RECENSIE: Abyss, Arcola Theatre ✭✭✭✭

Abyss

Arcola Theatre Studio 2

4 Sterren

Jaren geleden bezocht ik Berlijn, kort nadat de Muur was gevallen. Ik heb altijd een fascinatie gehad voor de woon- en werkplaatsen van schrijvers en componisten, dus nadat ik de bekende bezienswaardigheden had afgevinkt, besloot ik naar het Brecht-Weigel-Museum te gaan, waar het theatrale powerhouse-koppel van de DDR hun laatste jaren doorbracht. Het was een sombere tijd voor een bezoek: de financiering voor het museum en het Berliner Ensemble zelf was onzeker, en de toegewijde conservator was al maanden niet betaald. Toch sprak het huis nog steeds boekdelen over de tegenstrijdigheden van de beroemde eigenaar. De stukken en essays die erop gericht waren het publiek te prikkelen tot vernieuwend denken over de maatschappelijke rol van theater en de vermoeide afhankelijkheid van louter verhaallijnen en karakterontwikkeling achter zich te laten – dat was er natuurlijk allemaal te zien. Maar toen ik Brechts sobere kamertje binnenliep, zag ik daar tot mijn verbazing, boven het smalle eenpersoonsbed, een lange rij beduimelde paperbacks: thrillers, westerns en detectives. Ze stonden daar als een geheime voorraad bonbons, een eerbetoon aan de kracht van een goed plot buiten de officiële uren. Deze herinnering kwam weer boven tijdens de recente reeks voorstellingen van ABYSS in Studio 2 van het Arcola, waar de vraag naar de rol van het narratieve versus abstracte emotie centraal staat. Dit stuk begon enkele jaren geleden in het Deutsches Theater in Berlijn onder de titel Brandung. Het speelt daar nog steeds, maar is in de tussentijd via Toronto – met de nodige herzieningen – in Londen beland. Onderweg heeft het wat meer verhaal gekregen, maar het blijft in de kern een stuk regisseurtheater. De focus ligt op het overbrengen van de emotionele staat van de acteurs via beweging, geluid en tekst, waarbij de tekst eerder bezwerend dan verklarend is. De kernvraag is dan ook of het stuk in die opzet slaagt: werkt deze zelfbeperking verhelderend en bevrijdend, of juist belemmerend en verschralend? Het antwoord is, zoals wel vaker, niet eenduidig.

De rechthoekige zaal van Studio 2 is sober ingericht: drie tribunes, een wand van hangende gloeilampen en een grote tafel in het midden. Aan weerszijden hangen trapezes aan het plafond. De tafel vormt in veel opzichten het middelpunt; hij wordt flexibel ingezet voor scènes van conflict en verzoening, en dient als schuilplaats of gestileerd offerblok. Er is sprake van indrukwekkend complexe choreografieën die de volledige ruimte benutten, wat resulteert in tableaus van een dramatische kracht en poëtische concentratie die ook zonder de context van een toneelstuk, als kunstinstallatie, overeind zouden blijven. De gloeilampen op de achterwand flikkeren en dimmen in wisselende patronen als een verstilde commentaar op de handeling. Groot compliment hiervoor aan bewegingsregisseur Anna Morrissey en lichtontwerper Ziggy Jacobs.

Er zijn drie acteurs en vier personages, de een nog minder tastbaar dan de ander. De naamloze verteller (Nicola Kavanagh) deelt een appartement in een niet nader genoemde Duitse stad met haar zus Sofia (Jennifer English) en Vlado (Iain Batchelor), een man van Servisch-Kroatische afkomst. Batchelor speelt ook Jan, de nieuwe vriend van de verteller. Karla, de laatste bewoner van de flat en de vriendin van Vlado, is de hele tijd afwezig. Haar vertrek is het startpunt van de handeling: ze ging even de deur uit voor wat boodschappen en keerde nooit terug. Het stuk wordt onderbroken door het tellen van de dagen sinds haar verdwijning, in het Duits. De verteller neemt ons mee door de fasen van een vermissing: ongeloof, de strijd om de politie serieus naar de zaak te laten kijken en uiteindelijk de pogingen van de vrienden om zelf via sociale media en de krant aandacht te trekken en een zoektocht op touw te zetten. Deze traditionele elementen worden afgewisseld met Sofia die het slachten, bereiden en serveren van een konijn beschrijft – een symbolisch commentaar op gebeurtenissen die worden gesuggereerd maar nooit volledig getoond. De sfeer wordt grimmiger in de tweede helft, wanneer de focus van de spelers verschuift van de buitenwereld naar die van herinnering en persoonlijke verantwoordelijkheid. Hoe betrouwbaar zijn de verhalen die we horen, en wie verdient ons vertrouwen? De uiteindelijke antwoorden worden grotendeels aan de toeschouwer gelaten.

Alle acteurs grijpen hun kansen met passie en gratie. English geeft een venijnig koor-achtig commentaar, vol minachting van een overlever voor de onmogelijke situatie waarin ze verkeren. Kavanagh, die het meeste tekstmateriaal heeft, brengt op knappe wijze de opvolging van emoties over die een onverklaarbare verdwijning oproept. Als Vlado graaft Batchelor nog dieper met een vertolking van een getroebleerd figuur, zichtbaar getekend door zijn beladen jeugd in Joegoslavië en de versplintering van zijn identiteit door dagelijks racisme en gebrek aan respect. In de rol van Jan heeft hij veel minder om mee te werken; hoewel hij de twee personages goed uit elkaar houdt, zou het stuk aan focus en vaart winnen als dit personage geschrapt zou worden.

Het bewust weigeren van narratieve antwoorden tot vlak voor het einde is zowel de uitdaging als de kracht van de auteur en de regisseur. Over het geheel genomen wegen de beloningen zwaarder dan de frustraties. De performers bieden een krachtige poëtische zeggingskracht die de aandacht dwingt en ons als publiek de ruimte laat om te reflecteren op de grote vragen: hoe wordt vertrouwen opgebouwd, afgebroken en weer hersteld? Wat weten we in tijden van crisis echt van degenen met wie we al lang samenleven? Hoe kunnen getuigen van dezelfde gebeurtenissen zulke verschillende herinneringen hebben? En bovenal: welke kanten van onszelf komen naar boven in tijden van nood... de meest moedige of de meest lafhartige?

Uiteindelijk wordt de spanning tussen de dagelijkse telling en het vermijden van een duidelijke verhaallijn echter te groot, en keren we in de slotfase met enige opluchting terug naar een meer voorspelbare verteltechniek. Bovendien ogen de acteurs merkbaar meer ontspannen zodra het abstracte, bijna hiëratische formalisme plaatsmaakt voor een natuurlijkere speelstijl. Variatie in toon en vorm is immers niet de vijand van het denken; we hebben onze thrillers en westerns ook nodig. Mijn enige echte punt van kritiek is dat de pauze volstrekt overbodig is: het stuk zou veel krachtiger zijn als het in één ruk door gespeeld werd. Maar laat dat de pret niet drukken: dit is een fascinerende avond vol vakmanschap en ernst, waarbij geldt dat wat je eruit haalt direct evenredig is aan wat je bereid bent erin te investeren.

Abyss is tot 25 april 2015 te zien in het Arcola Theatre