RECENSIONE: Abisso, Teatro Arcola ✭✭✭✭

Abyss

Arcola Theatre Studio 2

4 stelle

Molti anni fa visitai Berlino poco dopo la caduta del Muro. Ho sempre avuto interesse per le case e i luoghi di lavoro di scrittori e compositori, così, dopo aver esaurito le ovvie attrazioni da cartolina, decisi di visitare il Brecht-Weigel Museum, dove la “coppia di potere” teatrale della DDR trascorse gli ultimi anni. Fu un momento deprimente per andarci: i finanziamenti per il museo e per lo stesso Berliner Ensemble erano in bilico, e il fedele curatore non veniva pagato da mesi. Eppure la casa continuava a parlare con eloquenza delle contraddizioni del suo celebre proprietario. Le opere e i saggi che miravano a scuotere il pubblico, spingendolo a pensare in modo nuovo al ruolo sociale del teatro e a bandire la stanca dipendenza dalla sola narrazione e dallo sviluppo “testuale” del personaggio — tutto questo era esposto, certo. Ma quando entrai nell’austera cameretta di Brecht, lì, con mia grande sorpresa, sopra lo stretto letto singolo, c’era una lunga fila di tascabili consumati: thriller, western e gialli, custoditi come una scorta segreta di bonbon, un omaggio “fuori servizio” al primato della trama. Questa esperienza mi è riaffiorata alla mente durante la recente ripresa di Abyss all’Arcola, Studio 2, dove la questione del ruolo della narrazione rispetto all’emozione astratta è molto in primo piano. Questo spettacolo è nato alcuni anni fa al Deutsches Theater di Berlino con il titolo Brandung. È ancora in scena lì, ma nel frattempo è arrivato anche a Toronto con alcune revisioni, e da lì ora a Londra. Lungo il percorso ha acquisito qualche ulteriore riempitivo narrativo, ma resta essenzialmente un esempio di teatro di regisseur, dove l’attenzione è rivolta più a trasmettere gli stati emotivi degli interpreti attraverso movimento, suono e parola — tanto quanto, se non più, attraverso il testo, che in ogni caso è più incantatorio che esplicativo. La domanda chiave, quindi, è quanto l’operazione riesca in questi termini: questa auto-limitazione risulta abilitante e rivelatrice, oppure restrittiva e impoverente? La risposta, come spesso accade, non è netta.

Lo spazio rettangolare dello Studio 2 è allestito con semplicità: tre gradinate di sedute, una parete di lampadine sospese di fronte a noi e un grande tavolo al centro. Ai due lati, dal soffitto, sono appese due sbarre da trapezio. Il tavolo è per molti versi il fulcro dell’azione, usato con grande flessibilità per scene di conflitto e di riconciliazione, come luogo di rifugio e per un sacrificio stilizzato. C’è una quantità di movimento, impressionante e complesso, che esplora tutte le dimensioni dello spazio e crea tableaux di potenza drammatica e concentrazione poetica: funzionerebbero anche se stessimo assistendo semplicemente a un’installazione artistica, più che a uno spettacolo. Le lampadine sulla parete di fondo pulsano e si affievoliscono in combinazioni diverse, come commento muto e intensificazione — quasi una “musica d’atmosfera” — per l’azione. Grande merito, da questo punto di vista, va alla movement director Anna Morrissey e al lighting designer Ziggy Jacobs.

