리뷰: 앤드 더 월드 고즈 라운드, 스톡웰 플레이하우스 ✭✭✭✭

줄리언 이브스가 스톡웰 플레이하우스에서 공연된 칸더와 엡의 뮤지컬 리뷰 And The World Goes Round를 리뷰한다.

And The World Goes Round 스톡웰 플레이하우스 2018년 3월 29일 최근 부활절 휴가로 해외에 나가기 전, 완즈워스 로드에 자리한 이 흥미롭고 아름다운 공간에 들러 존 칸더와 프레드 엡이 자신들의 노래를 선별해 다시 엮어 만든 작품의 영리하고 당돌한 리바이벌을 볼 수 있었던 건 정말 운이 좋았다. 이번 무대는 제작·연출·안무를 겸한 스튜어트 세인트의 노련한 시선 아래, 극장의 마크 매길과 공동 제작으로 선보였다.  그리고 내가 가길 얼마나 잘했는지.  단 몇 차례뿐인 짧은 공연 기간, 그리고 최소한의 리허설 일정 속에서도, 장래가 기대되는 신예 다니엘 홀과 조지나 니컬러스의 탄탄한 팀워크에 더해, 카바레 베테랑 수재나 켐프너, 케이티 베이커, 폴 하우드(폴 니컬러스 다이크로도 알려져 있다)의 이루 말할 수 없는 노련함이 합쳐져, 널리 알려진 곡과 상대적으로 덜 알려진 곡들을 이토록 기발하고 화려하게 재포장한 이 작품을 장엄하게 구현해냈다.  또한 스콧 엘리스, 수전 스트로먼, 데이비드 톰슨의 원안에서, 이를 하나로 꿰기 위한 짧은 대사들도 간간이 들려줬는데(일부는 그들 스스로 만든 것도 있었다). 리비유의 핵심은 화학작용—무엇보다도 출연진 사이의—과 톤—무엇보다도 콘텐츠 선택의—에 있다.  여기서는 두 요소 모두에서 크게 점수를 땄다.  세인트는 ‘승자’를 고르는 안목을 자부하는데, 이번 사랑스러운 팀은 음악적 조화와 연극적 흥미를 극대화하기에 더없이 적절하게 구성됐다.  무대 연출에서도 그는 능숙했다. 맨해튼의 빽빽한 도시적 밀도를 적확하게 환기했는데, 칸더와 엡의 노래는 배경이 무엇으로 설정되든 결국 제대로 자리 잡을 수 있는 지형이 늘 그곳뿐인 듯하다.  그리고 캐럴 아놉이 이끄는, 피터 무니(베이스), 메건 랜디그(드럼 및 퍼커션), 로버트 그린우드(리드), 제임스 메이휴(브라스)로 구성된 브라시하고 성량 좋은 밴드 덕에, 바로 옆 동네 주택가는 물론 그 너머까지 뻗어 나갈 듯한 ‘크게 때려 박는’ 사운드를 제대로 들을 수 있었다. 공연이 본격적으로 기어를 올린 건 몇 곡이 지난 뒤 베이커의 비현실적으로 아름다운 ‘Colored Lights’부터였다. 이 곡은, 사우스워크에 있는 ‘다른’ 남쪽 구(區)의 극장이 곧 이 노래가 나온 작품인 The Rink 전편을 올릴 예정이라는 반가운 예고편이기도 했다.  곡 말미에 제목 그대로의 스펙트럼 조명이 ‘켜지는’ 연출은 깔끔한 한 수였고, 이후 이어질 수많은 번쩍이는 대비와 전환을 예고하는, 전형적인 세인트다운 감각이었다.  칸더와 엡 같은 작가들을 위해 ‘세그웨(segue)’라는 단어가 만들어진 게 아닐까 싶을 정도다.  여기서 순간에서 순간으로 넘어가는 매끄러움은 말 그대로 세련됐다.  예컨대 서로 다른 작품에서 가져온 곡들을 믿기지 않게 트리오로 묶어, 한데 포개 쌓아 올리는 방식은—분명 의식적으로—손드하임 풍으로 느껴질 만큼 인상적이었다.  이 쇼는 낯선 곡조를 마치 오래된 친구처럼 들리게 하고, 가장 표준적인 레퍼토리조차 갑자기 신선하고 놀랍게 들리게 만든다.  