CRITIQUE : Girlfriends, Union Theatre ✭✭✭✭

Girlfriends

Union Theatre

9 Novembre 2014

4 Étoiles

Howard Goodall a un nouveau musical à l'horizon, Bend It Like Beckham qui est très attendu l'année prochaine. Cette perspective rend la rétrospective du travail de Goodall au Union Theatre (trois productions successives : The Dreaming, Love Story et Girlfriends) opportune et les produits finaux valent bien les risques inhérents. L'un des grands atouts du Union Theatre (et du Landor d'ailleurs) est que le public a la chance de voir des comédies musicales qui ont rarement, voire jamais, la perspective d'une reprise au West End. De plus, le public peut découvrir de jeunes étoiles en devenir, parfois lors de leurs premiers spectacles, et ressentir le frisson d'être présent lors de moments spéciaux pour la première fois.

Goodall est plutôt un héros méconnu des comédies musicales britanniques. Son travail est ambitieux, intéressant et souvent très puissant, mais il n'a jamais reçu le type d'attention que, par exemple, Alan Bennett ou David Hare ont reçu du National Theatre, bien que son travail soit aussi important que le leur et couvre de larges spectres et styles, tout comme le leur. Cela ne veut pas dire que Goodall n'a pas eu de grands succès - il en a eu - mais quels succès plus grands ses œuvres auraient-ils pu avoir si les soins et les dépenses consacrés à The Light Princess avaient été utilisés pour affiner et améliorer ses œuvres ?

Comme la production de Girlfriends qui joue actuellement au Union Theatre (direction par Bronagh Lagan, Direction musicale par Freddie Tapner et chorégraphie par Iona Holland) le démontre amplement, Goodall a une maîtrise sur la mélodie et la composition qui est rare dans le théâtre musical de nos jours. La partition a une vision et une unité qui sont totalement captivantes et délicieuses; et elle est débordante de voix féminines, un rare plaisir en soi.

Dans le programme, Goodall note :

Mon expérience musicale était de voir si je pouvais - sur scène - faire de ce monde une polyphonie contrapuntique, c'est-à-dire, une tapisserie vocale consistant en des lignes de voix se tissant, multi-couches, l'une sur l'autre, un peu comme on pourrait s'y attendre dans la musique chorale du XVIe siècle.

L'expérience de Goodall réussit indéniablement. La partition est riche en mélodie et texture contrapuntique et, entre les mains habiles de Freddie Tapner, elle est jouée avec assurance et chantée avec passion, clarté et but musical. Tapner fait ses débuts avec cette production et son émergence est prometteuse pour l'avenir des productions musicales dans cette ville. Utilisant intelligemment deux pianos, agrémentés de Reeds et Contrebasse/Violoncelle, Tapner garantit que l'accompagnement est aussi bon qu'il peut l'être dans un espace comme celui du Union.

Il a également pris grand soin des chanteurs. L'équilibre est bon et, tant en travail solo qu'en ensemble, il y a beaucoup d'attention au détail, à la lumière et à l'ombre et à un style global qui garantit que la richesse de la partition n'est pas perdue dans une ambiance moderne et que chaque note reçoit l'attention appropriée. Le résultat est musicalement exaltant.

Goodall est également responsable des paroles, et elles sont excellentes. Il n'est pas clair qui est responsable des bribes de dialogue et d'interaction; dans une version antérieure du travail, Richard Curtis a fourni un script, mais il n'est pas crédité ici. Bien que le matériel ait été retravaillé et réordonné pour cette production, il y a encore du travail à faire sur l'aspect narratif de la production. Certaines scènes peuvent disparaître sans difficulté, certains moments peuvent être rendus plus serrés.

