REZENSION: Ein Monat auf dem Lande, Classic Stage Company ✭✭✭✭

Ein Monat auf dem Lande

Classic Stage Company

14. Januar 2015

4 Sterne

Manchmal machen Bühnenbildner Dinge, die schlichtweg unbegreiflich sind. So verhält es sich mit Mark Wendlands Bühne für Ein Monat auf dem Lande, derzeit in den Previews bei der Classic Stage Company off-Broadway. Der U-förmige Zuschauerraum hat an der Rückwand einen gemalten Wald-Hintergrund, der dieses vertraute, tschechowhafte Gefühl vom ländlichen Russland perfekt heraufbeschwört. Die zentrale Spielfläche ist eine Art rechteckiger Kasten – Möbel werden jeweils nach Bedarf der Szene hinzugefügt. Dennoch entsteht der Eindruck, als seien alle eingepfercht, fast wie Tiere in einem Gehege. Man kann sie betrachten und beobachten, aber es gibt nie das Gefühl, dass sie frei sind.

Das ist an sich nicht störend; im Gegenteil, es ergibt durchaus Sinn für dieses klassische Stück von Iwan Turgenjew – eine Art Sittenkomödie, ein leichter Cousin zweiten Grades von Tschechow oder sogar Wilde, die sich mit allerlei verschlungenen Vorstellungen unerwiderter Liebe sowie mit dem Schmerz und den Opfern beschäftigt, die eine solche Liebe mit sich bringt.

Störend ist vielmehr, dass über dem Hauptraum eine rechteckige Konstruktion von der Decke hängt: ein Gebilde aus Rahmen/Flächen, das ständig präsent ist, aber nie irgendetwas zu bewirken scheint. Es bewegt sich nicht; es senkt sich nie herab, um die Spielfläche etwa tatsächlich in eine Box zu verwandeln, und überhaupt tut es nichts. Es ist einfach da. Warum – das entzieht sich mir (ebenso einem Sitznachbarn und dem befragten Personal).

Beim ersten Anblick vermutete man, die „Bildschirm-Box“ würde herabfahren und sich mit dem anderen Rechteck verbinden, um einen Kasten zu bilden, durch den man das Geschehen wie durch eine Membran wahrnehmen könnte – ein cleverer Einfall, um zu zeigen, wie sehr die Menschen, die einander vergeblich lieben, in dieser eigentümlichen, aber nur allzu verständlichen Welt eingesperrt sind. Aber nein. Das war es nicht.

Also muss Regisseurin Erica Schmidt und Bühnenbildner Mark Wendland irgendeine Absicht gehabt haben – nur welche, bleibt unklar.

Turgenjews Stück ist eine entzückende Köstlichkeit – rohe Gefühle prallen auf die Zwänge der Gesellschaft und die Nüchternheit des Menschen. Die Handlung ist kunstvoll und doch zart; sie kann vor Witz und Einfallsreichtum sprühen oder in einen Abgrund wehmütiger Realität stürzen. Erfreulicherweise gehört Schmidts Inszenierung zur ersten Sorte: und so eigenartig sie in manchem ist, so kurzweilig und vergnüglich ist sie – auf eine Art, wie es bei über 200 Jahre alten Stücken nicht immer selbstverständlich ist. Die Übersetzung von John Christopher Jones hilft ungemein: sie ist zugleich verschroben und spritzig und lässt moderne Empfindungen in einem strikt zeitgebundenen Stück zu.

Natalja ist mit Arkadi verheiratet, der einige Jahre älter ist als sie. Sie haben einen Sohn, Kolja, der über den Sommer von einem Studenten unterrichtet wird: Alexej, ein gutaussehender und intelligenter Mann. So ziemlich jede Frau im Haushalt verliebt sich in Alexej. Doch Natalja hat noch einen Verehrer: Rakitin, ein Freund von ihr und ihrem Mann; sie tut eigentlich nichts, um seine Liebe zu ermutigen, aber sie scheint sich ihrer bewusst zu sein.

Natalja verfällt dem jungen Alexej und sorgt sich um die Zuneigung, die ihre Mündel Vera für ihn entwickelt. Sie versucht, Vera mit einem reichen Nachbarn zu verheiraten – einem deutlich älteren Mann, Bolschinzow –, um die Rivalin aus dem Weg zu räumen und Alexej für sich zu haben. Der örtliche Doktor, Schpigelski, wirbt derweil um die Hand einer weiteren Bewohnerin des Arkadi-Haushalts, Lisaweta. Währenddessen beobachten die Dienstboten und Arkadis Mutter das Geschehen – mit sehr unterschiedlichen Graden an Entsetzen und Faszination.

Schmidt sorgt dafür, dass die Handlung in zügigem Tempo voranschreitet, und eine gewisse beiläufige Spielweise ist das Markenzeichen dieser Produktion. In einem Moment ist eine Figur noch in Wut oder Verzweiflung, im nächsten reagiert sie flapsig auf etwas. Das ist eine interessante Methode, die Komik zu verstärken und zu unterstreichen und das Ganze weniger geschniegelt, dafür lebendiger wirken zu lassen. Schmidt hat eine klare Vorstellung, und sie funktioniert – das ist eine rundum höchst unterhaltsame Version von Turgenjews klugem Werk.

