CRÍTICA: Histórias da Cidade, St James Studio ✭✭✭✭✭

Histórias da Cidade

St James Studio

2 de junho de 2015

5 Estrelas

Histórias da Cidade, com o subtítulo ‘Contos de Amor e Magia em Londres’, é um portefólio em expansão de peças curtas — agora seis no total — das quais se pode escolher uma seleção para ser apresentada em diferentes combinações, compondo uma só noite de espetáculo. (Na noite a que assisti, as peças foram Narcissi, Occupy, Lullaby e Carousel.) As peças são ligadas e pontuadas pelas canções evocativas de Rosabella Gregory, interpretadas em palco ao piano. Todas se passam em Londres, a evocam e testemunham o seu ‘espírito do lugar’, e, de diferentes formas, meditam sobre os desafios, as dores e as alegrias de estar apaixonado. Mais precisamente, as personagens oferecem uma série de reflexões sobre como os nossos envolvimentos emocionais com outras pessoas nos obrigam a olhar mais de perto — e com mais rigor — para a composição e as contradições das nossas próprias personalidades. Em cada caso, a personagem principal encontra e se apaixona por alguém cuja presença e função na história estão ligeiramente fora do comum; alguém que mantém um pé fora da realidade. Isto cria um espaço onírico e contemplativo — não exatamente fantasioso — no qual todo o tipo de possibilidades e desfechos urbanos podem ser imaginados tanto pelas personagens como pelo público, antes de regressarmos, no final, ao quotidiano londrino, com os nossos limites apenas um pouco mais afastados. Ficamos lembrados de que, todos os dias na cidade, nos são dadas inúmeras oportunidades de abraçar ou rejeitar a vida. Este espaço é texturalmente ocupado pelas canções pungentes, em arpejos e maioritariamente melancólicas de Gregory, com abundante e hábil sublinhado musical pelo caminho, e deixas sonoras que enriquecem delicadamente um texto já de si denso, de um modo que evoca o universo do cinema a preto e branco dos primeiros tempos. A transitar entre o mundo esfumaçado do cabaré ‘pela meia-noite dentro’, monólogos excêntricos e profundos que lembram Talking Heads, de Bennett, e uma sensação da natureza aleatória e inesperada dos encontros urbanos, perguntei-me de início se esta sequência não funcionaria melhor na rádio, onde o ouvinte é forçado a unir os pontos com a imaginação; mas é um tributo à qualidade da interpretação e da criação musical aqui em cena que estas peças curtas foram envolvendo cada vez mais o público da noite de imprensa, até ficarmos totalmente absorvidos no seu mundo de compromissos e experiências intensos e ligeiramente desalinhados. Se isto é um novo género de ‘teatro-cabaré’, como alguns críticos sugeriram, então quero ver mais!

Trata-se, portanto, de um trabalho num patamar criativo sofisticado, em que tudo depende, num sentido muito puro e básico, dos próprios intérpretes. Não há cenários, apenas alguns apontamentos de figurino — um chapéu ou um casaco aqui e ali — e algumas cadeiras quando necessário. Importa sublinhar também que o St James Studio, com o palco encostado a um lado para dar lugar a um bar, não é o espaço mais fácil para captar um público em conjunto. Há demasiados ângulos e níveis pouco cómodos para que se consiga jogar para todos, e o espaço de cena disponível é diminuto. Grande mérito, então, para todo o elenco e para James Phillips pela encenação, para além da sua escrita luminosa e, ainda assim, calibrada com precisão.