Gli interpreti sono tre e i personaggi quattro, alcuni dei quali più “in cerca d’autore” di altri. La figura narrante, senza nome (Nicola Kavanagh), condivide un appartamento in una città tedesca non specificata con la sorella Sofia (Jennifer English) e un uomo di origini serbe e croate, Vlado (Iain Batchelor). Batchelor interpreta anche Jan, il nuovo fidanzato della narratrice. Assente per tutto il tempo è Karla, l’ultimo membro della casa condivisa e fidanzata di Vlado. È la sua scomparsa a far partire l’azione. È uscita per comprare delle provviste e non torna più. L’andamento è scandito da un conteggio dei giorni dalla sua partenza, espresso in tedesco. La narratrice ci conduce attraverso una sequenza di reazioni alla sparizione di un’amica stretta: incredulità, tentativi di convincere la polizia a prendere sul serio il caso e infine (quando non lo fa) tentativi, da parte di tutti, di sensibilizzare l’opinione pubblica sui social e sulla stampa, e di mettersi loro stessi a cercare la persona scomparsa. Questi aspetti più tradizionali sono interrotti da Sofia che descrive l’uccisione, la preparazione, la cottura e il servizio di un coniglio, che funge da commento simbolico a eventi solo suggeriti e mai pienamente mostrati. L’atmosfera e il tono si incupiscono ulteriormente nella seconda metà della serata, quando l’attenzione degli interpreti si sposta dall’esterno al mondo della memoria e della responsabilità personale, mentre rievocano tempi ed episodi precedenti e più felici in compagnia di Karla. Quanto sono affidabili i racconti che stiamo ricevendo, e chi — se qualcuno — merita la nostra fiducia? Le risposte finali sono in gran parte lasciate a noi.

Tutti gli interpreti colgono con passione e grazia le opportunità che vengono loro offerte: English fornisce per gran parte del tempo un commento corale, rabbioso, pieno dell’energia combattiva di una sopravvissuta e del suo disprezzo per le circostanze impossibili in cui si trovano; mentre Kavanagh, che ha più testo a disposizione, restituisce con sicurezza la successione di stati d’animo che una scomparsa inspiegabile provoca — incredulità, rabbia per non essere presa sul serio, disperazione e sconforto, e senso di colpa del sopravvissuto. Nel ruolo di Vlado, Batchelor scava ancora più a fondo con il ritratto di una figura tormentata e inquietante, chiaramente segnata da un’infanzia conflittuale nella Jugoslavia di allora, e alle prese con la frammentazione della personalità tipica di chi sperimenta razzismo e quotidiana mancanza di rispetto, oltre alla perdita di un’identità primaria e stabile. Ha molto meno materiale per la sua interpretazione di Jan e, pur distinguendo con successo le due prove, se lo spettacolo rinunciasse a questo personaggio ne guadagnerebbe in concentrazione e slancio complessivo.

Il rifiuto deliberato di fornire risposte narrative fino quasi alla fine è dunque sia la sfida sia l’opportunità offerte da autore e regista. Nel complesso, le ricompense superano le frustrazioni. Gli interpreti offrono una potente eloquenza poetica che cattura l’attenzione e lascia a noi, come pubblico, molto spazio per riflettere sulle grandi questioni che lo spettacolo pone: come si costruisce la fiducia, come si rompe e come si ricostruisce? Cosa possiamo davvero sapere, in una crisi, anche di coloro con cui abbiamo vissuto a lungo nelle avversità? Come possono testimoni degli stessi eventi produrre ricordi così diversi con apparente sincerità? Soprattutto, nei momenti difficili, quali parti del nostro carattere emergeranno… le più temperate e coraggiose, o le più abiette e codarde?

Ma alla fine la tensione tra il conteggio quotidiano del tempo che passa e l’evitamento di una direzione narrativa è troppo difficile da sostenere e, nelle sezioni finali, torniamo con un certo sollievo a una tecnica espositiva più prevedibile. Inoltre, le interpretazioni degli attori si rilassano visibilmente non appena l’astratto formalismo, staccato e quasi ieratico, lascia spazio a una resa più naturalistica. Dopotutto, la varietà di tono e di forma non è nemica del pensiero. Abbiamo bisogno anche dei nostri thriller e dei nostri western. L’unica vera riserva è che l’intervallo è del tutto superfluo: lo spettacolo funzionerebbe molto meglio senza pausa, in un’unica tirata. Ma non lasciatevi scoraggiare: è una serata affascinante, di grande perizia e serietà — una di quelle in cui ciò che se ne ricava è proporzionale a quanto si è disposti a investire……

Abyss è in scena all’Arcola Theatre fino al 25 aprile 2015