La direction de Lagan est plutôt statique et c'est une difficulté sérieuse, mais en partie cela est dû aux contraintes du lieu. Un plateau tournant résoudrait instantanément certains des défis que l'œuvre offre. Mais cela ne veut pas dire que Lagan ne réussit pas à réaliser des moments de grande théâtralité - l'utilisation d'un parachute pour devenir un écran derrière lequel des amants secrets s'entrelacent dans l'ombre est inspirée et rend la révélation théâtralement astucieuse. Et le sens de la période est bien ancré dans la manière de s'habiller, la façon dont le casting marche et interagit, les coiffures et le sentiment général d'incertitude et de tragédie qui plane constamment.

Le design de Nik Corrall est simple, mais efficace. J'ai particulièrement aimé la fresque sur le mur arrière qui est devenue à un moment une vue de pilote de la terre en dessous et la scène où les femmes utilisent des fusées éclairantes pour guider un pilote aveuglé par le brouillard est très intelligente en effet.

Personne dans le casting n'est mal choisi ou inégal à la tâche imposée par la pièce, mais certaines lumières brillent plus que d'autres. La pièce examine des personnes disparates, principalement des femmes, réunies sur une base aérienne pendant la Seconde Guerre mondiale. Toutes de milieux et de lieux différents, et toutes avec des tempéraments différents, elles deviennent amies dans ce creuset inhabituel.

Catherine Mort est tout simplement merveilleuse dans le rôle de Jane. Elle chante de façon assurée et avec une voix chargée d'émotion et de sens; il y a un timbre lumineux à son son qui est un pur délice. Elle a le rôle le plus difficile : la fille qui aime le fringant officier Guy, qui aime sa meilleure amie, Amy.

Quand Amy refuse d'avoir des relations sexuelles avec Guy et rompt avec lui, Guy se tourne vers Jane. Elle le couche parce qu'elle l'aime; il le fait parce qu'il ne veut pas mourir au combat sans connaître ce qu'est l'intimité sexuelle. Jane sait que Guy aime vraiment Amy mais elle ne peut pas lui résister. Elle manque de perdre son amitié avec Amy à cause de cela.

C'est une histoire familière, et totalement vraie, et elle est bien racontée contre le décor claustrophobe de personnes forcées de vivre ensemble dans des baraquements à cause d'une guerre. Mort trace parfaitement tous les sentiments et expériences de Jane dans une performance judicieusement évaluée.

Tom Sterling, grand, beau et doté d'une voix de ténor sûre et pure, rend Guy facilement, bien qu'il puisse peut-être davantage souligner l'intérêt personnel du personnage. Guy est finalement peu agréable et Sterling ne devrait pas avoir peur de cela. Dans le rôle d'Amy, Corrine Priest est douce et précieuse comme la bonne fille qui ne veut pas abandonner sa virginité, même si elle doit se détendre davantage, laisser le personnage voler.

Catriana Sandison était charmante en tant que Jas et sa chanson sur la mort de son frère était l'un des moments dramatiques phares de la pièce, belle et intelligemment interprétée. Sarah Harlington est excellente en fille de bonne compagnie, Sally, et il y a aussi de beau travail de Jessica Hern (Karen) et Perry Lambert (Lou).

Michael Rees, l'ami de Guy et bon vivant, Gareth, la notion archétypale d'un homme de l'Air Force libertin, doit travailler à rendre son personnage complet plutôt que fragmenté. Il fait du bon travail, mais parfois semble incertain de ce que Gareth est. Sa voix est sûre et forte, et il n'a aucune difficulté avec l'humour dans la pièce.

L'ensemble du casting chante très bien, la diction est excellente tout comme la tonalité. Ce n'est pas une partition facile à chanter et elle apporte avec elle de grandes exigences vocales - mais la compagnie répond à ces exigences systématiquement et bien. Les grands numéros d'ensemble sont un pur plaisir à entendre.

C'est le plus fort des trois offres de Goodall que le Union a produit cette année. La direction musicale de Tapner, un excellent casting dirigé par Catherine Mort, et une partition vibrante, mélodieuse et polyphonique se combinent pour produire un véritable régal théâtral. C'est l'une des meilleures productions musicales au Union Theatre des cinq dernières années - et sa norme et sa valeur soulignent l'importance de l'existence continue du Union Theatre.