KRITIK: Aida, Opera Holland Park ✭✭✭

Heather Shipp als Amneris und Peter Auty als Radamès. Foto: Robert Workman Aida

Opera Holland Park

19/07/15

3 Sterne

Musik oder Theater, die für besondere Anlässe geschrieben werden, bleiben häufig genau das – Gelegenheitswerke. Für den jeweiligen Moment passend, aber ohne genügend Dauerhaftigkeit oder eigenständiges künstlerisches Leben, um weitere Aufführungen zu rechtfertigen. Es gibt jedoch Ausnahmen, und Verdis Aida ist ein bemerkenswertes und bis heute relevantes Lehrstück dafür, wie man ein packendes Spektakel schafft, das zugleich ein privates, inneres Drama von großer Komplexität in sich trägt – mit der Kraft zu berühren, nicht bloß zu beeindrucken. Jede gelungene Produktion muss beide Seiten gleichermaßen zum Funktionieren bringen und sie einander befruchten lassen: Musikalisch gelang das im Holland Park, doch die szenischen Produktionswerte waren nicht immer hilfreich.

Diese Oper wäre beinahe nicht zustande gekommen. Ende der 1860er Jahre beschäftigte sich Verdi mehr mit der Verwaltung seines Landguts als mit dem Komponieren, und es brauchte ein enormes Honorar vom Khediven von Ägypten, um ihn zu der Auftragsarbeit für die Eröffnung des Opernhauses in Kairo zu bewegen. Doch einmal zugesagt, nutzte er den Rahmen von Ghislanzonis Libretto, um einige seiner eindrucksvollsten Gedanken über die Konflikte zwischen individuellen und gemeinschaftlichen Werten, die Tyrannei des Klerus und jenes Dauer-Thema seines Schaffens zu bündeln – Väter und Töchter. Während die Oper berühmt, wenn nicht berüchtigt, ist für den lärmenden Triumphgestus der Chöre im 2. Akt, wird dieses Bild durch den Großteil der Partitur widerlegt, die in Gesangslinie wie Orchesterfarben von größter Zartheit ist. Diese Mischung unter freiem Himmel zu realisieren, ist umso schwieriger; doch Opera Holland Park hat inzwischen viel Erfahrung darin, aus seinem Spielort das Beste zu machen, und die praktischen Gegensätze dieser Partitur wurden in dieser Produktion sehr gut bewältigt.

Gweneth-Ann Jeffers als Aida und Peter Auty als Radamès. Foto: Robert Workman Trotz seines Ruhms und seines Stellenwerts im Kanon wird Aida nicht allzu häufig gespielt – in London schon gar nicht. Vermutlich liegt ein großer Teil der Erklärung in den Kosten, ob für Besetzung oder für Kostüme, Bühnenbilder und den dazugehörigen pharaonischen Glitzer. Die Idee einer unprunkvollen Produktion ist schlicht nicht realistisch. Doch es scheint auch eine gewisse Zurückhaltung und Unsicherheit zu geben, welcher Stil der richtige ist. Soll der Orientalismus des Originals ausgeklammert oder trotzig umarmt werden? Hier ist ein entschiedener Regie-Eingriff essenziell – und in dieser Hinsicht laviert Regisseur Daniel Slater ein wenig. Wir beginnen in einem modernen Setting und bewegen uns dann allmählich in eine deutlich traditionellere, geradlinigere Darstellung hinein; der Übergang zwischen beidem wird jedoch dramaturgisch nie wirklich explizit gemacht. Das schmälert zwar die vielen Vergnügungen und Gewinne des Abends nicht wesentlich, doch die Oper hätte eine klare Verpflichtung auf eine einzige übergeordnete Vision verdient – welcher Art auch immer, traditionell oder subversiv.

Die erhaltene, pseudo-jakobinische Fassade von Holland House bietet einen angemessen grandiosen architektonischen Hintergrund für eine Bühnenplattform, die von drei überlebensgroßen ägyptischen Götterstatuen auf Sockeln bevölkert wird – Bühnenbildner Robert Innes Hopkins verortet uns in einer Museumsgalerie, in der gerade ein opulenter Black-Tie-Empfang stattfindet, ausgerichtet von Amneris (Heather Shipp) und ihrem Vater, dem König (Keel Watson), mit Ramfis (Graeme Broadbent) als Zeremonienmeister. Das unvermeidliche verschüttete Getränk liefert das Stichwort für Aida (Gweneth-Ann Jeffers), in der Kleidung einer Reinigungskraft aufzutreten, und ein bedeutungsvoller Blickwechsel zwischen ihr und Radamès (Peter Auty), von Amneris beobachtet, setzt die Handlung in Gang. Das Motiv der außer Kontrolle geratenen Museums-Gönnerparty zieht sich mindestens bis zum Ende des zweiten Akts durch: Radamès wird für den Kampf aus einem historischen Rüstungssatz bewaffnet, und das Museumspersonal tritt als äthiopische Gefangene auf. Die Triumphszene ist mit Schmuck und Schätzen dekoriert, offenbar anderswo aus der Museumssammlung zusammengeklaubt, und es entwickelt sich eine Orgie – befeuert von vorhersehbaren weißen Pulvern und Regen aus Banknoten. Beruhigung kehrt erst ein, wenn wir die „Nil-Szene“, das Schlussgericht und die Einmauerung erreichen. Hier tritt die Inszenierung endlich zurück und lässt den Konfrontationen zwischen Aida und ihrem Vater sowie Radamès und Amneris ihr volles emotionales Gewicht und ihre dramatische Freiheit – bis hin zu einer ergreifenden letzten Wiedervereinigung von Radamès und Aida. Man konnte sich des Gedankens nicht erwehren, dass eine Chance verpasst wurde, Verdis Abneigung gegen die Geistlichkeit, die Ägypten letztlich regiert, stärker herauszuarbeiten. Antiklerikalismus und die Notwendigkeit einer klaren Trennung von Kirche und Staat sind ein dominantes Thema des vierten Akts und überhaupt von Verdis künstlerischem Leben. Während Heather Shipp als Amneris dies auf der Bühne kraftvoll vermittelte, ist es schade, dass die Produktion dieses zentrale Thema nicht deutlicher aufgriff.

