CRÍTICA: Encounter, Above The Stag ✭✭✭✭✭

Da esq. para a dir.: Penelope Day,  Alexander Huetson, Adam Lilley.  Crédito da foto: Scott Rylander Encounter

Above The Stag, Vauxhall

25/10/15

5 Estrelas

Comprar bilhetes Above the Stag, sob os arcos ferroviários de Vauxhall, é bem conhecido pela sua programação cuidada de repertório com temática gay, mas tão importante para a reputação e o sucesso crescentes é o facto de Peter Bull e a sua equipa produzirem todos os espectáculos internamente. Isto garante valores de produção consistentes, que privilegiam uma combinação de nova dramaturgia marcante, reposições estratégicas de peças injustamente esquecidas e musicais leves e divertidos, ou panto. As limitações de espaço, orçamento e tempo de ensaios transformam-se regularmente em oportunidades criativas que oferecem ao público uma experiência continuamente gratificante, provocadora, engraçada e, ainda assim, íntima. Todas estas qualidades estão bem patentes no soberbo novo espectáculo, Encounter, que toma como inspiração o filme do pós-guerra de Noël Coward e David Lean, Brief Encounter, e revela um excelente texto e algumas interpretações de grande nível. Argumenta-se muitas vezes que as peças de Coward, Rattigan e Tennessee Williams oferecem estudos de caso sobre sexualidade deslocada, em que o dramaturgo submerge a sua própria homossexualidade nas experiências de casais heterossexuais para explorar, de forma oblíqua, encontros que nunca poderiam ter sido levados à cena directamente naquela época. Embora haja algo a dizer a favor desta leitura (sobretudo no caso de The Deep Blue Sea, de Rattigan), normalmente é muito mais complexo do que isso.

Alexander Huetson, Adam Lilley, Christopher Hines Crédito da foto: PicsByGaz.com Certamente, neste caso, as personagens de Coward estavam plenamente definidas, primeiro como veículo para ele próprio e Gertrude Lawrence, na peça curta Still Life, e mais tarde nos papéis celebrizados no cinema por Celia Johnson e Trevor Howard. Mas isso não significa que transformar as personagens em dois homens gay seja, de forma alguma, estranho à estética do original, aqui reencenada com fidelidade.

Porque o drama é tanto um retrato das pressões impossíveis sob as quais as pessoas comuns viviam no fim da guerra, em 1947, como uma simples história de amor frustrado. Racionamento, austeridade imposta, fraca saúde pública, enormes desigualdades de classe e riqueza, e de oportunidades educativas são temas que atravessavam o original e regressam aqui na subtil reescrita de Phil Willmott. A vitória parecia pouco melhor do que a derrota. Junte-se a isso a camisa-de-forças de casamentos infelizes, dos quais um novo amor oferece uma súbita esperança de fuga feliz, e temos exactamente as circunstâncias tentadoras necessárias para apresentar uma relação gay transgressora e, ao mesmo tempo, redentora, num enquadramento contemporâneo plausível.

É muito o mesmo mundo e o mesmo conjunto de questões que J. B. Priestley explora em An Inspector Calls, e a encenação (também de Phil Willmott) evoca, em certos aspectos, o estilo da famosa produção de Stephen Daldry. Se não era o que Coward escreveu, era seguramente fiel à textura da vida vivida e sentida em mais do que algumas estações, parques e sacristias do pós-guerra… e agora pode ser evocada e documentada…

Willmott assinala o facto de se tratar de um tributo de época ao colocar um motivo de enquadramento moderno em torno da história principal, de modo que vemos um casal gay contemporâneo reagir ao material preservado num diário que, de repente, aparece abandonado num quiosque. A partir daí somos transportados para a Estação de Vauxhall em 1947, em nuvens de vapor, com luz expressionista e um cenário soberbamente evocativo, banhado em tons sépia que chamam à memória o filme. O cenógrafo David Shields (entrevistado no programa) tem um excelente historial neste teatro, onde o desafio é aproveitar ao máximo a largura da área de palco, criando ao mesmo tempo uma ilusão de profundidade.

Alexander Huetson e Adam Lilley Crédito da foto: PicsByGaz.com

Este cenário é um dos seus melhores – cabe muita coisa num espaço pequeno – um quiosque de vendedor, a estrutura metálica e a ornamentação rendilhada, quase de recorte, de uma estação vitoriana, avisos de época, uma sala de espera gótica que também funciona como sacristia de igreja, e a lareira de uma casa de família em Surbiton. Ainda assim, as linhas de visão são claras e os actores parecem perfeitamente à vontade dentro dele. O público tem simultaneamente uma verdadeira proximidade e a ilusão de distância em relação à acção, e o ambiente de época é certíssimo. O mesmo se aplica aos figurinos.

