مراجعة: أبيس، مسرح أركولا ✭✭✭✭

الهاوية

استوديو 2، مسرح أركولا

4 نجوم

قبل سنوات طويلة زرتُ برلين بعد سقوط الجدار بقليل. لطالما شدّتني بيوت الكتّاب والملحّنين وأماكن عملهم، لذا بعد أن استنفدتُ المعالم «العنوانية» الواضحة قرّرت زيارة متحف بريشت–فايغل، حيث قضى ثنائي القوة المسرحي في جمهورية ألمانيا الديمقراطية سنواتهما الأخيرة. كان توقيت الزيارة كئيباً: تمويل المتحف وفرقة برلينر إنسامبل نفسها كان موضع شك، والقيّمة المخلصة على المتحف لم تتقاضَ راتبها منذ أشهر. ومع ذلك ظلّ البيت نفسه يتحدّث ببلاغة عن تناقضات صاحبه الشهير. المسرحيات والمقالات التي سعت إلى إرباك الجمهور ودفعه إلى تفكير جديد حول الدور الاجتماعي للمسرح، وإلى طرد الاتكال المملّ على السرد المحض وعلى تطوّر الشخصيات عبر النص—كلّ ذلك كان معروضاً بالطبع. لكن حين دخلتُ غرفة نوم بريشت الصغيرة القاسية، وجدتُ هناك، لدهشتي، فوق السرير الفردي الضيّق صفاً طويلاً من روايات الجيب المثقوبة الأطراف من الإثارة والويسترن والبوليسي، مخبّأة كأنها مخزون سري من الحلوى، كتحية في وقت الراحة لأولوية الحبكة. عادت تلك التجربة إلى ذهني خلال العرض الأخير لمسرحية ABYSS في أركولا، استوديو 2، حيث يبرز سؤال دور السرد مقابل الانفعال المجرّد في الواجهة تماماً. بدأت هذه المسرحية حياتها قبل بضع سنوات في «الدويتشه تيآتر» ببرلين بعنوان Brandung. وما تزال تُعرض هناك أيضاً، لكنها في الأثناء انتقلت إلى تورونتو مع بعض المراجعات، ومن هناك إلى لندن الآن. اكتسبت على الطريق بعض الحشو السردي الإضافي، لكنها ما تزال في جوهرها عملاً من مسرح regisseur (المسرح القائم على رؤية المخرج) حيث ينصبّ التركيز على نقل الحالات الشعورية للمؤدين عبر الحركة والصوت والنص—بقدر ما، إن لم يكن أكثر، عبر النص ذاته، الذي يأتي هنا أقرب إلى الإنشاد منه إلى الشرح. والسؤال المحوري إذن: إلى أي مدى ينجح العمل وفق هذه الشروط؟ هل يتيح هذا القيد الذاتي كشفاً وتمكيناً، أم يفرض تضييقاً وإفقاراً؟ الإجابة، كما يحدث كثيراً، ليست قاطعة.

المساحة المستطيلة لاستوديو 2 مُرتّبة ببساطة، مع ثلاثة صفوف/مصاطب من المقاعد، وجدار من المصابيح المعلّقة يواجهنا، وطاولة كبيرة في منتصف المكان. وعلى جانبي السقف قضيبان أشبه بقضبان الأرجوحة المعلّقة. الطاولة، بوجوه كثيرة، هي محور الحركة: تُستخدم بمرونة لمشاهد الصراع والمصالحة، وكمكان للملاذ، ولتضحية مُنمّطة. هناك قدر كبير من الحركة المتقنة والمركّبة يستكشف أبعاد المكان كافة ويُنتج لوحات ذات قوة درامية وتركيز شعري، لكانت مؤثرة حتى لو كنّا نشاهد تركيباً فنياً لا مسرحية. مصابيح الجدار الخلفي تخفق وتخبو بتوليفات مختلفة كتعليق صامت على الفعل المسرحي وتعزيز له أو كموسيقى مزاجية له. ويعود فضل كبير في ذلك إلى مُخرجة الحركة آنا موريسي، ومصمم الإضاءة زيغي جاكوبس.

