CRITIQUE : Rencontre, Above The Stag ✭✭✭✭✭

De gauche à droite : Penelope Day,  Alexander Huetson, Adam Lilley.  Crédit photo : Scott Rylander Encounter

Above The Stag, Vauxhall

25/10/15

5 Étoiles

Acheter des Billets Above the Stag, sous les arches ferroviaires de Vauxhall, est bien connu pour son répertoire à thématique gay soigneusement programmé, mais ce qui contribue autant à sa réputation grandissante et à son succès, c’est que Peter Bull et son équipe produisent tous les spectacles en interne. Cela garantit des valeurs de production cohérentes, qui privilégient un mélange d’écriture nouvelle frappante, de reprises stratégiques de spectacles injustement négligés, et de comédies musicales ou de pantomimes amusantes et légères. Les contraintes d’espace, de budget et de temps de répétition se transforment régulièrement en opportunités créatives offrant une expérience continue, enrichissante, stimulante, drôle et pourtant intime pour le public. Toutes ces qualités sont particulièrement mises en valeur dans le superbe nouveau spectacle, Encounter, qui prend pour inspiration le film d’après-guerre de Noël Coward et David Lean, Brief Encounter, et présente un excellent scénario ainsi que des performances d’acteur remarquables. Il est souvent avancé que les œuvres de Coward, Rattigan et Tennessee Williams offrent des études de cas sur la sexualité déplacée, où le dramaturge immerge son homosexualité dans les expériences de couples hétérosexuels pour explorer, de manière détournée, des rencontres qui n’auraient jamais pu être mises en scène à cette époque. Bien qu'il y ait matière à réflexion avec cette interprétation (surtout dans le cas de The Deep Blue Sea de Rattigan), la réalité est souvent bien plus complexe.

Alexander Huetson, Adam Lilley, Christopher Hines Crédit photo : PicsByGaz.com Certes, dans ce cas, les personnages de Coward étaient pleinement formés, d'abord en tant que véhicules pour lui-même et Gertrude Lawrence, dans la courte pièce Still Life, et plus tard dans les rôles rendus célèbres dans le film par Celia Johnson et Trevor Howard. Mais cela ne signifie pas que transformer les personnages en deux hommes gays soit en quelque sorte étranger à l'esthétique de l'original, qui est fidèlement reconstituée ici.

Car le drame est aussi bien un récit des pressions impossibles auxquelles les gens ordinaires étaient soumis à la fin de la guerre en 1947 qu'une simple histoire d'amour contrariée. Le rationnement, l'austérité forcée, la mauvaise santé publique, les énormes inégalités de classe, de richesse et d'opportunités éducatives sont tous des thèmes qui traversaient l'original et reviennent ici dans la subtile réécriture de Phil Willmott. La victoire n'était guère mieux que la défaite. Ajoutez à cela le carcan de mariages malheureux dont un nouvel amour offre un espoir soudain d'évasion joyeuse et vous avez exactement les circonstances tentantes nécessaires pour présenter une relation gay transgressive mais rédemptrice dans un cadre contemporain plausible.

C'est très semblable au monde et à la multitude de problèmes que J.B.Priestley explore dans An Inspector Calls, et la mise en scène (également par Phil Willmott) évoque à certains égards le style de la production célèbre de Stephen Daldry. Même si cela ne correspond pas texto à ce que Coward a écrit, cela restait sans doute fidèle à la texture de la vie vécue et expérimentée dans plus d'une gare, parc, et sacristie d'après-guerre… et maintenant cela peut être évoqué et documenté…

Willmott souligne que ceci est un hommage à une époque donnée en plaçant un motif d'encadrement moderne autour de l'histoire principale, de sorte que nous voyons un couple gay contemporain réagir au matériel conservé dans un journal qui est soudainement apparu abandonné sur un kiosque. De là, nous sommes transportés à la gare de Vauxhall en 1947 dans des nuages de vapeur, un éclairage expressionniste saisissant et un décor superbement évocateur qui se fond en teintes sépia évoquant le film. Le designer David Shields (qui est interviewé dans le programme) a un excellent palmarès dans ce théâtre où le défi est d'utiliser au maximum la largeur de la scène tout en donnant une illusion de profondeur.

Alexander Huetson et Adam Lilley Crédit photo : PicsByGaz.com

Ce décor est l'un de ses meilleurs – beaucoup est concentré dans un petit espace – un kiosque de vendeur, les ferronneries et corniches en forme de coupe-pâte d’une station victorienne, des affiches d'époque, une salle d'attente gothique qui fait aussi office de sacristie d'église, et un foyer d’une maison familiale à Surbiton. Pourtant, les lignes de vue sont claires, et les acteurs semblent très à l'aise. Le public a à la fois une proximité réelle et l'illusion de distance par rapport à l'action, et l'atmosphère d'époque est parfaite. Il en va de même pour les costumes.

