CRÍTICA: Um Mês no Campo, Classic Stage Company ✭✭✭✭

Um Mês no Campo

Classic Stage Company

14 de janeiro de 2015

4 Estrelas

Por vezes, os cenógrafos fazem coisas que são simplesmente inexplicáveis. É o caso do cenário de Mark Wendland para Um Mês no Campo, atualmente em anteestreias na Classic Stage Company, no off-Broadway. O auditório em U tem, na parede do fundo, um pano de fundo pintado com árvores, evocando na perfeição aquela sensação chekoviana tão familiar da Rússia rural. A principal área de representação é uma espécie de caixa retangular — o mobiliário vai sendo acrescentado conforme cada cena o exige. A sensação, porém, é a de que todos estão cercados, quase como animais num curral. Podem ser observados e escrutinados, mas nunca há a impressão de que sejam livres.

Nada disso é problemático; pelo contrário, faz todo o sentido para este clássico de Ivan Turguéniev, uma comédia de costumes de certo modo, uma espécie de primo afastado e mais leve de Tchékhov ou até de Wilde, que lida com noções intrincadas de amor não correspondido e com a dor e o sacrifício que esse amor acarreta.

A parte desconcertante é a existência de uma estrutura retangular suspensa do teto, por cima do espaço principal, um conjunto de ecrãs sempre presente mas que nunca parece servir para nada. Não se mexe; nunca desce para, por exemplo, transformar o espaço de atuação numa caixa, nem faz absolutamente coisa nenhuma. Está simplesmente ali. Porquê, é coisa que me ultrapassa (assim como a um colega de plateia e aos funcionários a quem foi feita a pergunta).

Ao primeiro contacto, suspeitava-se que a caixa de ecrãs iria descer e juntar-se à outra estrutura retangular, produzindo uma espécie de caixa através da qual a ação pudesse ser “detetada” — uma forma inteligente de mostrar o quão encurraladas estavam as pessoas que se amavam em vão, neste mundo peculiar mas demasiado compreensível — mas não. Não era isso.

Portanto, tinha de haver algum propósito na cabeça da encenadora Erica Schmidt e do cenógrafo Mark Wendland, mas qual é, permanece obscuro.

A peça de Turguéniev é um delicioso mimo — confronta a emoção em estado bruto com os rigores da sociedade e o pragmatismo humano. Tem um enredo intrincado mas delicado, que tanto pode crepitar de humor e engenho como estatelar-se num poço de realidade lamurienta. Felizmente, a produção de Schmidt pertence ao primeiro tipo: e, embora estranha em alguns aspetos, é divertida e agradável de formas que nem sempre se encontram em peças com mais de 200 anos. A tradução de John Christopher Jones ajuda imensamente — é simultaneamente peculiar e viva, permitindo sensibilidades modernas numa obra acentuadamente de época.

Natalya é casada com Arkady, vários anos mais velho. Têm um filho, Kolya, que está a ser acompanhado durante o verão por um estudante, Aleksey, um homem bonito e inteligente. Praticamente todas as mulheres da casa se apaixonam por Aleksey. Mas Natalya tem ainda outro admirador, um amigo seu e do marido, Rakitin; ela não faz grande coisa para encorajar o amor dele, mas parece consciente disso.

Natalya apaixona-se pelo jovem Aleksey e inquieta-se com a ligação que a sua protegida, Vera, está a desenvolver por ele. Decide então casar Vera com um vizinho rico, muito mais velho, Bolshhintov, para afastar a rival e poder ficar com Aleksey. O médico local, Shpigelsky, pede a mão de outra integrante da casa de Arkady, Lizaveta. Enquanto isso, os criados e a mãe de Arkady observam o desenrolar dos acontecimentos com diferentes níveis de horror e fascínio.

Schmidt garante que a ação avança a um ritmo vivo e há uma técnica de aparente descontracção que é a marca desta produção. Num momento, uma personagem está em fúria ou desespero; no seguinte, responde com leveza a qualquer coisa. É uma forma interessante de ampliar e sublinhar a comédia e fazer com que tudo pareça menos empertigado, mais vivo. Schmidt tem uma visão clara para a produção e resulta — esta é uma versão grandemente divertida da obra astuta de Turguéniev.

