RECENSIONE: Girlfriends, Union Theatre ✭✭✭✭

Girlfriends

Union Theatre

9 novembre 2014

4 stelle

Howard Goodall ha un nuovo musical all’orizzonte: l’attesissimo Bend It Like Beckham del prossimo anno. Questa prospettiva rende particolarmente opportuna la retrospettiva dell’Union Theatre dedicata al lavoro di Goodall (tre produzioni in successione: The Dreaming, Love Story e Girlfriends) e i risultati finali meritano ampiamente i rischi inevitabili. Una delle cose migliori dell’Union Theatre (e del Landor, del resto) è che offre al pubblico la possibilità di vedere musical che raramente, se non mai, avrebbero prospettive di tornare in scena nel West End. Inoltre, si possono scoprire giovani talenti in divenire, a volte al debutto, e provare l’emozione di esserci quando qualcosa di speciale accade per la prima volta.

Goodall è, in un certo senso, un eroe poco celebrato del musical britannico. Il suo lavoro è ambizioso, interessante e spesso molto potente, ma non ha mai ricevuto l’attenzione che, per esempio, Alan Bennett o David Hare hanno avuto dal National Theatre; eppure la sua opera è importante quanto la loro e attraversa un’ampia varietà di registri e stili, proprio come la loro. Questo non significa che Goodall non abbia avuto grande successo — lo ha avuto — ma quanto più potrebbero aver reso le sue opere se la cura e le risorse investite in The Light Princess fossero state impiegate per limare e affinare ulteriormente il suo repertorio?

Come dimostra ampiamente la produzione di Girlfriends attualmente in scena all’Union Theatre (regia di Bronagh Lagan, direzione musicale di Freddie Tapner e coreografie di Iona Holland), Goodall possiede un controllo della melodia e della composizione raro nel teatro musicale di oggi. La partitura ha una visione e un’unità assolutamente coinvolgenti e deliziose; ed è ricchissima di voci femminili, una rarità di per sé.

Nel programma di sala, Goodall annota:

Il mio esperimento musicale consisteva nel vedere se potevo — in scena — rendere questo mondo una polifonia contrappuntistica, vale a dire un arazzo vocale composto da linee di voce intrecciate, su più livelli, una sopra l’altra, proprio come ci si potrebbe aspettare nella musica corale del XVI secolo.

L’esperimento di Goodall riesce senza ombra di dubbio. La partitura è ricca di melodia e di tessitura contrappuntistica e, nelle mani esperte di Freddie Tapner, viene suonata con sicurezza e cantata con passione, chiarezza e intenzione musicale. Tapner debutta con questa produzione e la sua affermazione fa ben sperare per il futuro delle produzioni di teatro musicale in questa città. Utilizzando con intelligenza due pianoforti, arricchiti da ance e contrabbasso/violoncello, Tapner fa sì che l’accompagnamento sia il migliore possibile in uno spazio raccolto come l’Union.

Ha curato con grande attenzione anche i cantanti. L’equilibrio è buono e, sia nei brani solistici sia in quelli d’ensemble, c’è molta attenzione al dettaglio, ai chiaroscuri e a uno stile complessivo che impedisce alla ricchezza della partitura di perdersi in un gusto troppo contemporaneo, garantendo a ogni nota la giusta considerazione. Il risultato, musicalmente, è esaltante.

Goodall è anche autore dei testi, e anche quelli sono eccellenti. Non è chiaro chi sia responsabile dei brevi passaggi di dialogo e delle interazioni che collegano i numeri; in una versione iniziale dell’opera, Richard Curtis aveva fornito un copione, ma qui non viene accreditato. Sebbene il materiale sia stato rielaborato e riordinato per questa produzione, resta ancora del lavoro da fare sul piano narrativo. Alcune scene possono scomparire senza difficoltà, alcuni momenti potrebbero essere resi più serrati.

