RECENSIONE: Encounter, Above The Stag ✭✭✭✭✭

Da sinistra a destra: Penelope Day,  Alexander Huetson, Adam Lilley.  Crediti foto: Scott Rylander Encounter

Above The Stag, Vauxhall

25/10/15

5 stelle

Acquista i biglietti Above the Stag, sotto gli archi ferroviari di Vauxhall, è noto per il suo repertorio a tema gay programmato con grande cura; ma altrettanto importante per la reputazione in crescita e per il successo del teatro è il fatto che Peter Bull e il suo team producono tutti gli spettacoli internamente. Questo garantisce una coerenza nei valori produttivi, dando priorità a un mix di nuova drammaturgia di forte impatto, rilanci mirati di titoli ingiustamente trascurati e musical spumeggianti o pantomime. I vincoli di spazio, budget e tempi di prova vengono spesso trasformati in opportunità creative, offrendo al pubblico un’esperienza costantemente appagante, stimolante, divertente e al tempo stesso intima. Tutte queste qualità sono pienamente in mostra nel nuovo, splendido Encounter, che prende ispirazione dal film del dopoguerra di Noel Coward e David Lean Breve incontro (Brief Encounter) e mette in luce un copione di livello e alcune interpretazioni davvero straordinarie. Si sostiene spesso che le opere di Coward, Rattigan e Tennessee Williams offrano casi di studio di sessualità dislocata, in cui il drammaturgo immerge la propria omosessualità nelle esperienze di coppie eterosessuali per esplorare indirettamente incontri che all’epoca non avrebbero mai potuto essere portati in scena in modo esplicito. Per quanto ci sia del vero in questa lettura (soprattutto nel caso di Il profondo mare azzurro di Rattigan, The Deep Blue Sea), di solito la questione è molto più complessa.

Alexander Huetson, Adam Lilley, Christopher Hines Crediti foto: PicsByGaz.com Certo, in questo caso i personaggi di Coward erano già pienamente compiuti, prima come veicoli per lui stesso e Gertrude Lawrence nel breve testo Still Life, e poi nei ruoli resi celebri dal film grazie a Celia Johnson e Trevor Howard. Ma questo non significa che trasformare i personaggi in due uomini gay sia in alcun modo estraneo all’estetica dell’originale, qui ricreata con fedeltà.

Perché il dramma è tanto il racconto delle pressioni impossibili a cui la gente comune era sottoposta alla fine della guerra, nel 1947, quanto una semplice storia d’amore ostacolata. Razionamento, austerità imposta, sanità pubblica carente, enormi disuguaglianze di classe e di ricchezza e di opportunità educative: sono tutti temi che attraversavano l’originale e che tornano in questa sottile rielaborazione di Phil Willmott. La vittoria sembrava poco migliore della sconfitta. Aggiungete a tutto questo la camicia di forza di matrimoni infelici, dai quali un nuovo amore offre all’improvviso la speranza di una fuga gioiosa, ed ecco esattamente le circostanze irresistibili per presentare una relazione gay trasgressiva ma redentiva in un quadro contemporaneo credibile.

È molto lo stesso mondo, e lo stesso insieme di questioni, che J.B. Priestley esplora in Un ispettore in casa Birling (An Inspector Calls), e la regia (sempre di Phil Willmott) richiama per certi aspetti lo stile della celebre produzione di Stephen Daldry. Se non era ciò che Coward aveva scritto, era sicuramente fedele alla trama della vita vissuta e sperimentata in più di qualche stazione, parco e sagrestia del dopoguerra… e ora può essere evocata e documentata…

Willmott sottolinea il carattere di omaggio d’epoca incorniciando la storia principale con un motivo moderno: vediamo così una coppia gay contemporanea reagire al materiale conservato in un diario comparso all’improvviso, abbandonato su un chiosco. Da lì veniamo catapultati alla stazione di Vauxhall nel 1947, tra nuvole di vapore, luci marcatamente espressioniste e una scenografia superbamente evocativa, immersa in toni seppia che richiamano il film. Lo scenografo David Shields (intervistato nel programma di sala) vanta un’ottima esperienza in questo teatro, dove la sfida è sfruttare tutta la larghezza del palcoscenico dando al contempo un’illusione di profondità.

Alexander Huetson e Adam Lilley Crediti foto: PicsByGaz.com

Questa scenografia è tra le sue migliori: tantissimo è concentrato in poco spazio — un chiosco di vendita, le strutture in ferro e le modanature “traforate” e merlettate di una stazione vittoriana, avvisi d’epoca, una sala d’attesa gotica che funge anche da sagrestia, e il focolare di una casa di famiglia a Surbiton. Eppure la visibilità è ottima e gli attori sembrano perfettamente a loro agio al suo interno. Il pubblico gode sia di una reale vicinanza sia dell’illusione di distanza dall’azione, e l’atmosfera d’epoca è impeccabile. Lo stesso vale per i costumi.

