RECENSION: Encounter, Above The Stag ✭✭✭✭✭

Från v till h: Penelope Day,  Alexander Huetson, Adam Lilley.  Foto: Scott Rylander Encounter

Above The Stag, Vauxhall

25/10/15

5 Stjärnor

Köp Biljetter Above the Stag, som huserar under järnvägsvalven i Vauxhall, är välkänt för sin omsorgsfullt programmerade repertoar med HBTQ-tema. Men lika avgörande för dess växande rykte och framgång är det faktum att Peter Bull och hans team producerar alla föreställningar in-house. Detta säkerställer en genomgående hög produktionskvalitet som prioriterar en blandning av slående ny dramatik, strategiska nyuppsättningar av oförtjänt bortglömda verk samt lättsamma musikaler eller pantomimer. Begränsningar i utrymme, budget och repetitionstid vänds regelbundet till kreativa möjligheter som ger publiken en ständigt givande, tankeväckande och rolig men ändå intim upplevelse. Alla dessa kvaliteter präglar i högsta grad den fantastiska nya föreställningen Encounter, som hämtar sin inspiration från Noel Cowards och David Leans efterkrigsklassiker Kort möte (Brief Encounter), och bjuder på ett strålande manus och enastående skådespelarinsatser. Det hävdas ofta att pjäser av Coward, Rattigan och Tennessee Williams fungerar som fallstudier av bortträngd sexualitet, där dramatikern döljer sin egen homosexualitet bakom heterosexuella par för att indirekt utforska möten som aldrig hade kunnat iscensättas öppet på den tiden. Även om det finns poänger med den tolkningen (särskilt när det gäller Rattigans The Deep Blue Sea) är verkligheten oftast betydligt mer komplex än så.

Alexander Huetson, Adam Lilley, Christopher Hines Foto: PicsByGaz.com I det här fallet var Cowards karaktärer förvisso fulländade redan från början, först som roller för honom själv och Gertrude Lawrence i kortpjäsen Still Life, och senare i de roller som Celia Johnson och Trevor Howard odödliggjorde på film. Men det betyder inte att ett byte till två manliga huvudroller på något sätt skulle vara främmande för originalets estetik, som här återskapas på ett troget sätt.

Dramat är nämligen lika mycket en skildring av den omänskliga press som vanliga människor levde under vid krigsslutet 1947, som det är en enkel historia om förhinder i kärleken. Rationering, påtvingad åtstramning, bristfällig folkhälsa samt enorma klyftor vad gäller klass, rikedom och utbildningsmöjligheter är teman som genomsyrade originalet och som nu återvänder i Phil Willmotts subtila omarbetning. Segern kändes knappast bättre än förlusten. Lägg därtill de olyckliga äktenskapens tvångströja, där en ny förälskelse erbjuder ett plötsligt hopp om en lycklig flyktväg, och du har precis de laddade förutsättningar som krävs för att presentera en normbrytande men hoppingivande homosexuell relation i en trovärdig samtida ram.

Det är i mångt och mycket samma värld och problematik som J.B. Priestley utforskar i An Inspector Calls (Det kom en inspektör), och regin (även den av Phil Willmott) för i vissa avseenden tankarna till Stephen Daldrys berömda uppsättning. Även om det inte var exakt vad Coward skrev, är det sannerligen troget den tidsanda och de livvsvillkor som upplevdes på efterkrigstidens stationer, i parker och sakristior… och nu kan det äntligen gestaltas och dokumenteras…

Willmott markerar att detta är en tidstrogen hyllning genom att rama in huvudberättelsen med ett modernt motiv: vi ser ett samtida gaypar som reagerar på materialet i en dagbok som de hittat kvarglömd på en kiosk. Därifrån sveps vi tillbaka till Vauxhalls station 1947 i moln av ånga, starkt expressionistisk ljussättning och en magnifikt stämningsfull scenografi i sepiatoner som för tankarna direkt till filmen. Scenografen David Shields (som intervjuas i programbladet) har ett fantastiskt facit på denna teater, där utmaningen ligger i att utnyttja scenens hela bredd fullt ut samtidigt som man skapar en illusion av djup.

Alexander Huetson och Adam Lilley Foto: PicsByGaz.com

Denna scenografi är en av hans främsta – mycket ryms på en liten yta: en tidningskiosk, viktorianskt järnsmide och eleganta stationsdetaljer, tidsenliga anslag, ett gotiskt väntrum som även fungerar som sakristia, och en ombonad eldstad i ett familjehem i Surbiton. Ändå är siktlinjerna tydliga och skådespelarna verkar helt hemmastadda i miljön. Publiken får både en närhet till handlingen och en illusion av avstånd, och tidskänslan är mitt i prick. Detsamma gäller kostymerna.