La regia di Lagan è piuttosto statica e questo è un problema serio, anche se in parte dipende dai limiti della sala. Una pedana girevole risolverebbe all’istante alcune delle difficoltà poste dal pezzo. Ma ciò non significa che Lagan non riesca a creare momenti di grande teatralità: l’uso di un paracadute trasformato in un velo dietro il quale due amanti clandestini si intrecciano in forma d’ombra è ispirato e rende la rivelazione teatralmente ingegnosa. E il senso dell’epoca è saldamente radicato nel modo di vestire, nel modo in cui il cast cammina e interagisce, nelle acconciature e nel sentimento complessivo di incertezza e tragedia che incombe costantemente.

La scenografia di Nik Corrall è semplice, ma efficace. Ho apprezzato in particolare il murale sulla parete di fondo, che a un certo punto diventa la vista dall’alto di un pilota sul paesaggio sottostante, e la scena in cui le donne usano dei razzi luminosi per guidare un pilota accecato dalla nebbia è davvero molto intelligente.

Nessuno nel cast è scelto male o inadeguato al compito richiesto dal testo, ma alcune luci brillano più di altre. L’opera guarda a persone disparate, soprattutto donne, catapultate insieme in una base dell’aeronautica durante la Seconda guerra mondiale. Provenienti da origini e luoghi diversi, e con temperamenti differenti, diventano amiche in questo insolito crogiolo.

Catherine Mort è davvero splendida nel ruolo di Jane. Canta con sicurezza e con una voce intrisa di emozione e sensibilità; il timbro è luminoso, un autentico piacere da ascoltare. Ha il ruolo più difficile: la ragazza innamorata dell’ufficiale affascinante, Guy, che però ama la sua migliore amica, Amy.

Quando Amy rifiuta di fare sesso con Guy e lo lascia, Guy si rivolge a Jane. Lei va a letto con lui perché lo ama; lui lo fa perché non vuole morire in battaglia senza sapere com’è l’intimità sessuale. Jane sa che Guy ama davvero Amy, ma non riesce a resistergli. E per questo rischia quasi di perdere l’amicizia di Amy.

È una storia familiare e profondamente vera, raccontata bene sullo sfondo claustrofobico di persone costrette a convivere in caserma a causa della guerra. Mort traccia alla perfezione tutti i sentimenti e le esperienze di Jane, in un’interpretazione misurata e finemente calibrata.

Tom Sterling, alto, di bell’aspetto e dotato di un timbro tenorile sicuro e pulito, affronta Guy con apparente facilità, anche se forse potrebbe sottolineare di più l’egoismo del personaggio. In fondo Guy è poco simpatico, e Sterling non dovrebbe aver paura di mostrarlo. Nei panni di Amy, Corrine Priest è dolce e preziosa come la “brava ragazza” che non vuole rinunciare alla verginità, anche se avrebbe bisogno di rilassarsi di più e lasciare che il personaggio prenda davvero il volo.

Catriana Sandison è deliziosa nel ruolo di Jas e la sua canzone sulla morte del fratello è uno dei momenti drammatici più intensi dello spettacolo, eseguito con bellezza e intelligenza. Sarah Harlington è eccellente nei panni della ragazza “per divertirsi”, Sally, e ottimo è anche il lavoro di Jessica Hern (Karen) e Perry Lambert (Lou).

Michael Rees, l’amico di Guy e compagno di scorribande, Gareth, l’archetipo dell’aviatore arrapato, dovrebbe lavorare per rendere il personaggio più completo e meno a frammenti. In alcuni momenti fa un lavoro eccellente, ma in altri sembra incerto su chi sia davvero Gareth. La voce è sicura e robusta, e non ha alcuna difficoltà a gestire l’umorismo del pezzo.

L’intero cast canta molto bene; la dizione è eccellente, così come l’intonazione. Non è una partitura facile da cantare e comporta grandi esigenze vocali — ma la compagnia le soddisfa con costanza e qualità. I grandi numeri d’ensemble sono una gioia pura da ascoltare.

È la proposta più forte delle tre produzioni di Goodall che l’Union ha presentato quest’anno. La direzione musicale di Tapner, un cast eccellente guidato da Catherine Mort e una partitura vivace, melodiosa e polifonica si uniscono per offrire un vero regalo teatrale. È una delle migliori produzioni musicali viste all’Union Theatre negli ultimi cinque anni — e il suo livello e il suo valore ribadiscono l’importanza che l’Union Theatre continui a esistere.