I personaggi in scena sono quattro, due dei quali raddoppiano i ruoli. Adam Lilley interpreta il dottor Lawrence Marsh, in distacco presso una clinica a Vauxhall un giorno alla settimana. Alexander Huetson è Arthur Hollis, il capostazione, che incontra per la prima volta il dottor Marsh come paziente. Penelope Day interpreta sia Sarah, la moglie di Marsh, sia una venditrice di giornali, Mavis Madden. Completa il cast Chris Hines, che dà vita sia a un poliziotto sia al vicario locale, ed è indicato anche come assistente alla regia.

Pur essendoci qui alcuni momenti di melodramma, come nell’originale, essi restano confinati nell’intreccio più che nella recitazione, notevole per sottigliezza e misura. Ciò che non viene detto, o ciò che viene espresso con il linguaggio del corpo più che con le parole, offre una dimostrazione eloquente che spesso “meno è meglio”, soprattutto con personaggi britannici di questo periodo così riservati e trattenuti. I due uomini, in particolare, sono avvolti in una tensione da molla compressa, e senza questa sensazione lo spettacolo non funziona.

La relazione tra Marsh e Hollis è sviluppata con grande cura. Richiama il film — una matinée al cinema, una musica ricorrente di malinconia e desiderio (stavolta Schubert, non Rachmaninov), interruzioni “fuori posto” degli altri nei momenti chiave — ma traccia anche un proprio percorso in termini del tutto plausibili. Marsh è il più eloquente e al tempo stesso il più combattuto dei due, e quello molto più prigioniero delle convenzioni di classe e delle ansie morali. Questo contrasto doloroso è reso benissimo da Lilley, che oscilla tra paura e un’aggressiva iper-affermazione, restio ad ammettere la forza dell’amore e dell’attrazione sessuale. In definitiva è uno studio sull’autocompiacimento e su come, sotto pressione, esso possa portare a una crudeltà involontaria e al sacrificio della realizzazione di sé. Per come la società giudica le cose, Marsh ha più da perdere, ma così facendo rinuncia alla migliore occasione che avrà mai di essere fedele a se stesso. Lilley ci restituisce la corrente sotterranea di rimpianto e perdita, insieme alla superficie sicura e spavalda.

Da sinistra a destra: Christopher Hines, Adam Lilley, Alexander Huetson Crediti foto: Scott Rylander

Arthur Hollis è tecnicamente un ruolo impegnativo, perché è molto meno articolato di Marsh. Eppure Huetson compie un lavoro magistrale e toccante nel farne il barometro emotivo dello spettacolo, passando da un’energia frizzante a uno stoicismo pallido e composto. In parte attraverso il linguaggio del corpo, in parte grazie a un lavoro minuzioso “nelle pause” del testo, Huetson trova per il suo personaggio un’eloquenza, una tenerezza e una dignità davvero commoventi. E quando finalmente trova la voce — in un monologo sulla realtà di pregiudizio e persecuzione e in una potente dichiarazione sulla forza trasformativa dell’amore — il risultato è autenticamente coinvolgente.

I ruoli di Penelope Day sono un elemento importante dell’ancoraggio strutturale ed emotivo del testo. Il coniuge che resta a casa, come nel film, è una parte piuttosto ingrata, ma per funzionare richiede un ritratto perfetto di bontà ordinaria e concreta, senza fronzoli — e non è facile. Deve essere una persona di valore a sua volta, per rendere la trama più pungente: Marsh non dovrebbe avere alcun buon motivo, se non l’amore, per lasciare la moglie. Mavis Madden è una creazione più a tinte forti, un po’ Mrs Pike di Dad’s Army e un po’ Mrs Malaprop di The Rivals. Serve ad alleggerire e abbassare il registro, offrendo al contempo una discreta, consapevole comprensione della storia d’amore e una sorta di “coro”.

Allo stesso modo, il personaggio del poliziotto è più uno stereotipo comico che un ruolo di peso, ma l’interpretazione di Chris Hines rende bene le contraddizioni e i paradossi tra la sua vita privata da latin lover in giro e il suo ruolo ufficiale di guardiano della moralità. Il vicario, invece, è una creazione molto più viscida e sinistra: una dimostrazione del potere malevolo dell’auto-odio gay e della gelosia sessuale maschile, verniciata di una falsa empatia speciosa e untuosa.

I richiami a film celebri possono facilmente scivolare nella parodia o in una comicità involontaria, ma grazie all’abilità della scrittura e a un lavoro attoriale finemente calibrato e pienamente “abitato”, questa produzione è un trionfo su tutti i fronti e merita una tournée di grande successo. Encounter scava a fondo nel danno delle distinzioni di classe e mette a nudo gli effetti della privazione — sessuale, emotiva o sociale — in un dramma toccante e privo di dogmatismi, capace di parlare a chiunque si trovi intrappolato nel divario tra una realtà compromessa e un’aspirazione desiderata. C’è anche molto humour, sia più largo sia più sottile.

È uno dei due o tre spettacoli che mi hanno colpito di più quest’anno. Da non perdere.

Encounter è in scena all’Above The Stage Theatre, Vauxhall, fino al 15 novembre 2015