No centro do sucesso da produção está uma atuação cativante e deliciosa de Taylor Schilling, cuja Natalya aborrecida mas inventiva é aqui a âncora cintilante. Schilling é absolutamente soberba, explorando, revelando e ponderando cada faceta da personagem. Tem uma leveza natural que assenta na perfeição na natureza coquete e mimada desta mulher habituada a ter sempre aquilo que quer e que, como uma aranha, se deleita na teia de intrigas em que ela própria se enreda.

Schilling tem um modo peculiar de dizer as falas que torna um puro prazer ouvi-la. É hábil a revelar as profundezas de paixão escondidas sob a imagem exterior, apertada e “corseletada”, da Sra. Arkady. A sua cumplicidade com o resto do elenco é excelente, e a forma como interage com eles mostra toda a amplitude — do veneno à indiferença, passando pela paixão.

Anthony Edwards está esplêndido como o inverosimilmente insípido Arkady. A sua natureza pachorrenta e pouco observadora/pouco reflexiva é habilmente exposta por Edwards, que nunca deixa a personagem cair no estereótipo do cornudo risível; pelo contrário, foca-se na forma como o seu egoísmo o envolve como uma tempestade de pó, sufocando a alegria e a vida de todos os lugares por onde passa. Não de propósito, atenção: não há malícia; apenas uma total incapacidade de compreender o mundo em que vive e trabalha. É um trabalho hábil e preciso.

Igualmente notável, como uma espécie de urso pardo rude e fleumático, é o Dr. Shpigelsky de Thomas Jay Ryan, um homem cuja honestidade contrasta de forma evidente com os que o rodeiam. Ryan está excelente, e a melhor cena da produção acontece quando ele pede alguém em casamento sem o mínimo indício de romance, mas com uma franqueza brutal e refrescante. Faz um contraponto magnífico às atividades clandestinas dos que o rodeiam, para as quais não tem paciência. Uma interpretação inteligente e plenamente completa.

Como o jovem tutor fogoso que faz disparar os corações de várias mulheres, Mike Faist é totalmente convincente. Bonito e capaz de grande quietude, Faist faz tudo o que há a fazer com o tutor que precisa do trabalho, mas não do desgaste que vem com ele. Ele e Schilling dançam com mestria a valsa da sedução, e o momento em que se abraçam e se despem freneticamente, em frente ao pano de árvores, é de facto poderoso.

Há também excelente trabalho de Megan West como Vera, a protegida de quem a maldosa Natalya de Schilling procura livrar-se, casando-a com o vizinho mais velho, Bolshintsov (um ótimo trabalho de Peter Appel), e da magnífica Elizabeth Franz como Anna, a mãe de Arkady, que observa e se preocupa — com boas razões.

Annabella Sciorra brilha como Lizaveta; tem uns olhos gloriosos que revelam a gama de emoções e pensamentos por que a personagem passa. É um prazer absoluto num papel que, com facilidade, poderia ser ingrato.

O papel mais difícil da peça é o de Rakitin, o amigo da família Arkady que está desesperadamente apaixonado por Natalya, mas sobre cujos ombros recai a responsabilidade de guardar os segredos que ameaçam despedaçar a família. Peter Dinklage oferece uma leitura única e seca da personagem, que sublinha a sua importância na trama, dá bom valor cómico, mas mantém sempre compreensíveis as agonias ocultas da figura. A cena em que ele finalmente colapsa sob o peso do amor por Natalya e chora a sua tristeza, apenas para se virar e rematar com uma boa piada, é excecional.

Esta é uma visão fresca e revigorante de um clássico do teatro russo. Está repleta de interpretações cuidadas e finamente calibradas, e a encenadora Erica Schmidt garante que a leveza e os elementos cómicos da peça e das personagens reforçam e intensificam a tragédia e o drama pessoal subjacentes.

Um Mês no Campo fica em cena até 22 de fevereiro.