CRITIQUE : Abyss, Arcola Theatre ✭✭✭✭

Abyss

Studio 2 du Théâtre Arcola

4 Étoiles

Il y a de nombreuses années, j'ai visité Berlin peu après la chute du mur. J'ai toujours été intéressé par les lieux de vie et de travail des écrivains et compositeurs, donc après avoir épuisé les sites touristiques évidents, j'ai décidé de visiter le musée Brecht-Weigel, où le couple théâtral puissant de la RDA a passé ses dernières années. C'était une période déprimante pour y aller : le financement du musée et du Berliner Ensemble était incertain, et le conservateur loyal n'avait pas été payé depuis des mois. Pourtant, la maison elle-même parlait toujours éloquemment des contradictions de son célèbre propriétaire. Les pièces et essais qui avaient cherché à déconcerter les spectateurs pour les inciter à réfléchir à nouveau sur le rôle social du théâtre et bannir la dépendance fatiguée sur le simple récit et le développement textuel des personnages - tout cela était bien sûr exposé. Mais lorsque vous entriez dans la petite chambre austère de Brecht, là, à ma stupéfaction, au-dessus du lit simple étroit, il y avait toute une longue rangée de thrillers, westerns, et romans policiers bien feuilletés, gardés comme une réserve secrète de bonbons, en hommage hors service à la primauté de l'intrigue. Cette expérience a refait surface dans mon esprit lors de la récente série de représentations de ABYSS au Arcola, Studio 2, où la question du rôle du récit par rapport à l'émotion abstraite est très présente. Cette pièce a commencé il y a quelques années au Deutsches Theater, Berlin sous le titre de Brandung. Elle y joue encore, mais entre-temps, elle s'est aussi déplacée à Toronto avec quelques révisions, et de là maintenant à Londres. Elle a acquis quelques compléments narratifs en cours de route, mais reste essentiellement une pièce de théâtre regisseur où l'emphase est davantage sur la transmission des états émotionnels des interprètes à travers le mouvement, le son et le texte, autant sinon plus que par le texte, qui est de toute façon plus incantatoire qu'explicatif. La question clé est donc de savoir à quel point la pièce réussit selon ces termes : cette auto-limitation est-elle habilitante et révélatrice, ou restrictive et appauvrissante ? La réponse, comme souvent, n'est pas simple.

L'espace rectangulaire de Studio 2 est agencé de façon simple, avec trois rangées de sièges, un mur d'ampoules suspendues nous faisant face, et une grande table au milieu de l'espace. Deux barres de trapèze sont de chaque côté suspendus au plafond. La table est à bien des égards l'élément central de l'action, utilisée de manière flexible pour les scènes de conflit, de réconciliation, comme un refuge, et de sacrifice stylisé. Il y a beaucoup de mouvements impressionnants et élaborés explorant toutes les dimensions de l'espace, produisant des tableaux de puissance dramatique et de concentration poétique qui le seraient même si nous assistions simplement à une installation artistique plutôt qu'à une pièce. Les ampoules sur le mur du fond pulsent et s'assombrissent dans différentes combinaisons comme un commentaire muet sur l'action ou une intensification de la musique d'ambiance. Le mérite revient au directeur du mouvement, Anna Morrissey, et au concepteur d'éclairage, Ziggy Jacobs, à cet égard.

