ANMELDELSE: Abyss, Arcola Theatre ✭✭✭✭

Abyss

Arcola Theatre Studio 2

4 stjerner

For mange år siden besøgte jeg Berlin kort efter murens fald. Jeg har altid været interesseret i forfatteres og komponisters hjem og arbejdspladser, så efter at have set de obligatoriske seværdigheder, besluttede jeg mig for at besøge Brecht-Weigel-museet, hvor det hedengangne DDR’s teatrale power-par tilbragte deres sidste år. Det var et deprimerende tidspunkt at besøge det på: støtten til museet og selve Berliner Ensemble hang i en tynd tråd, og den loyale kurator havde ikke fået løn i måneder. Alligevel talte huset i sig selv tydeligt om de modsigelser, der prægede dets berømte ejer. De stykker og essays, der søgte at ryste publikum til nye tanker om teatrets sociale rolle og forvise den trætte afhængighed af ren fortælling og karakterudvikling – alt dette var bestemt til skue. Men da man trådte ind i Brechts spartanske lille soveværelse, lå der til min store overraskelse over den smalle enkeltseng en lang række velbrugte billigbogs-krimier, westerns og detektivromaner – gemt væk som en hemmelig portion slik, en hyldest til plottets overlegenhed i fritiden. Denne oplevelse dukkede op i mine tanker under opsætningen af ABYSS i Arcola Studio 2, hvor spørgsmålet om rollen mellem narrativ over for abstrakt følelse i den grad er i fokus. Stykket startede sit liv for nogle år siden på Deutsches Theater i Berlin under titlen Brandung. Det spiller stadig dér, men har i mellemtiden også været forbi Toronto med visse revisioner, og herfra er det nu nået til London. Det har fået lidt mere narrativt fyld med på vejen, men er stadig i sit væsen et stykke regiteater, hvor fokus i høj grad ligger på at formidle skuespillernes følelsesmæssige tilstande gennem bevægelse, lyd og tekst – og tekstens rolle er her mere messende end forklarende. Det centrale spørgsmål er derfor, hvor vellykket værket er på disse præmisser: Virker denne selvbegrænsning frigørende og afslørende, eller er den restriktiv og forarmende? Svaret er, som så ofte før, ikke entydigt.

Det rektangulære rum i Studio 2 er enkelt indrettet med tre rækker sæder, en væg af ophængte pærer foran os og et stort bord i midten af rummet. To trapezstænger hænger fra loftet i hver side. Bordet er på mange måder forestillingens midtpunkt og bruges fleksibelt til scener præget af konflikt, forsoning, tilflugt og stiliseret ofring. Der er en imponerende mængde koreograferet bevægelse, der udforsker alle rummets dimensioner og skaber tableauer med en dramatisk kraft og poetisk koncentration, som ville stå stærkt, selv hvis vi blot overværede en kunstinstallation frem for et teaterstykke. Pærerne på bagvæggen pulserer og dæmpes i forskellige kombinationer som en stum kommentar til og intensivering af handlingen. Bevægelsesinstruktøren Anna Morrissey og lysdesigneren Ziggy Jacobs fortjener stor ros for dette arbejde.

Der er tre skuespillere og fire karakterer – nogle af dem søger mere efter en forfatter end andre. Fortælleren, som er unavngiven (Nicola Kavanagh), deler en lejlighed i en unavngiven tysk by med sin søster Sofia (Jennifer English) og en mand af serbisk-kroatisk herkomst, Vlado (Iain Batchelor). Batchelor spiller også Jan, fortællerens nye kæreste. Fraværende gennem hele stykket er Karla, det sidste medlem af bofællesskabet og Vlados kæreste. Hendes forsvinden er det punkt, hvor handlingen starter. Hun er smuttet ud efter fornødenheder og vender aldrig tilbage. Handlingen punkteres af en tælling af dage siden hendes forsvinden, angivet på tysk. Fortælleren fører os gennem en række reaktioner på en nær vens forsvinden – vantro, forsøg på at overbevise politiet om at tage sagen alvorligt og til sidst (da de nægter) de efterladte venners forsøg på at skabe opmærksomhed i sociale og trykte medier og selv lede efter den savnede. Disse mere traditionelle aspekter afbrydes af Sofia, der beskriver slagtning, tilberedning og servering af en kanin, hvilket fungerer som en symbolsk kommentar til begivenheder, der antydes, men aldrig fuldt ud præsenteres for os. Atmosfæren og tonen mørkner yderligere i anden halvdel, da skuespillernes fokus skifter fra det ydre mod erindringens verden og det personlige ansvar, mens de mindes tidligere og lykkeligere tider i Karlas selskab. Hvor pålidelige er de beretninger, vi får, og hvem kan vi egentlig stole på? De endelige svar overlades i vid udstrækning til os selv.

Alle skuespillere griber deres muligheder med passion og ynde: English leverer en vred, korisk kommentar til handlingen, ofte fyldt med en sej overlevers foragt for de umulige omstændigheder, de befinder sig i. Kavanagh, der har mest tekst at arbejde med, formidler kyndigt de skiftende sindstilstande, som en uforklarlig forsvinden fremprovokerer – vantro, vrede over ikke at blive taget alvorligt, desperation og overlevelsesskyld. Som Vlado stikker Batchelor endnu dybere med sit portræt af en plaget og foruroligende skikkelse, tydeligt mærket af sin konfliktfyldte opvækst i Jugoslavien og præget af den personlighedsklyvning, der følger med racismen og den daglige respektløshed oven i tabet af en grundlæggende identitet. Han har betydeligt mindre at arbejde med i sin skildring af Jan, og selvom præstationerne holdes fint adskilt, ville stykket faktisk vinde mere fokus og fremdrift, hvis denne karakter blev skåret fra.

Den bevidste afvisning af narrative svar indtil nær slutningen af stykket er derfor både udfordringen og muligheden, som forfatteren og instruktøren giver os. Overordnet set er belønningen større end frustrationerne. Skuespillerne besidder en kraftfuld poetisk veltalenhed, der kræver opmærksomhed og giver os som publikum masser af plads til at reflektere over de store spørgsmål, stykket stiller – hvordan opbygges, nedbrydes og genopbygges tillid? Hvad kan vi vide om de mennesker, vi har levet med i lang tid, når krisen rammer? Hvordan kan vidner til de samme begivenheder frembringe så forskellige minder med tilsyneladende lige stor oprigtighed? Og vigtigst af alt: Hvilke sider af vores karakter træder frem i modgang... de mest hærdede og modige eller de mest ynkelige og feje?

Men i sidste ende bliver spændingen mellem den daglige optælling af tidens gang og undgåelsen af narrativ retning for svær at opretholde, og i de afsluttende dele vender vi tilbage til en mere forudsigelig, forklarende teknik med en vis lettelse. Desuden slapper skuespillerne mærkbart mere af, når den abstrakte, staccato-agtige og næsten sakrale formalisme viger for en mere naturalistisk præsentation. En variation i tone og form er trods alt ikke tankens fjende. Vi har også brug for vores krimier og westerns. Min eneste større anke er, at pausen er helt unødvendig; stykket ville fungere langt bedre i ét stræk. Men lad ikke dette afskrække dig: Dette er en fascinerende aften præget af stor dygtighed og alvor, af den slags hvor det, du får ud af det, står mål med det, du er villig til at lægge i det......

Abyss spiller på Arcola Theatre indtil den 25. april 2015