CRITIQUE : Le Fantôme de l'Opéra, Théâtre de Sa Majesté ✭✭✭✭

Le Fantôme de l'Opéra

Le Théâtre de Sa Majesté

12 mars 2015

4 étoiles

RÉSERVEZ VOS BILLETS Pour un spectacle qui a débuté il y a plus de 28 ans, Le Fantôme de l'Opéra continue de jouer devant des salles pleines et, à tous égards, est un exemple, peut-être un sommet, du théâtre magique de l'art orné et musical. La direction de Harold Prince est aussi efficace, incisive et détaillée que jamais ; le design extraordinaire de Maria Björnson apporte une opulence riche et une sensibilité profondément romantique à chaque aspect de la narration ; La mise en scène musicale de Gillian Lynne, les séquences de ballet et le Masquerade incroyablement exubérant, qui lance le deuxième acte, sont des réalisations magistrales. Mais au cœur même du succès et de la longévité du Fantôme de l'Opéra, qui se joue en continu au Théâtre de Sa Majesté depuis le 9 octobre 1986, se trouvent les paroles intelligentes de Charles Hart (avec celles écrites par Richard Stilgoe) et la partition luxueuse et mélodieuse d'Andrew Lloyd Webber. Malgré leur familiarité, des numéros tels que Music of the Night, Prima Donna, All I Ask Of You, Masquerade, The Point Of No Return et le titre chantent encore leur pouvoir et leur beauté théâtrale. Cela est sans doute dû au bon travail du directeur musical actuel James McKeon qui contrôle habilement l'orchestre de 27 musiciens, assurant un niveau d'accompagnement orchestral habile dont la plupart des comédies musicales du West End ne peuvent que rêver. Bien sûr, il est facile de penser que tout le monde connaît le spectacle, en a vu ses secrets. Mais, comme l'a amplement démontré le public de matinée autour de moi, il y a encore de nombreuses personnes qui n'ont jamais vu Le Fantôme de l'Opéra en direct. Ainsi, voir la production originale présentée par la distribution actuelle offre aux nouveaux venus une chance de découvrir les merveilles de la production Prince/Lynne et aux spectateurs récurrents une chance de voir si la pièce résiste à l'épreuve du temps.

Elle le fait.

Bien qu'il y ait quelques moments où la vieille dame grince légèrement, pour la plupart, la mise en scène paraît contemporaine et l'intérêt est capté dès le début, lorsque les paroles légèrement menaçantes du commissaire-priseur annoncent le début des événements. Les séquences dans le repaire du Fantôme, avec le bateau, les bougies et l'orgue orné, sont presque hypnotiques ; les volutes de fumée enserrent l'imagination, imprégnant l'action et la musique d'intrigue. La tension dans Point Of No Return est véritablement réelle et les décisions finales de Christine et du Fantôme semblent aussi surprenantes que jamais.

Le réalisateur résident Sam Hiller et la chorégraphe résidente Lynn Jezzard s'assurent que tout est aussi serré et tendu qu'il le faut pour garantir cet équilibre entre romance sérieuse et haute farce que ce spectacle passe avec audace. Ils sont assistés par une distribution, pour la plupart, très compétente.

Harriet Jones est belle, petite et séduisante, exactement comme Christine Daaé devrait l'être. Elle est complètement à l'aise avec le corps de ballet de l'Opéra Populaire et transmet facilement le sentiment d'une jeune artiste douée, confuse et surprise par l'attention qui lui est accordée. Sa voix est un délice à tous égards, et très uniforme du haut en bas, avec chaleur et couleur tout le long du chemin. Son travail vocal le plus expressif est glorieux et elle ne chante jamais faux ni sans vérité et réel sentiment. Wishing You Were Somehow Here Again est un pur délice.

Elle est particulièrement impressionnante dans le deuxième acte, à la fois dans la scène où Carlotta et les directeurs la harcèlent à propos de Don Juan Triumphant (une scène facile à rendre mélodramatique et stupide, ce qu'elle ne fait pas) et dans le duo sensuel mais mortel, Point Of No Return. Harriet est en excellente forme.

Son Christine est d'autant plus impressionnant étant donné que, lors du spectacle que j'ai vu, ses deux premiers rôles masculins étaient joués par des hommes qui jouent habituellement d'autres rôles dans le spectacle. Mais le fait qu'Harriet travaillait avec des acteurs avec lesquels elle ne joue pas habituellement n'a pas eu d'impact sur la qualité de sa prestation centrale.

Kieran Brown, remplaçant Gerónimo Rauch en tant que Fantôme, était en belle forme et égalait l'intensité et le détail de la performance d'Harriet avec habileté. Il existe de nombreuses façons de faire fonctionner le rôle du Fantôme et Brown a trouvé la sienne : une performance physique vigoureuse, agile comme un chat, mais imprégnée de rage, de chagrin né du rejet et de détermination impitoyable. C'est un Fantôme effrayant, de manière convaincante.