Il y a trois joueurs et quatre personnages, certains d'entre eux sont plus en recherche d'auteur que d'autres. La figure du narrateur, qui est sans nom, (Nicola Kavanagh) partage un appartement dans une ville allemande sans nom avec sa sœur, Sofia, (Jennifer English) et un homme de parenté serbe et croate, Vlado, (Iain Batchelor). Batchelor joue également Jan, le nouveau petit ami du narrateur. Absente tout au long est Karla, le dernier membre de ce colocation, et la petite amie de Vlado. Son départ est le point auquel l'action commence. Elle est partie chercher des provisions et ne revient jamais. L'action est ponctuée par un décompte des jours depuis son départ donné en allemand. Le narrateur nous emmène à travers une série de réactions face à la disparition d'une amie proche - incrédulité, tentatives de convaincre la police de prendre l'affaire au sérieux et enfin (quand ils ne le feront pas) tentatives de tous les amis de sensibiliser les médias sociaux et imprimés et de rechercher la personne disparue eux-mêmes. Les aspects plus traditionnels sont ponctués par Sofia décrivant la mise à mort, la préparation, la cuisson et le service d'un lapin qui sert de commentaire symbolique sur les événements qui sont évoqués mais jamais entièrement présentés à nous. L'atmosphère et le ton s'assombrissent encore dans la seconde partie de la soirée alors que l'attention des joueurs se détourne des extérieurs pour se concentrer sur le monde de la mémoire et de la responsabilité personnelle alors qu'ils se remémorent les temps et événements plus joyeux passés en compagnie de Karla. Quelle est la fiabilité des récits que nous recevons, et à qui, si quelqu'un, devriez-vous faire confiance ? Les dernières réponses nous sont en grande partie laissées à déterminer.

Tous les acteurs saisissent les opportunités qui leur sont offertes avec passion et grâce : English fournit un commentaire chorique en colère sur l'action la plupart du temps rempli du dédain d'un survivant fougueux pour les circonstances impossibles dans lesquelles ils se trouvent ; tandis que Kavanagh, qui a le plus de texte à jouer, transmet habilement la succession de humeurs qu'une disparition inexpliquée provoque - incrédulité, colère de ne pas être pris au sérieux, désespoir et culpabilité du survivant. En tant que Vlado, Batchelor creuse encore plus profondément avec un portrait d'une figure troublée et problématique, clairement endommagée par son éducation conflictuelle en Yougoslavie, et vivant la fragmentation de la personnalité associée à quelqu'un rencontrant le racisme et le manque de respect quotidien en plus de la perte d'une identité centrale primaire. Il a beaucoup moins à travailler dans sa description de Jan, et bien que les performances soient correctement distinguées l'une de l'autre, si la pièce perdait ce personnage, elle gagnerait en fait plus de focus et de momentum global.

Le refus délibéré des réponses narratives jusqu'à la fin de la pièce est donc à la fois le défi et l'opportunité offerte par l'auteur et le metteur en scène. Dans l'ensemble, les récompenses dépassent les frustrations. Les interprètes offrent une éloquence poétique puissante qui captive l'attention et nous laisse beaucoup de place en tant que spectateurs pour réfléchir aux grandes questions que pose cette pièce - comment la confiance est-elle constituée, décomposée et reconstituée ? Que pouvons-nous savoir en période de crise, même de ceux avec qui nous avons vécu longtemps dans l'adversité ? Comment des témoins des mêmes événements peuvent-ils produire des souvenirs aussi différent avec une sincérité apparente ? Par-dessus tout, en période d'adversité, quelles parties de notre propre personnalité vont venir au premier plan.. les plus tempérées et courageuses, ou les plus abjectes et lâches ?

Mais en fin de compte, la tension entre le décompte quotidien du passage du temps et l'évitement de la direction narrative est trop forte à maintenir et dans les dernières sections nous revenons à une technique d'exposition plus prévisible avec un certain soulagement. De plus, les performances des acteurs se détendent notablement une fois que l'abstrait, le formalisme saccadé presque hiératique cède la place à une présentation plus naturaliste. La variété de ton et de forme n'est pas l'ennemi de la réflexion après tout. Nous avons besoin de nos thrillers et westerns aussi. Ma seule critique majeure est que l'intervalle est tout à fait inutile : la pièce serait bien mieux avec une exécution directe. Mais ne laissez pas cela vous dissuader : c'est une soirée fascinante de grande maîtrise et de sérieux, une de celles où ce que vous en tirez est proportionnel à ce que vous êtes prêt à y investir......

Abyss se joue au Théâtre Arcola jusqu'au 25 avril 2015