilidad la sensación de una joven artista talentosa, confundida y sorprendida por la atención que recibe. Su voz es un placer en todos los sentidos, muy homogénea de arriba abajo, con calidez y color en todo el recorrido. Su trabajo vocal más expresivo es glorioso y nunca desafina ni canta sin verdad ni emoción auténtica. Wishing You Were Somehow Here Again es una delicia absoluta.

Está especialmente impresionante en el segundo acto, tanto en la escena en la que Carlotta y los Gerentes la atosigan con Don Juan Triumphant (una escena fácil de volver melodramática y ridícula, cosa que ella no hace) como en el dúo sensual y letal, The Point of No Return. Harriet está en un estado de forma excelente.

Su Christine resulta aún más impresionante si tenemos en cuenta que, en la función que vi, sus dos protagonistas masculinos estaban interpretados por actores que normalmente hacen otros papeles en el espectáculo. Pero el hecho de que Harriet trabajara con compañeros con los que no actúa habitualmente no afectó en absoluto a la calidad de su interpretación central.

Kieran Brown, sustituyendo a Gerónimo Rauch como el Fantasma, estuvo espléndido y igualó con habilidad la intensidad y el detalle del trabajo de Harriet. Hay muchas maneras de hacer funcionar el papel del Fantasma y Brown ha encontrado la suya: una interpretación física enérgica, ágil como un gato, pero impregnada de rabia, de un dolor nacido del rechazo, y de una determinación despiadada. Es un Fantasma aterrador, y de forma extrañamente atractiva.

Vocalmente, el fino barítono alto de Brown es sedoso, seductor y poderoso. Tiene un control excelente tanto en los graves como en los agudos, logrando una auténtica riqueza en las notas más bajas y un sonido emocionante y afilado en los momentos más altos. Su ataque, su energía y su tono melifluo hicieron de Music of the Night un auténtico regalo, y su trabajo con Harriet en sus grandes números compartidos —la canción titular y The Point of No Return— fue soberbio. A la vez que subraya los aspectos defectuosos y asesinos del caprichoso Maestro, Brown deja ver con claridad su lado más tierno. Es una interpretación memorable y conmovedora en todos los sentidos.

Raoul es un papel muy difícil de sacar adelante con éxito. Rico, apuesto, seguro hasta rozar la arrogancia, pero desesperadamente enamorado de Christine, su lugar en la obra es un acto de equilibrio casi imposible: en algún punto entre el galán insufrible y el héroe improbable. La clave de un Raoul que funcione es el encanto; tanto encanto que permita tapar los huecos y defectos del personaje.

Oliver Saville, cubriendo a Raoul ante la ausencia de Liam Tamne, tiene más entusiasmo juvenil que encanto, pero aborda el papel con una ferocidad propia de un domador de leones. Aporta agitación y angustia donde debería haber calma y autoridad. Aun así, da buena presencia y su voz es franca y sólida, y está en su mejor momento en las escenas que no dependen de su condición de alternativa romántica al misterioso maestro de Christine: sus escenas con Madame Giry, el bombero y los Gerentes están muy bien medidas. Con la relajación que permite la continuidad en el reparto, sin duda Saville irá creciendo en el papel.

Las mujeres Giry están muy bien representadas. Jacinta Mulcahy es una Madame maravillosamente misteriosa y firme, francesa en todo lo importante y tensada como un muelle, como una serpiente esperando ser encantada. Cuando está en escena, cuesta mirar a alguien más: su intensidad arde con tal brillo. Alicia Beck es una Meg preciosa, elegante y perfecta en las secuencias de ballet, con una voz cantada encantadora y una presencia escénica formidable como actriz.

Lara Martins compone una Carlotta excepcional: una voz cautivadora y de gran potencia, luminosa y brillante sea cual sea la nota, ágil y sólidamente sostenida. El control de Martins como cantante es extraordinario, con el resultado de que su estatus de Diva Suprema no se pone en duda… y es divertidísima. Su caracterización es perfecta: una bola de poder arrasadora, vorazmente deliciosa, inflada de importancia. Exquisita en todos los sentidos.

A la altura de Martins en estilo, voz de primera y ego gargantuesco (y muy gracioso), el Piangi de John Ellis es una explosión de excentricidad y do de pecho. En manos equivocadas, Piangi puede volverse insufriblemente pesado y lastrar el ritmo del espectáculo; aquí no. Ellis está perfecto como el pomposo tenor italiano de habilidad limitada, y la complejidad y el detalle que aporta a la interpretación demuestran su propia destreza.

Hay un trabajo excelente de Philip Griffiths como Reyer/el Subastador (quizá no sorprenda, dado que Griffiths lleva 24 años en la compañía), y de Joseph Claus, Fiona Finsbury y David Francis como el trío de Il Muto. De hecho, el conjunto es formidable en todos los aspectos, especialmente en lo vocal.

Uno de los placeres casi indestructibles de El fantasma de la ópera es el dúo cómico de los Gerentes, Firmin y André. Son papeles de alegría pura y, cuando funcionan de verdad, el espectáculo funciona muchísimo mejor. Por desgracia, aquí no fue el caso. A primera vista, pensé que el equilibrio estaba mal, que el ritmo cómico era irregular, porque el Firmin habitual, Andy Hockley, no estaba, y el André titular, Martin Ball, no estaba acostumbrado a trabajar con su sustituto, Tim Morgan. Pero, dado que fue Morgan quien ofreció la interpretación más segura y generosa, y Morgan quien se esforzó activamente por formar parte de un dúo, aquella primera impresión era errónea. Por desgracia.

Aun así, y de manera algo curiosa, las dos escenas clave de los Gerentes funcionaron extremadamente bien: la presencia de otros, aparte de Firmin, sacó lo mejor de Ball. El septeto de Prima Donna fue un auténtico punto álgido, como debe ser.

Con tres papeles principales interpretados por personas que normalmente no los hacen, existía un riesgo real de que esta producción se tambaleara. Pero la solidez de la compañía actual, la resistencia de los elementos esenciales del montaje, el poder de la partitura y las letras, y la pericia tanto de Brown como de Morgan hicieron que, pequeños problemas aparte, la función fuera triunfal.

No more talk of darkness: Her Majesty's Theatre, Haymarket arde con luz propia.

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