CRITIQUE : Un Mois à la Campagne, Classic Stage Company ✭✭✭✭

Un Mois à la Campagne

Classic Stage Company

14 janvier 2015

4 Étoiles

Parfois, les scénographes font des choses qui sont insondables. C'est le cas avec le décor de Mark Wendland pour Un Mois à la Campagne, maintenant en avant-premières au Classic Stage Company off-Broadway. L'auditorium en forme de U a contre le mur du fond un fond peint représentant des arbres, évoquant parfaitement le sentiment familier de la Russie rurale cher à Tchekhov. La principale zone de jeu est une sorte de boîte rectangulaire - des meubles sont ajoutés à chaque scène en fonction de ses besoins. Le sentiment, cependant, est que tout le monde est enfermé, presque comme des animaux dans un enclos. Ils peuvent être observés, mais il n'y a jamais la sensation qu'ils sont libres.

Rien de cela n'est dérangeant ; en effet, cela a parfaitement du sens pour ce classique d'Ivan Tourgueniev, une sorte de comédie de mœurs, un cousin léger de Tchekhov ou même Wilde, qui traite de nombreuses notions complexes d'amour non partagé et de la douleur et du sacrifice que cet amour occasionne.

La partie troublante est qu'il y a une structure rectangulaire suspendue au plafond au-dessus de l'espace principal de jeu, une affaire de panneaux qui est omniprésente mais qui ne semble jamais accomplir quoi que ce soit. Elle ne bouge pas ; elle ne descend jamais pour faire de l'espace de jeu une boîte, par exemple, et elle ne fait rien du tout. Elle est simplement là. Pourquoi cela est me dépasse (et les autres membres du public et le personnel à qui la demande a été faite).

Lors de la première rencontre, on avait la suspicion que la boîte de panneaux descendrait et rejoindrait l'autre zone rectangulaire, pour produire une boîte à travers laquelle l'action pourrait être détectée - une manière astucieuse de montrer à quel point les personnes qui s'aimaient, en vain, étaient enfermées dans ce monde particulier, mais bien trop compréhensible - mais, Non. Ce n'était pas le cas.

Il doit donc y avoir eu un certain objectif en tête pour la réalisatrice Erica Schmidt et le scénographe Mark Wendland, mais il est obscur.

La pièce de Tourgueniev est une délicieuse confiserie - exposant l'émotion brute face aux rigueurs de la société et à la pragmatique de l'humanité. Elle a une intrigue complexe mais délicate, qui peut soit pétiller avec amusement et ingéniosité soit tomber dans une fosse de morosité. Heureusement, la production de Schmidt est de ce dernier type : et bien qu'étrange à certains égards, elle est divertissante et agréable de façon que les pièces de théâtre de plus de 200 ans ne le sont pas toujours. La traduction de John Christopher Jones aide énormément - elle est à la fois originale et vive, permettant des sensibilités modernes dans une pièce intensément d'époque.

Natalya est mariée à Arkady qui a plusieurs années de plus qu'elle. Ils ont un fils, Kolya, qui est tutoyé pour cet été par un étudiant, Aleksey, un homme beau et intelligent. Pratiquement toutes les femmes de la maisonnée tombent amoureuses de Aleksey. Mais Natalya a un autre admirateur, un ami d'elle et de son mari, Rakitin ; elle ne fait rien vraiment pour encourager son amour, mais elle semble en être consciente.

Natalya tombe amoureuse du jeune Aleksey et s'inquiète de l'attachement que sa protégée, Vera, développe envers lui. Elle décide de marier Vera à un voisin riche, un homme beaucoup plus âgé, Bolshhintov, afin de pouvoir éloigner sa rivale et avoir son chemin avec Aleksey. Le Docteur local, Shpigelsky, demande la main en mariage d'une autre membre de la famille Arkady, Lizaveta. Pendant ce temps, les domestiques et la mère d'Arkady regardent se dérouler les événements avec des niveaux variables d'horreur et de fascination.

Schmidt s'assure que l'action avance à un rythme rapide et il y a une technique de désinvolture qui est la marque de la production. À un moment, un personnage sera en colère ou désespéré, au suivant il réagira de manière désinvolte à quelque chose. C'est une façon intéressante d'augmenter et de souligner la comédie et de rendre l'ensemble moins guindé, plus vivant. Schmidt a une vision claire de la production et ça fonctionne - c'est une version grandement divertissante du travail ingénieux de Tourgueniev.