Il y a quatre acteurs, dont deux endossent plusieurs rôles. Adam Lilley joue Dr Lawrence Marsh, qui est détaché dans une clinique à Vauxhall un jour par semaine. Alexander Huetson est Arthur Hollis, le chef de gare, qui rencontre d'abord Dr Marsh comme patient. Penelope Day joue à la fois l'épouse de Marsh, Sarah, et une vendeuse de journaux, Mavis Madden. La distribution est complétée par Chris Hines, qui dépeint à la fois un policier et le vicaire local, et est répertorié comme assistant metteur en scène.

Bien qu'il y ait ici quelques moments de mélodrame comme dans l'original, ils se confinent à l'intrigue plutôt qu'au jeu, qui est remarquable par sa subtilité et sa retenue. Ce qui n'est pas dit ou ce qui est exprimé par le langage corporel plutôt que par des mots constitue une démonstration éloquente que moins c'est souvent plus, surtout chez les personnages britanniques super-réservés et contraints de cette époque. Les deux hommes gays en particulier sont tendus comme des ressorts sous tension, et à moins que vous ne ressentiez cela, la pièce ne peut fonctionner.

La relation entre Marsh et Hollis est très soigneusement développée. Elle fait référence au film – une séance de cinéma, une musique récurrente de mélancolie et de désir – Schubert, et non Rachmaninov cette fois, des interruptions déconcertantes par d'autres à des moments clés – mais elle trace sa propre trajectoire en termes totalement plausibles. Marsh est à la fois le plus expressif et le plus en conflit des deux, et celui qui est bien davantage prisonnier des anxiétés de classe et morales conventionnelles. Ce contraste angoissant est très bien illustré par Lilley, naviguant entre peur et affirmation tumultueuse, et refusant d'admettre la puissance de l'amour et de l'attirance sexuelle. En fin de compte, c'est une étude de l'égotisme, et de la façon dont, sous pression, cela mène à une cruauté involontaire et au sacrifice de la réalisation de soi. Marsh a plus à perdre comme la société le juge, mais dans le processus il renonce à la meilleure chance qu'il aura jamais d'être fidèle à lui-même. Lilley nous donne le fond de regret et de perte ainsi que l'assurance de surface confiante.

De gauche à droite : Christopher Hines, Adam Lilley, Alexander Huetson Crédit photo : Scott Rylander

Arthur Hollis est techniquement un rôle exigeant à interpréter parce qu'il est bien moins articulé que Marsh. Pourtant, Huetson fait un travail magistral et émouvant en faisant de lui le baromètre émotionnel de la pièce, passant d'un optimisme étincelant à un stoïcisme fané. À la fois par le langage corporel et par un jeu détaillé hors dialogue, Huetson trouve une éloquence, une tendresse et une dignité pour son personnage qui est très touchante. Et quand il trouve sa voix – dans un monologue sur la réalité de la préjugé et de la persécution, et dans une déclaration puissante du pouvoir transformateur de l'amour – les résultats sont véritablement captivants.

Les rôles de Penelope Day sont une partie importante de l'ancrage structurel et émotionnel de la pièce. Le conjoint qui reste à la maison, comme dans le film, est un rôle relativement ingrat, mais il doit être une représentation parfaite de la bonté ordinaire et sans fioritures pour fonctionner, et c'est difficile à réaliser. Elle doit être une belle personne en elle-même pour rendre l'intrigue plus poignante – Marsh ne devrait avoir aucune bonne raison autre que l'amour de quitter sa femme. Mavis Madden est une création plus audacieuse, partie Madame Pike de Dad’s Army, et partie Madame Malaprop de The Rivals. Elle sert à alléger et abaisser le ton, tout en offrant discrètement, avec compréhension, une sorte de chœur pour la liaison amoureuse.

De même, le personnage du policier est plus un stéréotype comique qu'un rôle majeur, mais la représentation de Chris Hines montre bien les contradictions et les paradoxes entre sa vie personnelle de Don Juan itinérant et son rôle officiel de gardien moral. Le vicaire, en revanche, est une création bien plus insidieuse et sinistre : une démonstration du pouvoir malveillant de la haine de soi chez les gays et de la jalousie sexuelle, recouverte d'une empathie spécieuse, onctueuse et fallacieuse.

Les évocations de films célèbres peuvent facilement virer à la parodie ou à la comédie involontaire, mais grâce à la compétence de l'écriture et au jeu soigneusement gradé et pleinement incarné, cette production est un triomphe sur tous les plans et mérite une très belle série. Encounter creuse profondément dans les ravages des distinctions de classe et expose les effets de la privation, qu'elle soit sexuelle, émotionnelle ou sociale, dans un drame émouvant et non dogmatique qui peut toucher quiconque est piégé dans l'écart entre la réalité compromise et l'aspiration désirée. Il y a aussi beaucoup d'humour, à la fois large et ironique.

C'est l'une des deux ou trois pièces qui m'ont le plus impressionné cette année. À ne pas manquer.

Encounter se joue à l'Above The Stage Theatre, Vauxhall jusqu'au 15 novembre 2015