ELEŞTİRİ: Abyss, Arcola Theatre ✭✭✭✭

Abyss (Uçurum)

Arcola Tiyatrosu, Studio 2

4 Yıldız

Yıllar önce, Berlin Duvarı'nın yıkılışından kısa süre sonra Berlin'e gitmiştim. Yazarların ve bestecilerin evlerine ve çalışma alanlarına her zaman ilgi duymuşumdur; bu yüzden popüler turistik yerleri bitirdikten sonra, Doğu Almanya'nın efsanevi tiyatro çiftinin son yıllarını geçirdiği Brecht-Weigel Müzesi'ni ziyaret etmeye karar verdim. Gitmek için moral bozucu bir zamandı: Müzenin ve bizzat Berliner Ensemble'ın finansmanı belirsizdi ve emektar küratöre aylardır ödeme yapılmamıştı. Yine de evin kendisi, ünlü sahibinin çelişkilerini hala etkileyici bir dille anlatıyordu. Seyirciyi tiyatronun sosyal rolü hakkında yeni düşüncelere sevk etmeyi amaçlayan, salt anlatıya ve karakterin metinsel gelişimine dayanan yorgun alışkanlıkları terk eden oyunlar ve makaleler elbette her yerde sergileniyordu. Ancak Brecht'in o sade, küçük yatak odasına girdiğinizde, hayretle gördüm ki o daracık tek kişilik yatağın üzerinde, sanki gizli bir şekerleme stoğu gibi saklanmış, sayfaları çevrilmekten yıpranmış bir dizi polisiye, gerilim ve kovboy romanı duruyordu; olay örgüsünün önceliğine verilmiş mesai dışı bir saygı duruşu gibi... Bu deneyim, Arcola Studio 2’de izlediğim, anlatının rolü ile soyut duygu arasındaki meselenin ön plana çıktığı ABYSS (Uçurum) oyunun son gösterimlerinde zihnimde yeniden canlandı. Bu oyun hayatına birkaç yıl önce Berlin’deki Deutsches Theater’da Brandung adıyla başladı. Halen orada sahnelenmeye devam ediyor, ancak bu süreçte bazı revizyonlarla Toronto’ya ve oradan da Londra’ya taşındı. Yol boyunca anlatısal bazı eklemeler kazanmış olsa da, esasen hala odak noktasının hareket, ses ve metin aracılığıyla (çoğu zaman metinden daha fazla) oyuncuların duygusal durumlarını aktarmak olduğu bir reji tiyatrosu örneği. Metin ise açıklayıcı olmaktan ziyade ayinsel bir tınıya sahip. Bu noktada temel soru, eserin bu şartlar altında ne kadar başarılı olduğu: Bu kendini sınırlama hali ufuk açıcı mı, yoksa kısıtlayıcı ve fakirleştirici mi? Cevap, çoğu zaman olduğu gibi, siyah-beyaz değil.

Studio 2’nin dikdörtgen alanı sade bir şekilde düzenlenmiş: Üç sıra koltuk, bize bakan asılı ampullerden oluşan bir duvar ve alanın ortasında büyük bir masa. Tavandan sarkan iki trapez barı ise her iki yanda yer alıyor. Masa, pek çok açıdan aksiyonun merkezinde; çatışma, uzlaşma, sığınak ve stilize bir kurban etme sahneleri için esnek bir şekilde kullanılıyor. Alanın tüm boyutlarını keşfeden, etkileyici ve incelikli hareketler bütünü; bir oyundan ziyade sanatsal bir enstalasyona tanıklık ediyormuşuz hissi veren dramatik bir güç ve şiirsel bir yoğunluk oluşturuyor. Arka duvardaki ampuller, aksiyonun dilsiz bir yorumcusu veya ruh halini güçlendiren bir müzik gibi farklı kombinasyonlarda yanıp sönüyor. Bu açılardan hareket yönetmeni Anna Morrissey ve ışık tasarımcısı Ziggy Jacobs büyük bir övgüyü hak ediyor.