Após uma canção introdutória que estabelece o ambiente, sobre a ubiquidade de contar histórias, com o balanço e a ondulação do Tamisa na parte de piano, chegamos a Narcissi, um monólogo mais-ou-menos em que Natalie (Sarah Quintrell) conta como a sua vida mudou quando estava a tocar piano em espaço aberto na estação de St Pancras. Um homem chamado Jack (Tom Gordon) aproxima-se, coloca todo o dinheiro que tem no chapéu dela e proclama que ela é a resposta ao enigma da vida. Como lidar com alguém que nos enfrenta com uma adoração e uma devoção implacáveis? Fugir, ou arriscar e tornarem-se ‘almas peregrinas’ juntos? Este é o primeiro de vários momentos, nestas peças, em que alguém com um ar de outro mundo obriga a narradora a confrontar e reconciliar elementos contraditórios da sua própria personalidade. A peça cristaliza em torno de outra canção, ‘The Secret Garden’, em que o casal se encontra em intervalos regulares ao longo do resto das suas vidas, conduzidos ora para longe, ora de volta um ao outro — uma cena que é simultaneamente irreal e, no entanto, provavelmente acontece diante de nós todos os dias, enquanto atravessamos os parques no centro da cidade. Em Lullaby, Audrey (Daphne Alexander) descobre que a cidade está a adormecer à sua volta. Não num registo de ficção científica, mas como uma exploração do que poderia acontecer em Londres se toda a gente começasse simplesmente a dormir mais uma hora. A amiga de Audrey, Rachel (Sarah Quintrell), adormece num filme e não consegue lembrar-se do final; a partir daí, Audrey vai percebendo, gradualmente, que todos os seus amigos lhe escapam enquanto ela permanece igual: ‘partimos para aquela terra sombria dos sonhos como se fosse o destino que sempre desejámos secretamente, como se o mundo desperto, o mundo da dificuldade, da contradição e da dor, sempre tivesse sido demasiado para nós.’ Há um excerto excecional que descreve uma caminhada por um centro de Londres deserto, passagem que me fez lembrar a descrição inquietante de Virginia Woolf de caminhar por Londres durante a Blitz. Depois, modulamos para a percepção de que esta doença do sono é, na verdade, uma metáfora para a forma como, no dia a dia, estamos muitas vezes adormecidos mentalmente — no sentido de desistirmos dos nossos sonhos e deixarmos as ideias perderem-se no escuro. Audrey decide manter-se fiel aos seus sonhos e a peça encerra quando ela tenta, sem garantia de sucesso, despertar o seu antigo amante Joe (Tom Gordon). O papel de Alexander aqui é extremamente exigente e esta é uma interpretação verdadeiramente bem medida, acumulativa. Occupy é a melhor das peças, uma pequena joia de escrita, que constrói personagem com precisão e economia a partir do mais improvável e imprevisível dos inícios. Mark (Scott Handy) é membro de um grupo secreto que trabalha numa cave secreta da Catedral de St Paul, onde compila e preserva as inúmeras cartas escritas a Deus ao longo dos séculos. Noutro momento de transformação confrontada, Ruth (Daphne Alexander) pede a carta de volta. Estranha, espirituosa, irónica de uma forma reconhecidamente anglicana, é a peça mais próxima, em tom, de Alan Bennett, mas levando as personagens em direções muito diferentes e luminosas. No fundo, trata-se de voltar a ganhar vida e amor na meia-idade, com o ‘coração desejoso de entrar em movimento, em liberdade e desprendimento’. Mark rebela-se, recupera a carta, e depois ambos são catapultados para um ato totalmente original de rebelião abrangente, que procura levar uma nova esperança a milhares de pessoas por toda a Londres. O final é espetacularmente inesperado e libertador — uma afirmação triunfante da verdade de que ‘a fé entra em cena quando todos os factos falham’, sem um pingo de moralismo ou de tom eclesiástico. Há grandes questões em pano de fundo, para lá do que um texto curto pode desenvolver plenamente; mas tudo é esboçado com a mais hábil das pinceladas a carvão. Em Carousel, o acréscimo mais recente às histórias, George (Alan Cox) e Lucy (Louisa Clein) encontram-se sob as torres de Canary Wharf quando ela o apanha a cantar a sua canção favorita. Ele é um observador ambíguo, intemporal, de boné raso, envolvido no que chama ‘trainspotting para a alma’. Convence Lucy a acompanhá-lo numa busca por uma mulher a quem deseja fazer um pedido de casamento. As cenas abrem-se para uma exploração da dimensão do tempo na City — não tanto viagens no tempo, mas uma consciência intensificada dos momentos e memórias urbanos em que tanto dependeu, ou ainda depende, de uma decisão ou de uma escolha num sentido ou noutro. Lucy chega a viver ‘cinco minutos que o dia nunca teve’ com o amor da sua vida e, pelo caminho, descobre que agora é simultaneamente mais e menos do que pensa. Para que isto não pareça pretensioso, garanto que há muitos toques ancorados de humor finamente observado, juntamente com as melhores e mais arrebatadas canções de Gregory — cheias de mudanças harmónicas inesperadas e de figuras corridas sussurradas que nos levam de novo ao rio por onde começámos.