Central au succès de la production est une prestation gagnante et enchanteresse de Taylor Schilling, dont le personnage de Natalya, ennuyé mais inventif, est l'ancre scintillante ici. Schilling est tout à fait superbe, chaque facette de son personnage est explorée, révélée et considérée. Elle a une désinvolture naturelle qui convient à la nature coquette et gâtée de cette femme habituée à obtenir ce qu'elle veut et qui, comme une araignée, se délecte du réseau d'intrigues dans lequel elle s'enferme.

Schilling a un style original pour délivrer des dialogues ce qui rend l'écouter d'une joie pure. Elle est experte à révéler les profondeurs de la passion cachées sous l'image extérieure corsetée de Mme Arkady. Son rapport avec le reste de la distribution est excellent, et son engagement avec eux montre toute la gamme, de la venimosité à l'indifférence en passant par la passion.

Anthony Edwards est splendide dans le rôle de l'incroyablement ennuyeux Arkady. Sa nature lourde et insouciante/irréfléchie est habilement révélée par Edwards, qui ne permet jamais au personnage d'être un cocu risible, mais se concentre plutôt sur la manière dont son intérêt personnel l'entoure comme une tempête de poussière, étouffant la joie et la vie de chaque endroit où il va. Pas délibérément, bien sûr, il n'y a pas de malice en jeu; juste un total manque de compréhension du monde dans lequel il vit et travaille. C'est un travail adroit et précis.

Aussi merveilleux, tel un ours grizzly rude et flegmatique, est Thomas Jay Ryan's dans le rôle du Dr Shpigelsky, un homme dont l'honnêteté se distingue nettement de ceux qui l'entourent. Ryan est excellent et la meilleure scène de la production se déroule lorsqu'il propose le mariage sans aucune pointe de romantisme mais avec une franchise brutale et rafraîchissante. Il est un splendide contrepoint aux activités clandestines de ceux qui l'entourent, pour qui il n'a pas le temps. Une performance intelligente et totalement réussie.

Dans le rôle du jeune tuteur fringant qui fait battre le cœur de plusieurs femmes, Mike Faist est tout à fait convaincant. Beau et capable de grande immobilité, Faist fait le maximum du tuteur qui a besoin du travail mais pas de l'aggravation qui l'accompagne. Lui et Schilling dansent brillamment la valse de la séduction et le moment où ils s'embrassent frénétiquement et se déshabillent contre le décor des arbres est en effet puissant.

Megan West est également excellente en tant que Vera, la protégée que la Natalya malveillante de Schilling cherche à se débarrasser en la marie à un voisin plus âgé, Bolshintsov (un excellent jeu de Peter Appel) et la merveilleuse Elizabeth Franz dans le rôle d'Anna, la mère d'Arkady, qui observe et s'inquiète - avec raison.

Annabella Sciorra brille dans le rôle de Lizaveta ; elle a des yeux glorieux qui révèlent la gamme des émotions et des pensées que son personnage traverse. Elle est une joie absolue dans un rôle qui pourrait si facilement être ingrat.

Le rôle le plus difficile de la pièce est celui de Rakitin, l'ami de la famille Arkady qui est désespérément amoureux de Natalya mais sur les épaules de qui repose la responsabilité de garder les secrets qui menacent de déchirer la famille. Peter Dinklage offre une interprétation unique et sèche du personnage, qui sert à souligner son importance dans l'intrigue, apporte une bonne valeur comique mais tout en gardant toujours les agonies cachées du personnage compréhensibles. La scène où il finit par s'effondrer sous le poids de son amour pour Natalya et pleure sa tristesse pour ensuite se retourner et faire une bonne blague est exceptionnelle.

C'est un regard frais et revigorant sur une pièce classique du théâtre russe. Elle est pleine de performances soigneuses et finement jugées et la réalisatrice Erica Schmidt s'assure que la légèreté de touche et les aspects comiques de la pièce et des personnages rehaussent et accentuent la tragédie personnelle et le drame sous-jacent.

Un Mois à la Campagne se joue jusqu'au 22 février.