Üç oyuncu ve dört karakter var; bazıları yazarını diğerlerinden daha fazla arıyor. Adı belirtilmeyen anlatıcı figürü (Nicola Kavanagh), ismi verilmeyen bir Alman şehrinde kız kardeşi Sofia (Jennifer English) ve Sırp-Hırvat kökenli Vlado (Iain Batchelor) ile aynı daireyi paylaşıyor. Batchelor aynı zamanda anlatıcının yeni erkek arkadaşı Jan’ı da canlandırıyor. Bu ev arkadaşlığı grubunun son üyesi ve Vlado’nun kız arkadaşı olan Karla ise oyun boyunca yok. Aksiyon tam olarak onun ayrıldığı noktada başlıyor. Bir şeyler almak için dışarı çıkmış ve bir daha asla dönmemiştir. Oyun, Karla'nın gidişinden bu yana geçen günlerin Almanca sayılmasıyla bölünüyor. Anlatıcı bizi, yakın bir arkadaşın kaybolmasına verilen tepkiler silsilesine götürüyor: İnanamama, polisin davayı ciddiye almasını sağlama çabaları ve son olarak (polis ciddiye almayınca) tüm arkadaşların sosyal medya ve basında farkındalık yaratma ve kayıp kişiyi bizzat arama çabaları... Bu geleneksel yönler, Sofia'nın bir tavşanın öldürülmesini, hazırlanmasını, pişirilmesini ve servis edilmesini anlatmasıyla kesiliyor; bu, bize asla tam olarak sunulmayan ancak ima edilen olayların sembolik bir yorumu işlevini görüyor. Akşamın ikinci yarısında, oyuncuların dikkati dış dünyadan anıların ve kişisel sorumlulukların dünyasına kayarken atmosfer daha da kararıyor; Karla ile geçirdikleri o eski, mutlu günleri hatırlıyorlar. Bize sunulan bu anlatılar ne kadar güvenilir ve eğer varsa kime güvenmeliyiz? Nihai cevaplar büyük ölçüde bizim takdirimize bırakılıyor.

Tüm oyuncular kendilerine sunulan fırsatları tutku ve zarafetle değerlendiriyor: English, içinde bulundukları imkansız koşullara bir sağ kalanın küçümseyen edasıyla bakarak, oyun boyunca aksiyona öfkeli bir koro yorumuyla eşlik ediyor. En fazla metne sahip olan Kavanagh ise, açıklanamayan bir kayboluşun tetiklediği ruh hali değişimlerini; inanamama, ciddiye alınmamanın verdiği öfke, çaresizlik ve sağ kalan suçluluğunu ustalıkla aktarıyor. Vlado rolünde Batchelor, Yugoslavya'daki çatışmalı çocukluğundan hasar görmüş, ırkçılık ve günlük saygısızlıkla karşılaştığında kimlik kaybına uğrayan, sorunlu ve huzursuz bir karakteri derinlemesine işliyor. Jan tasvirinde elinde çok daha az malzeme var; performanslar birbirinden başarıyla ayrılsa da, oyun bu karakteri kaybetseydi aslında daha fazla odak noktası ve genel bir ivme kazanırdı.

Oyunun sonuna kadar anlatısal yanıtlardan bilinçli olarak kaçınılması, yazar ve yönetmenin sunduğu hem bir zorluk hem de bir fırsat. Genel olarak bakıldığında, kazanımlar hayal kırıklıklarından daha ağır basıyor. Oyuncular, ilgiyi canlı tutan güçlü bir şiirsel ifade sunuyor ve seyirciye oyunun sorduğu büyük sorular üzerinde düşünebileceği geniş bir alan bırakıyor: Güven nasıl inşa edilir, nasıl sarsılır ve yeniden kurulur? Uzun süre birlikte zorluklara göğüs gerdiğimiz kişiler hakkında bile, bir kriz anında neyi bilebiliriz? Aynı olayın tanıkları, nasıl bu kadar içtenlikle birbirinden farklı anılar üretebilir? Her şeyden önemlisi, zor zamanlarda kendi karakterimizin hangi parçaları ön plana çıkacaktır... En dayanıklı ve cesur olan mı, yoksa en perişan ve korkak olan mı?

Ancak sonuçta, geçen günlerin sayımı ile anlatısal yönelimden kaçınma arasındaki gerilim sürdürülebilir olmaktan çıkıyor ve final bölümlerinde bir nebze rahatlamayla daha öngörülebilir bir açıklama tekniğine geri dönüyoruz. Dahası, o soyut, kesik kesik ve neredeyse ayinsel formalizm yerini daha doğal bir sunuma bıraktığında oyuncuların performanslarının belirgin şekilde rahatladığı görülüyor. Üslup ve biçim çeşitliliği nihayetinde düşüncenin düşmanı değildir. Polisiye ve kovboy romanlarımıza da ihtiyacımız var. Tek büyük eleştirim, ara verilmesinin tamamen gereksiz olduğu; oyun tek perdede kesintisiz sahnense çok daha etkileyici olurdu. Yine de bu sizi vazgeçirmesin: Bu, büyük bir beceri ve ciddiyetle hazırlanmış büyüleyici bir akşam; verdiğiniz emeğin karşılığını fazlasıyla aldığınız oyunlardan biri...

Abyss, 25 Nisan 2015'e kadar Arcola Tiyatrosu'nda izlenebilir.