INTERVIEW: Matthew Bourne spricht über Cinderella

Sir Matthew Bourne spricht über New Adventures und ihre Neuerzählung des Klassikerstoffs Cinderella, die derzeit auf UK-Tournee ist.

Sir Matthew Bourne. Foto: Hugo Glendinning Der auffälligste Aspekt dieser Neuerzählung der Cinderella-Geschichte ist der Schauplatz. Warum haben Sie sich entschieden, das berühmteste Märchen der Welt während des Londoner Blitz 1940 anzusiedeln? Ich habe mich zum ersten Mal in Prokofjews Partitur verliebt, als ich Frederick Ashtons Fassung des Balletts für The Royal Ballet gesehen habe. Obwohl sie als Märchenstück komponiert wurde – ganz in der Tradition der großen Tschaikowski-Ballette wie „Dornröschen“ – trägt sie unverkennbar Prokofjews musikalische Handschrift des 20. Jahrhunderts. Ja, es gibt große Walzer, Feen-Variationen, Mazurken und „nationale“ Tänze, wie man sie aus Tschaikowskis berühmtesten Balletten kennt – doch unter der Märchenmagie schlägt ein dunkleres Herz, voller echter Gefühle und dramatischer Sehnsucht. Genau diese Eigenschaften von Prokofjews Musik lassen einen immer wieder zurückkehren; mit jedem Hören schleichen sie sich tiefer in einen hinein. Prokofjews Cinderella wurde 1946 am Bolschoi uraufgeführt, Ashtons vielgespielte Version folgte 1948. Mich faszinierte jedoch, dass Prokofjew die Partitur tatsächlich während des Zweiten Weltkriegs geschrieben hatte – und das brachte mich ins Grübeln. Ist diese dunkle Phase unserer Geschichte irgendwie in der Musik eingefangen? Ich hatte das Gefühl: ja. Und je tiefer ich in die Cinderella-Geschichte eintauchte, desto stimmiger schien sie mir in einer Kriegszeit-Verortung. In ihrer dunkel-romantischen Tonlage erzählt sie von einer Zeit, in der Zeit alles war, in der Liebe plötzlich gefunden und genauso plötzlich verloren wurde – und in der die Welt tanzte, als gäbe es kein Morgen. Verwenden Sie die komplette Prokofjew-Partitur?

Als ich das Stück 1997 erstmals entwickelte, habe ich versucht, die komplette Dreiakt-Partitur zu choreografieren – ohne Umstellungen oder Kürzungen. Das lag nicht zuletzt daran, dass Prokofjews künstlerisch begabter Sohn Oleg gefragt hatte, ob er zu den Proben kommen und die Tänzer*innen skizzieren dürfe. Ich war zwar vorsichtig damit, Änderungen an der Musik seines Vaters vorzunehmen, solange er mit im Raum war – doch er erwies sich natürlich als wunderbarer Mensch, voller Begeisterung für das, was wir machten, und sagte sogar, wie sehr sein Vater unsere Interpretation geliebt hätte. Seitdem habe ich ein paar kleine Kürzungen und Anpassungen vorgenommen, um unserer Geschichte zu helfen, aber ich bin stolz sagen zu können, dass unser dritter Akt vollständig intakt bleibt – voller großartiger Musik, die Ashton in seiner berühmten Version gestrichen hatte.

Andrew Monaghan (Harry) und Ashley Shaw (Cinderella) sowie das Ensemble von Cinderella. Ihre Liebe zu klassischen Filmen ist bekannt. Gab es bestimmte Filme, die diese Neuerzählung der Geschichte inspiriert haben?

Mein Leitstern für diese Produktion war immer der unglaubliche Powell-&-Pressburger-Klassiker „A Matter of Life and Death“ (1946) mit David Niven und Kim Hunter. Nivens Figur, Peter Carter, ein RAF-Pilot, überlebt auf wundersame Weise den nahezu sicheren Tod, als sein Flugzeug ins Meer stürzt. Bald wird klar, dass er dem Tod ein Schnippchen geschlagen hat und den himmlischen Agenten und Engeln ein Fehler unterlaufen ist. Er schwebt zwischen Leben und Tod – doch geführt von einem männlichen Schutzengel und der Frau, die er liebt, bekommt er eine zweite Chance. Im Kern wird er durch die Kraft der Liebe gerettet. Meine Cinderella erzählt diese Geschichte keineswegs eins zu eins, aber ich hoffe, dass ihre verspielte – und sehr englische – Mischung aus Schrulligkeit und Romantik in unserer Erzählung von Kriegszeitliebe und Konflikt eingefangen ist. Unser „Engel“ ist ebenfalls männlich statt der üblichen „Feenpatin“, orientiert sich aber eher an Cary Grant („The Bishop’s Wife“, 1947) und Fred Astaire, der mehrfach einen tanzenden Engel gespielt hat.

Halten Sie außerdem Ausschau nach Anspielungen auf weitere Filmklassiker in der Inszenierung – etwa Celia Johnson und Trevor Howard aus „Brief Encounter“ (1945) in unserer letzten Bahnhofsszene oder die Prostituierten aus dem Vivien-Leigh-und-Robert-Taylor-Klassiker „Waterloo Bridge“ (1940) in unserer London-Underground-Sequenz. Außerdem möchte ich einer meiner liebsten Schauspielerinnen der 40er-Jahre Tribut zollen: Joan Crawford inspirierte Lez Brotherston und mich zur Gestaltung von Sybil, unserer glamourösen Stiefmutter.

https://youtu.be/3IUvJ-jkrBY

Wie historisch korrekt ist Ihre „Blitz“-Cinderella? Bezieht sie sich auf tatsächliche Ereignisse, die sich damals in London zugetragen haben?