Graeme Broadbent als Ramfis und Keel Watson als der König. Foto: Robert Workman

Bei all diesen gemischten Signalen wurden die musikalischen Werte des Abends dennoch sehr überzeugend vermittelt. Die City of London Sinfonia unter der Leitung von Manlio Benzi hatte einen sehr guten Abend. Das Blech hat viel zu leisten – auf der Bühne wie im Graben –, ob triumphierend oder düster drohend, und all diese Hürden wurden bravourös genommen. An anderer Stelle gab es in den zeremoniellen Momenten all den Biss und das Gewicht, das man sich wünschen kann, und dazu viele zarte Soli und kammermusikalische Zwischenspiele als Ausgleich. Benzi war in der Gestaltung des Begleitens sehr sensibel für die Bedürfnisse seiner Sängerinnen und Sänger, wenngleich einige Chöre in einem halsbrecherischen Tempo genommen wurden, das alle ein wenig stärker zu treiben schien, als die Partitur verlangt. In der Titelrolle war Jeffers stimmlich am eindrucksvollsten, mit fein gesponnenen, delikaten Linien in den intimen Szenen und der Fähigkeit, bei Bedarf über die anderen Sänger und das Orchester zu strahlen. Ihre darstellerische Persönlichkeit wirkte anfangs eher zurückgenommen, doch in den letzten beiden Akten wuchs sie deutlich über sich hinaus – besonders im wunderbaren leidenschaftlichen Duett mit ihrem Vater, dem äthiopischen König Amonasro (Jonathan Veira), der in seiner vergleichsweise kleinen Rolle jede Note zählen ließ. Peter Auty war an diesem Abend indisponiert und spielte Radamès nur szenisch; gesungen wurde die Partie von einem Einspringer im Orchestergraben. Das schadete der dramatischen Glaubwürdigkeit weniger, als man erwarten könnte – angesichts der Qualität des Vertreters und der engagierten, überzeugenden Schauspielarbeit Autys. In mancher Hinsicht ist die interessanteste Figur der Oper Amneris: Sie durchlebt die schwierigsten Dilemmata, und ihr Innenleben wird uns deutlicher eröffnet als das der anderen Hauptrollen. Sie verkörpert den Konflikt zwischen persönlicher Neigung und Pflicht gegenüber dem Staat und wird am Ende zum Sprachrohr dessen, was Verdi uns als Publikum fühlen und denken lassen will. Nach einem etwas verhaltenen Beginn arbeitete Heather Shipp diese Dimensionen mit starker Bühnenpräsenz und einem heroischen, zugleich klagenden Ton eindrucksvoll heraus. Keel Watson und Graeme Broadbent waren als machtvolle Bass-Gegenpole an ihrer Seite und lieferten als Pharao und Hohepriester stark charakterisierte, detailreiche Leistungen. In einem Werk, das in besonderem Maße auf einen starken Chorklang angewiesen ist, leistete der über dreißigköpfige Opera Holland Park Chorus hervorragende Arbeit – nicht nur vokal, sondern auch choreografisch und mit erfinderischer, flexibler Bühnenbewegung, für die Bewegungsregisseur Maxine Braham ausdrücklich Anerkennung gebührt.

Dies ist eine sehr große Oper, die viele unterschiedliche Deutungen zulässt. Doch für Kompromisse ist kein Platz. Letztlich muss man sie entweder ganz geradeheraus spielen – mit der absoluten Überzeugung, dass die Themen, um die es geht, für unsere Kultur heute genauso wichtig sind wie für Verdi in den 1860er Jahren. Oder, wenn man meint, das traditionelle Setting werfe zu viele unbequeme Fragen auf oder sei aus Budgetgründen nicht zu realisieren, braucht es ein vollständig durchdachtes alternatives Szenario. Trotz ihrer herausragenden musikalischen, visuellen und dynamischen Qualitäten trifft diese Produktion die letzte Entscheidung nie ganz – und wenn es ein Prinzip gibt, das diese Geschichte unausweichlich verkörpert, dann die Notwendigkeit, Position zu beziehen und bis zum bitteren Ende daran festzuhalten.

Weitere Informationen zu Opera Holland Park finden Sie auf der Website des Hauses.