Det är fyra skådespelare på scen, varav två gör dubbla roller. Adam Lilley spelar doktor Lawrence Marsh, som är utstationerad på en klinik i Vauxhall en dag i veckan. Alexander Huetson är stationsföreståndaren Arthur Hollis, som först möter doktor Marsh i egenskap av patient. Penelope Day spelar både Marshs fru, Sarah, och tidningsförsäljaren Mavis Madden. Ensemblen fullbordas av Chris Hines, som gestaltar både en poliskonstapel och den lokale kyrkoherden, och han står även listad som regiassistent.

Även om det finns moment av melodrama, precis som i originalet, är de begränsade till intrigen snarare än skådespeleriet, som utmärker sig genom sin subtilitet och återhållsamhet. Det som lämnas osagt, eller det som sägs genom kroppsspråk snarare än ord, blir en vältalig demonstration av att ”less is more” – i synnerhet när det gäller de extremt behärskade och stela brittiska karaktärerna från denna epok. Särskilt de två männen är som spända fjädrar; om man inte känner den laddningen fungerar inte pjäsen.

Relationen mellan Marsh och Hollis utvecklas med stor fingertoppskänsla. Den refererar till filmen – en eftermiddagsbio, återkommande melankolisk musik och längtan (Schubert snarare än Rachmaninoff denna gång), och störande avbrott från utomstående i avgörande ögonblick – men stakar ut sin egen bana på ett helt trovärdigt sätt. Marsh är den mer vältalige men också den mer kluvne av de två, och han som i högre grad är fången i konventionella klassnormer och moralisk ångest. Denna plågsamma kontrast porträtteras skickligt av Lilley, som växlar mellan rädsla och bullrig självbevarelsedrift, ovillig att erkänna kärlekens och den sexuella attraktionens kraft. I slutändan är detta en studie i självupptagenhet, och hur press kan leda till oavsiktlig grymhet och uppoffringen av ens sanna jag. Marsh har mest att förlora ur samhällets synvinkel, men i processen ger han upp sin enda chans att vara sann mot sig själv. Lilley förmedlar både den underliggande ångern och den yttre, självsäkra masken.

Från v till h: Christopher Hines, Adam Lilley, Alexander Huetson Foto: Scott Rylander

Arthur Hollis är rent tekniskt en krävande roll att ro i land eftersom han är betydligt mindre artikulerad än Marsh. Trots det gör Huetson ett mästerligt och gripande jobb med att göra honom till pjäsens känslomässiga barometer, från gnistrande optimism till blek stoicism. Genom sitt kroppsspråk och sitt detaljerade agerande mellan replikerna ger Huetson sin karaktär en vältalighet, ömhet och värdighet som är djupt rörande. Och när han väl hittar sin röst – i en monolog om fördomarnas och förföljelsens realitet, och i en kraftfull kärleksförklaring – är resultatet totalt fängslande.

Penelope Days roller utgör en viktig del av pjäsens strukturella och känslomässiga förankring. Den hemmafruarroll som finns i filmen är ofta en ganska otacksam uppgift, men den kräver ett perfekt porträtt av jordnär lätthanterlighet och vardaglig godhet för att fungera, vilket är svårt att få till. Hon måste vara en genuin person i sin egen rätt för att göra handlingen mer gripande – Marsh bör inte ha någon annan god anledning än kärleken för att lämna sin fru. Mavis Madden är en mer färgstark skapelse, en blandning av Mrs Pike från Dad’s Army och Mrs Malaprop från The Rivals. Hon lättar upp stämningen samtidigt som hon fungerar som en diskret och införstådd körgestalt som förstår kärleksaffären.

På samma sätt är poliskonstapeln mer av en komisk stereotyp än en huvudroll, men Chris Hines porträtt visar väl motsättningarna mellan hans privatliv som en rastlös kvinnotjusare och hans officiella roll som moralens väktare. Kyrkoherden är å andra sidan en betydligt mer obehaglig och olycksbådande karaktär: en demonstration av den skadliga kraften i homosexuellt självhat och sexuell svartsjuka, förpackad i en falsk, oljig empati.

Anspelningar på kända filmer kan lätt tippa över i parodi eller ofrivillig komik, men tack vare de skickliga dialogerna och det välbalanserade skådespeleriet är denna produktion en triumf på alla fronter och förtjänar en framgångsrik spelperiod. Encounter gräver djupt i de skador klasskillnader orsakar och blottlägger effekterna av deprivation – vare sig den är sexuell, känslomässig eller social – i ett berörande och icke-dogmatiskt drama som talar till alla som känner sig fångade mellan en kompromissfylld verklighet och sina innersta önskningar. Det finns också gott om humor, både av det bredare slaget och av den mer underfundiga sorten.

Det är en av de två eller tre pjäser som har gjort störst intryck på mig i år. Bör inte missas.

Encounter spelas på Above The Stage Theatre, Vauxhall fram till den 15 november 2015