Im Zentrum des Erfolgs steht eine gewinnende, bezaubernde Leistung von Taylor Schilling, deren gelangweilte, aber einfallsreiche Natalja hier der funkelnde Anker ist. Schilling ist großartig: Jede Facette dieser Figur wird ausgelotet, gezeigt und bedacht. Sie besitzt eine natürliche Leichtfertigkeit, die zur koketten und verwöhnten Art dieser Frau passt, die gewohnt ist, ihren Willen zu bekommen – und die, wie eine Spinne, das Netz der Intrigen genießt, in dem sie sich selbst verfängt.

Schilling hat eine eigenwillige Art, Dialoge zu sprechen, die ihr zuzuhören zu einem reinen Vergnügen macht. Sie versteht es, die Tiefen der Leidenschaft sichtbar zu machen, die unter dem korsettierten äußeren Bild von Frau Arkadi verborgen liegen. Ihr Zusammenspiel mit dem übrigen Ensemble ist ausgezeichnet, und ihr Kontakt zu den anderen reicht in der ganzen Bandbreite von Giftigkeit über Gleichgültigkeit bis hin zu Leidenschaft.

Anthony Edwards ist hervorragend als der unfassbar fade Arkadi. Edwards zeichnet seine schwerfällige und unaufmerksame/gedankenlose Art äußerst geschickt, ohne aus der Figur einen lächerlichen Hahnrei zu machen; stattdessen betont er, wie Arkadis Eigeninteresse ihn wie ein Staubsturm umgibt und überall, wo er hingeht, Freude und Leben erstickt. Nicht absichtlich, versteht sich – es steckt keine Bosheit dahinter; nur ein vollständiges Unverständnis für die Welt, in der er lebt und arbeitet. Das ist geschickt und präzise gemacht.

Ebenso großartig – wie eine mürrische, phlegmatische Grizzlybär-Gestalt – ist Thomas Jay Ryans Doktor Schpigelski, ein Mann, dessen Ehrlichkeit in starkem Kontrast zu den Menschen um ihn herum steht. Ryan ist exzellent, und die beste Szene der Inszenierung kommt, wenn er einen Heiratsantrag macht – ohne den kleinsten Anflug von Romantik, dafür mit brutaler, wohltuender Offenheit. Er ist ein hervorragender Gegenpol zu den heimlichen Machenschaften ringsum, für die er keine Geduld hat. Eine kluge, vollkommen abgerundete Darstellung.

Als der lebenslustige junge Hauslehrer, der die Herzen verschiedener Frauen höherschlagen lässt, ist Mike Faist völlig überzeugend. Gut aussehend und zu großer Ruhe fähig, holt Faist aus der Figur alles heraus: ein Tutor, der den Job braucht, aber nicht den Ärger, der damit einhergeht. Er und Schilling tanzen den Verführungswalzer mit großer Sicherheit, und der Moment, in dem sie sich vor dem Waldhintergrund fiebrig umarmen und entkleiden, ist tatsächlich sehr eindrucksvoll.

Hervorragende Arbeit gibt es auch von Megan West als Vera, die Mündel, die Schillings boshafte Natalja loszuwerden versucht, indem sie sie mit dem älteren Nachbarn Bolschinzow verheiratet (ein sehr guter Auftritt von Peter Appel), sowie von der wunderbaren Elizabeth Franz als Anna, Arkadis Mutter, die zusieht und sich sorgt – aus gutem Grund.

Annabella Sciorra glänzt als Lisaweta; sie hat ausdrucksstarke Augen, in denen sich die ganze Bandbreite an Gefühlen und Gedanken spiegelt, die ihre Figur durchläuft. Sie ist eine echte Freude in einer Rolle, die allzu leicht undankbar wirken könnte.

Die schwierigste Rolle im Stück ist die des Rakitin, des Freundes der Familie Arkadi, der hoffnungslos in Natalja verliebt ist, dem aber die Verantwortung zufällt, die Geheimnisse zu bewahren, die die Familie zu zerreißen drohen. Peter Dinklage gibt der Figur eine eigenwillige, trockene Note, die ihre Bedeutung für die Handlung unterstreicht, guten komischen Wert liefert und zugleich die verborgenen Qualen der Figur stets nachvollziehbar hält. Die Szene, in der er schließlich unter der Last seiner Liebe zu Natalja zusammenbricht und über seinen Kummer weint – nur um sich umzudrehen und eine Pointe perfekt zu setzen –, ist außergewöhnlich.

Das ist ein frischer, belebender Blick auf einen Klassiker des russischen Theaters. Die Inszenierung ist voller sorgfältiger, fein austarierter Leistungen, und Regisseurin Erica Schmidt sorgt dafür, dass die Leichtigkeit und die komödiantischen Aspekte von Stück und Figuren die darunterliegende persönliche Tragödie und das Drama verstärken und schärfen.

Ein Monat auf dem Lande läuft bis zum 22. Februar.