هناك ثلاثة مؤدين وأربع شخصيات، وبعضها يبحث عن مؤلف أكثر من غيره. شخصية الراوية، وهي بلا اسم، (نيكولا كافاناغ) تشارك شقة في مدينة ألمانية غير مُسمّاة مع شقيقتها صوفيا (جنيفر إنغلش) ورجل من أصول صربية وكرواتية معاً، فلادو (إيان باتشلور). ويلعب باتشلور أيضاً دور يان، الحبيب الجديد للراوية. الغائبة طوال الوقت هي كارلا، العضو الأخير في هذه الشراكة السكنية، وحبيبة فلادو. رحيلها هو النقطة التي يبدأ عندها الحدث. خرجت لشراء بعض الحاجيات ولم تعد أبداً. ويتخلّل الفعل المسرحي عدٌّ للأيام منذ رحيلها يُقدَّم بالألمانية. تقودنا الراوية عبر سلسلة من ردود الفعل على اختفاء صديقة مقرّبة: عدم تصديق، ومحاولات لإقناع الشرطة بالتعامل مع القضية بجدّية، وأخيراً (حين لا يفعلون) محاولات من جميع الأصدقاء لرفع الوعي عبر وسائل التواصل والإعلام المطبوع، ثم الانطلاق للبحث عن المفقودة بأنفسهم. هذه الجوانب الأكثر تقليدية تتخلّلها مقاطع تصف فيها صوفيا قتل أرنب وتجهيزه وطبخه وتقديمه، فيكون ذلك تعليقاً رمزياً على أحداث يُلمَّح إليها ولا تُعرض لنا بالكامل. يزداد الجو قتامة في النصف الثاني من الأمسية، إذ يتحوّل اهتمام المؤدين من الخارجيات إلى عالم الذاكرة والمسؤولية الشخصية، فيما يستعيدون أوقاتاً وأحداثاً سابقة أكثر سعادة برفقة كارلا. ما مدى موثوقية الروايات التي نتلقّاها، ومن—إن كان أحد—يستحق ثقتنا؟ تُترك الإجابات النهائية إلى حد كبير لنا لنحسمها.

يقتنص جميع المؤدين الفرص المتاحة لهم بشغف ورشاقة: تقدّم إنغلش تعليقاً جَماعياً غاضباً على مجريات الأحداث في معظم الوقت، ممتلئاً باحتقار الناجي الصلب للظروف المستحيلة التي يجدون أنفسهم فيها؛ فيما تنقل كافاناغ—ولديها النص الأكبر—بتماسك تعاقب الحالات التي يثيرها اختفاء بلا تفسير: عدم التصديق، والغضب من عدم أخذهم على محمل الجد، واليأس والقنوط، وشعور الذنب لدى من بقي حيّاً. أما باتشلور، فيغوص أعمق في دور فلادو عبر تجسيد شخصية مضطربة ومقلقة، تبدو متضررة بوضوح من نشأتها المتنازعة في يوغوسلافيا، وتختبر تفتتاً في الهوية يرتبط بمن يواجه العنصرية والازدراء اليومي فوق فقدان نواة هوية أساسية. لديه مادة أقل بكثير في تجسيد يان، ورغم تمييز الأداءين عن بعضهما بنجاح، فإن المسرحية—لو استغنت عن هذه الشخصية—لاكتسبت في الواقع مزيداً من التركيز والزخم العام.

لذلك فإن الرفض المتعمّد لتقديم أجوبة سردية حتى قرب نهاية المسرحية هو في آنٍ واحد تحدّيها وفرصتها التي يوفّرها المؤلف والمخرج. عموماً، تفوق المكافآتُ الإحباطاتِ. يقدّم المؤدون بلاغة شعرية قوية تُجبر الانتباه وتترك لنا، نحن الجمهور، مساحة واسعة للتفكير في القضايا الكبرى التي تطرحها المسرحية: كيف تُبنى الثقة وتنهار ثم تُعاد صياغتها؟ ما الذي يمكن أن نعرفه في أزمة، حتى عن أولئك الذين عشنا معهم طويلاً وسط الشدّة؟ كيف يمكن لشهود الأحداث نفسها أن ينتجوا ذكريات شديدة الاختلاف مع صدق يبدو حقيقياً؟ وفوق كل شيء، في أوقات المحن، أيّ جوانب من شخصياتنا ستتقدّم إلى الواجهة... الأكثر اتزاناً وشجاعة، أم الأكثر ذلاً وجُبناً؟

لكن في النهاية يصبح التوتّر بين العدّ اليومي لمرور الوقت وتجنّب توجيه السرد ثقيلاً أكثر مما يحتمل، وفي المقاطع الأخيرة نعود—بقدر من الارتياح—إلى تقنية شرح أكثر توقعاً. علاوة على ذلك، تسترخي أداءات الممثلين بشكل ملحوظ حين يفسح الشكل التجريدي المتقطّع، شبه الطقسي، المجال لطرح أكثر طبيعية. فالتنوّع في النبرة والشكل ليس عدوّاً للفكر في نهاية المطاف. نحن بحاجة إلى روايات الإثارة والويسترن أيضاً. ملاحظتي الأساسية الوحيدة أن الاستراحة غير ضرورية تماماً: ستكون المسرحية أفضل كثيراً لو قُدّمت متصلة دون توقّف. لكن لا تدع ذلك يثنيك: إنها أمسية آسرة بمهارة وجدية كبيرتين، من تلك التي يتناسب ما تأخذه منها مع ما أنت مستعد أن تمنحه لها......

تُعرض «الهاوية» في مسرح أركولا حتى 25 أبريل 2015