Vocalement, le beau baritone de Brown est soyeux, séduisant et puissant. Il a un excellent contrôle à la fois dans les aigus et les graves, offrant une réelle richesse dans les notes les plus basses et un son tranchant et excitant dans les points les plus hauts. Son attaque, son énergie et son ton mellifluëux ont fait de Music Of The Night un véritable régal et son travail avec Harriet dans ses grands numéros avec elle, la chanson-titre et Point Of No Return, était superbe. Tout en mettant en évidence les aspects imparfaits et meurtriers du Maestro capricieux, Brown a également montré clairement son côté tendre. C'est une performance mémorable et touchante dans tous les sens.

Raoul est un rôle très difficile à réussir. Riche, beau, assuré jusqu'à l'arrogance, mais désespérément amoureux de Christine, son rôle dans la pièce est une quasi-impossible jonglerie : quelque part entre dandy prétentieux et héros étrange. La clé d'un Raoul réussi est le charme ; tellement de charme que les lacunes et les défauts du personnage peuvent être couverts.

Oliver Saville, remplaçant Raoul en raison de l'absence de Liam Tamne, a plus d'enthousiasme juvénile que de charme, mais il attaque le rôle avec une férocité qu'on pourrait attendre des dompteurs de lions. Il apporte agitation et angoisse là où il devrait y avoir calme et autorité. Pourtant, il a une bonne allure et sa voix est vraie et forte, et il est à son meilleur dans les scènes qui ne reposent pas sur son statut d'alternative romantique au mystérieux professeur de Christine : ses scènes avec Madame Giry, le pompier et les directeurs sont toutes bien jugées. Avec la relaxation que le jeu constant permet, Savile s'épanouira sans aucun doute dans le rôle.

Les femmes Giry sont bien représentées. Jacinta Mulcahy est une Madame merveilleusement mystérieuse et ferme, française de toutes les manières importantes et enroulée comme un serpent en attente d'être charmé. Lorsqu'elle est sur scène, il est difficile de regarder quelqu'un d'autre, tant son intensité brûle. Alicia Beck est une Meg magnifique, élégante et parfaite dans les séquences de ballet, avec une voix chantante délicieuse et une présence formidable en tant qu'actrice.

Lara Martins fait une Carlotta exceptionnelle : une voix captivante de puissance réelle, lumineuse et brillante quel que soit la note, agile, et solidement soutenue. Le contrôle de Martina's en tant que chanteuse est exceptionnel avec le résultat que son statut de Diva Suprême est indiscuté - et très divertissant. Sa caractérisation est parfaite : elle est une boule de pouvoir briseuse de balles d'un délice rapace, gonflée d'auto-importance. Délicieuse à tous égards.

Joueur avec élégance, une voix de haut niveau, et un ego gargantuesque (et très drôle), le Piangi de John Ellis est une bombe de bonheur d'excentricité et de Top C's. Entre de mauvaises mains, Piangi peut être insupportablement ennuyeux, un problème pour le momentum du spectacle ; mais pas ici. Ellis est parfait en tant que ténor italien pompeux de compétence limitée et la complexité et la minutie qu'il apporte à sa performance démontrent sa propre compétence.

Il y a un excellent travail de Philip Griffiths dans le rôle de Reyer/le commissaire-priseur (peut-être sans surprise étant donné que Griffiths a été dans la compagnie depuis 24 ans), et de Joseph Claus, Fiona Finsbury et David Francis en tant que trio Il Muto. En effet, l'ensemble est formidable à tous égards, surtout vocalement.

L'un des plaisirs presque indestructibles du Fantôme de l'Opéra est le duo comique des directeurs, Firmin et André. Ce sont des rôles de joie pure et lorsqu'ils fonctionnent correctement, le spectacle fonctionne beaucoup mieux. Hélas, ce n'était pas le cas ici. A premier coup d'oeil, l'idée venait que l'équilibre était mauvais, le rythme comique irrégulier, parce que le Firmin habituel, Andy Hockley, était hors scène et le André régulier, Martin Ball, n'était pas habitué à travailler avec son remplaçant, Tim Morgan. Mais étant donné que c'est Morgan qui a donné la performance la plus assurée et généreuse, et Morgan qui essayait activement de faire partie d'un duo, le premier coup d'oeil était erroné. Malheureusement.

Néanmoins, et d'une manière quelque peu curieuse, les deux scènes clés des directeurs ont extrêmement bien fonctionné : la présence d'autres que Firmin a fait ressortir le meilleur de Ball. Le septuor Prima Donna était un véritable point culminant, tout comme il devrait l'être.

Avec trois rôles principaux joués par des personnes qui ne jouent pas normalement ces rôles, il y avait un réel potentiel pour que cette production soit sur un terrain instable. Mais la force de la compagnie actuelle, la durabilité des éléments essentiels de la production, la puissance de la partition et des paroles, et la compétence de Brown et Morgan ont assuré que, à part quelques petits problèmes, l'interprétation était triomphante.

Plus de paroles de ténèbres : Le Théâtre de Sa Majesté, Haymarket brille de mille feux.

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