Wir haben versucht, so genau wie möglich zu sein, und Lez Brotherston, das Ensemble und ich haben viele Stunden damit verbracht, die Epoche und ihre Figuren mithilfe alter Filme, Dokumentationen und Informationsfilme zu recherchieren. Eine historische Ungenauigkeit muss ich allerdings zugeben: Wir haben eine GI-Figur, einen amerikanischen Soldaten namens „Buster“, den ich der Abwechslung halber einfach nicht weglassen konnte. Die Amerikaner traten jedoch erst Anfang 1942 in den Krieg ein.

Das zentrale Ereignis für uns ist die berühmte Bombardierung des legendären Café de Paris am 8. März 1941. In dieser Nacht erhielt der Club einen Volltreffer; fast 100 tanzende Paare, Cabaret-Künstler*innen und Mitarbeitende wurden getötet oder schwer verletzt – darunter der 26-jährige Bandleader Ken „Snake-hips“ Johnson. Unser magischer, zerbombter Ballsaal im zweiten Akt – mit seinen geisterhaften Tanzpaaren und den eindringlichen Walzern Prokofjews – verdankt dieser tragischen Nacht sehr viel. Er steht für Cinderellas Traum ebenso wie für ihren Albtraum.

Das Ensemble von Cinderella. Ihr langjähriger Weggefährte, der Designer Lez Brotherston, gewann für seine ursprünglichen Cinderella-Entwürfe 1997 einen Olivier Award. Hat sich das Konzept für diese neue Produktion wesentlich verändert?

Der „Kriegszeit“-Schauplatz ist natürlich geblieben, aber unsere ursprüngliche Produktion ist vollständig verloren gegangen – und Lez und ich hatten die Chance, das Stück aus jeder Perspektive noch einmal neu zu betrachten. Im Kern ist dies eine neue Produktion, die für eine Tour durch das Vereinigte Königreich und darüber hinaus geschaffen wurde. Sie ist sehr bewusst wie ein klassischer Film in Schwarz-Weiß (und Grau!) gestaltet; die Magie und die Farbe kommen durch das Lichtdesign von Neil Austin hinzu. Lez ist bei historischen Entwürfen immer äußerst gründlich, und deshalb sind unsere Kostüme eine Mischung aus Alltagskleidung gewöhnlicher Londoner*innen sowie Soldaten und Soldatinnen – und zugleich den flamboyanteren Looks der Filmstars der 1940er-Jahre. Das fängt den Realismus unserer „dunkelsten Stunde“ ebenso ein wie den Eskapismus und Glamour Hollywoods.

Erzählen Sie uns von der innovativen Idee, diese Produktion in „Surround Sound“ zu präsentieren?

Wie ich bereits gesagt habe, entstand meine ursprüngliche Idee für diese Blitz-Cinderella aus der besonderen Wucht, Bedrohlichkeit und Magie von Prokofjews Partitur. Mich zog auch ihre filmische Qualität an – und wie sie mit den Filmen zusammenhing, die das Projekt inspirierten. Ich wollte die Kraft eines großen Orchesters – und zugleich die Klänge und das Gefühl eines vollwertigen Kinoerlebnisses. Ich habe mit unserem Sounddesigner Paul Groothius darüber gesprochen, wie wir das erreichen könnten, und er schlug vor, die Produktion in Surround Sound zu präsentieren. Wir waren uns beide einig, dass ein Großteil unseres Publikums beim Thema Klang inzwischen das Beste gewohnt ist: zu Hause mit der neuen Generation von HD-Fernsehern, im Kino und sogar beim Besuch von Musicaltheater und Arena-Konzerten. Um dieses Kinoerlebnis zu schaffen, fanden wir, dass Cinderella die ideale Produktion ist, um mit dieser spannenden Idee zu experimentieren.

Anfang dieses Jahres leitete unser Stamm-Dirigent, der brillante Brett Morris, ein 82-köpfiges Orchester durch eine wunderschöne und ausgesprochen theatrale neue Interpretation der Partitur – zu hören im Theater fast so, wie man eine große Filmmusik im Kino hören würde. Kombiniert mit den Klängen und der Atmosphäre des kriegsgezeichneten Londons entsteht so ein mitreißendes, akustisches ebenso wie visuelles Erlebnis.  Auch wenn die in Cinderella dargestellten Ereignisse über 75 Jahre zurückliegen, wird die Blitz-Erfahrung für viele Zuschauer*innen als Teil ihrer Familiengeschichte nachklingen. Haben Sie selbst familiäre Verbindungen?

Ich widmete die ursprüngliche Cinderella-Produktion meinen Großeltern, die während des Blitz in London ihre Familien zusammenhielten. Meine Eltern, die im East End nur wenige Straßen voneinander entfernt lebten, überstanden die nächtlichen Angriffe – glücklicherweise – und beide erzählten mir gern Geschichten aus dieser Zeit: die Aufregung, die Angst und die entstandenen Freundschaften.

Inzwischen sind sie alle nicht mehr da, aber ich hoffe, dass der Geist und der Mut nicht nur meiner Familie, sondern all jener, die Opfer brachten oder in dieser Zeit Liebe fanden oder verloren, in diesem Stück eingefangen sind – das als Tribut an sie geschaffen wurde.

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