Há quatro intérpretes, dois dos quais acumulam papéis. Adam Lilley interpreta o Dr. Lawrence Marsh, destacado para uma clínica em Vauxhall um dia por semana. Alexander Huetson é Arthur Hollis, o chefe de estação, que conhece o Dr. Marsh pela primeira vez como paciente. Penelope Day interpreta tanto Sarah, a mulher de Marsh, como a vendedora de jornais Mavis Madden. O elenco completa-se com Chris Hines, que faz tanto um polícia como o vigário local, e surge creditado como assistente de encenação.

Embora haja aqui alguns momentos de melodrama, tal como no original, eles ficam confinados à intriga, e não à interpretação, que se destaca pela subtileza e contenção. O que não é dito — ou o que é dito através da linguagem corporal em vez de palavras — produz uma demonstração eloquente de que, regra geral, menos é mais; e com certeza no caso destas personagens britânicas da época, super-reservadas e limitadas por convenções. Em particular, os dois homens gay estão enrolados como molas sob tensão e, se não se sentir isso, a peça não funciona.

A relação entre Marsh e Hollis é desenvolvida com grande cuidado. Faz referência ao filme — uma matiné de cinema, uma música recorrente de melancolia e desejo — Schubert em vez de Rachmaninoff desta vez, interrupções desestabilizadoras de terceiros em pontos-chave — mas traça o seu próprio percurso em termos totalmente plausíveis. Marsh é simultaneamente o mais eloquente e o mais dividido dos dois, e aquele que é muito mais prisioneiro das ansiedades convencionais de classe e moral. Este contraste angustiado é muito bem retratado por Lilley, oscilando entre o medo e uma bravata de auto-afirmação, relutante em admitir a força do amor e da atracção sexual. No fim, trata-se de um estudo sobre auto-absorção e sobre como, sob pressão, isso leva a crueldades involuntárias e ao sacrifício da auto-realização. Marsh tem mais a perder aos olhos da sociedade, mas, ao fazê-lo, abdica da melhor oportunidade que alguma vez terá para ser fiel a si próprio. Lilley dá-nos a corrente subterrânea de arrependimento e perda, bem como a superfície confiante e fanfarrona.

Da esq. para a dir.: Christopher Hines, Adam Lilley, Alexander Huetson Crédito da foto: Scott Rylander

Arthur Hollis é, tecnicamente, um papel exigente de concretizar, porque é muito menos articulado do que Marsh. Ainda assim, Huetson faz um trabalho magistral e comovente ao transformá-lo no barómetro emocional da peça, passando de um optimismo vivo para um estoicismo pálido. Em parte através da linguagem corporal e em parte através de um trabalho de actor minucioso entre as falas, Huetson encontra para a sua personagem uma eloquência, ternura e dignidade muito tocantes. E quando finalmente encontra voz — num monólogo sobre a realidade do preconceito e da perseguição, e numa declaração poderosa sobre o poder transformador do amor — o resultado é verdadeiramente arrebatador.

Os papéis de Penelope Day são uma parte importante da ancoragem estrutural e emocional da peça. A pessoa que fica em casa, como no filme, é um papel relativamente ingrato, mas para funcionar precisa de uma interpretação absolutamente certeira de bondade prática e comum — e isso é difícil de conseguir. Ela tem de ser, por si só, uma pessoa admirável para tornar a história mais pungente: Marsh não deveria ter nenhuma boa razão, para além do amor, para deixar a esposa. Mavis Madden é uma criação mais de traço largo, parte Mrs Pike de Dad’s Army e parte Mrs Malaprop de The Rivals. Serve para aliviar e baixar o tom, oferecendo ao mesmo tempo uma compreensão discreta e cúmplice do caso amoroso, numa espécie de coro.

Do mesmo modo, a personagem do polícia é mais um estereótipo cómico do que um papel principal, mas a interpretação de Chris Hines mostrou bem as contradições e paradoxos entre a sua vida pessoal como um sedutor itinerante e o seu papel oficial de guardião da moral. O vigário, por outro lado, é uma criação muito mais inquietante e sinistra: uma demonstração do poder malévolo do auto-ódio gay e do ciúme sexual, envernizado por uma falsa empatia, oleosa e especiosa.

Evocações de filmes famosos podem tombar facilmente para a paródia ou para uma comédia involuntária, mas graças à qualidade do texto e à interpretação cuidadosamente graduada e plenamente habitada, esta produção é um triunfo em todos os aspectos e merece uma temporada muito bem-sucedida. Encounter vai ao fundo do dano provocado pelas distinções de classe e expõe os efeitos da privação — seja sexual, emocional ou social — num drama comovente e nada dogmático, capaz de tocar qualquer pessoa presa no fosso entre uma realidade comprometida e uma aspiração desejada. Há também muito humor, tanto aberto como mordaz.

É uma das duas ou três peças que mais me impressionaram este ano. Imperdível.

Encounter está em cena no Above The Stage Theatre, Vauxhall, até 15 de novembro de 2015