이를테면 Cabaret의 타이틀 넘버를 절제된 클로즈 하모니 앙상블로 들려준 버전이 그랬다. 신성할 만큼 뜻밖이었고, 이제 이 ‘카바레’를 차려 내는 ‘사람들’에 관한 노래가 됐다.  영리할 뿐 아니라, 사실이기도 하다.  멋진 미덕들, 그리고 이 리비유가 지향하는 핵심 그 자체다. 코미디도 여기서 빛을 발했다.  특히 베이커와 켐프너는 귀엽게 연출된 ‘Class’를 통해 관객을 제대로 휘어잡았고, 이어 ‘The Grass Is Always Greener’를 능청스럽게 다시 장전하듯 들려주며, 재치 있게 다듬어진 가사와 단순하지만 강력한 멜로디에도 불구하고 결국 이 레퍼토리는 노래 뒤에 있는 ‘사람들’과 그들의 관계에 관한 것임을 보여줬다.  웃음은 더 크고 더 역동적으로도 터졌다. ‘Arthur in the Afternoon’에서는 무대 위를 재빠르게 움직이며, 곡이 품은 금지된 사랑 이야기에 어지럽게 맞서는 대위법을 만들어냈다. 순수하게 ‘말의 아름다움’만 놓고 보면, 대체 ‘My Coloring Book’을 무엇이 이길 수 있을까. 조니 미첼을 떠올리게 하는 꾸밈없는 천진함을 지닌 이 노래가 ‘Money Makes The World Go Around’와 같은 세계에서 나왔다니 믿기 어려울 정도다. 켐프너는 놀랄 만큼 힘 들이지 않은 듯한 제어로 이를 불렀고, 동시에 이들이 아마도 두 번째로 가장 잘 알려진 무대 작품의 영화 버전에서 가져온, 가장 요란한 대형 넘버들을 함께 모여 거침없이 몰아치는 장면과도 자연스럽게 맞물렸다. 기묘하게도 웨스트엔드에 처음 등장했을 때 Chicago는 단명한 ‘반짝’ 성공에 그쳤다.  몇 달 만에 막을 내렸고, 전 제작은 거액 £500이라는 ‘왕실급’ 금액으로 리즈의 한 아마추어 단체에 팔렸다. 그들은 곧바로 3주 더 부활시켰는데—아마추어 극단으로서는 유난히 긴 공연이었다—나는 그 기간 동안 매주 보러 가며, 이렇게 완벽한 쇼가 어째서 영국 대중 오락의 중심에 자리를 잡지 못했는지 믿을 수가 없었다.  나는 분명히 돌아올 거라 확신했고, 귀 기울여줄 사람만 있으면 몇 년이고 그 이야기를 하고 다녔다.  결국, 물론, 작품은 돌아왔고, 장엄한 승리로 자리했다.  시대정신이 마침내 창작자들의 예술적 비전과 비틀린 감수성을 따라잡은 것이다. 이제 우리는 그들을 아무리 봐도 질리지 않는다.  한동안 방랑을 마치고, WC2로 다시 돌아왔다.  그리고 다른 수많은 작품들이 차례를 기다리고 있다. 비밀은 무엇일까?  누군가 간단히 설명할 수 있다면 좋으련만.  내 생각엔, 이 작가들이 아우르는 극단에서 그 단서가 보인다. 풋풋한 희망이 지닌 진지한 영웅성부터, 홀의 경악스러울 만큼 뛰어난 ‘Mr Cellophane’이 보여주는 광기에 가까운 절망(미스터 보쟁글스 풍의 공포 조명까지 더해)까지; 켐프너의 ‘Maybe This Time’이 품은 흙내 나는 갈망에서 하우드의 ‘Kiss Of The Spider Woman’이 자아내는 이국성까지.  그리고 더.  또 더.  이 쇼는 이 출연진을 더 듣고 싶게 만들 뿐 아니라—부디, 그렇게 하자!—모든 것이 시작된 원천으로 우리를 되돌려 보내, 브로드웨이 전설 가운데서도 가장 위대한 두 거장, 칸더와 엡의 창작 천재성을 더 깊이 파고들게 한다.  훌륭하다.