RESEÑA: Aida, Opera Holland Park ✭✭✭

Heather Shipp como Amneris y Peter Auty como Radamès. Foto: Robert Workman Aida

Opera Holland Park

19/07/15

3 estrellas

La música o el teatro escritos para ocasiones especiales tienden a quedarse en eso: algo circunstancial. Adecuado para ese acontecimiento, pero sin la suficiente perdurabilidad ni vida artística propia como para merecer nuevas reposiciones. Sin embargo, hay excepciones, y Aida de Verdi sigue siendo una lección extraordinaria —y plenamente vigente— de cómo crear un espectáculo emocionante que, al mismo tiempo, encierra un drama íntimo de gran complejidad, capaz de conmover, no solo de deslumbrar. Para que una producción funcione, ambas facetas deben rendir por igual y alimentarse mutuamente: si bien en lo musical esto se cumplió en Holland Park, los valores de producción no siempre ayudaron.

Esta ópera estuvo a punto de no llegar a existir. A finales de la década de 1860, Verdi estaba más centrado en la gestión de su finca que en componer, y fue necesaria una suma enorme por parte del jedive de Egipto para convencerle de aceptar el encargo con motivo de la inauguración de la Ópera de El Cairo. Pero una vez comprometido, aprovechó el armazón del libreto de Ghislanzoni para volcar algunas de sus reflexiones más poderosas sobre los conflictos entre los valores individuales y los de la comunidad, la tiranía del clero y ese tema perenne en toda su obra: padres e hijas. Aunque la ópera es famosa —si no notoria— por el estruendoso triunfalismo de los coros del Acto II, esa reputación queda desmentida por la mayor parte de la partitura, de una delicadeza extrema tanto en la línea vocal como en la paleta orquestal. Esta combinación tan diversa es aún más difícil de lograr en un entorno semiabierto, pero Opera Holland Park cuenta ya con gran experiencia en sacar partido de su espacio, y el reto de estos contrastes prácticos se resolvió con solvencia en esta producción.

Gweneth-Ann Jeffers como Aida y Peter Auty como Radamès. Foto: Robert Workman Pese a su fama e importancia en el canon, Aida no se representa con tanta frecuencia, desde luego en Londres. Presumiblemente, buena parte de la explicación está en los costes, ya sea por el personal necesario o por el precio del vestuario, los decorados y toda la parafernalia faraónica asociada. La idea de una producción sin lujo resulta sencillamente inviable. Pero también parece existir cierta reserva e incertidumbre sobre el estilo adecuado. ¿Debe ponerse entre paréntesis el orientalismo original o abrazarse sin complejos? Aquí es esencial una intervención directorial decidida, y en este sentido el director Daniel Slater, hasta cierto punto, deja la cuestión en un término medio. Empezamos en un entorno contemporáneo y luego pasamos gradualmente a una lectura mucho más tradicional y directa, sin que la transición entre ambas se haga nunca explícita en términos dramáticos. Aunque esto no merma de forma significativa los muchos placeres y recompensas de la velada, la ópera merecía —y se habría beneficiado— de un voto de confianza: un compromiso claro con una sola visión rectora, del tipo y carácter que fuese, tradicional o subversiva.

La fachada superviviente de aire neojacobino de Holland House ofrece un telón arquitectónico adecuadamente grandilocuente para una plataforma escénica poblada por tres estatuas egipcias, más grandes que la vida, de dioses sobre pedestales: el diseñador Robert Innes Hopkins nos sitúa en una galería de museo, con una recepción opulenta de etiqueta en marcha, organizada por Amneris (Heather Shipp) y su padre, el Rey (Keel Watson), y con Ramfis (Graeme Broadbent) como maestro de ceremonias. El inevitable vaso derramado sirve de señal para que Aida (Gweneth-Ann Jeffers) entre con uniforme de limpiadora, y una mirada significativa entre ella y Radamès (Peter Auty), presenciada por Amneris, pone en marcha la trama. El tema de la fiesta de mecenas del museo que se descontrola se mantiene al menos hasta el final del Acto Dos, cuando Radamès es armado para el combate con una histórica armadura, y el personal del museo aparece como los prisioneros etíopes. La escena del triunfo se adorna con joyas y tesoros aparentemente saqueados de otras partes de la colección, y se desencadena una orgía alimentada por previsibles polvos blancos y una lluvia de billetes. Las cosas se calman cuando llegamos a la «Escena del Nilo», el juicio final y el enterramiento. Aquí la producción, por fin, se aparta y permite que los enfrentamientos entre Aida y su padre, y entre Radamès y Amneris, alcancen todo su peso emocional y su libertad dramática, antes de un conmovedor reencuentro final entre Radamès y Aida. No obstante, no se podía evitar pensar que se perdió una oportunidad al no explotar más el desagrado de Verdi por el estamento clerical que, en última instancia, gobierna Egipto. El anticlericalismo y la necesidad de una separación clara entre Iglesia y Estado son un tema dominante del Acto Cuatro y, de hecho, de la vida artística de Verdi en su conjunto. Aunque Heather Shipp, como Amneris, transmitió el mensaje con fuerza en escena, es una lástima que la producción no hiciera referencia a este gran tema de manera más clara.

Graeme Broadbent como Ramfis y Keel Watson como el Rey. Foto: Robert Workman

Entre todos estos mensajes cruzados, los valores musicales de la función, con todo, se proyectaron muy bien. La City of London Sinfonia, bajo la batuta de Manlio Benzi, tuvo una noche muy lograda. La sección de metales tiene muchísimo trabajo, tanto en escena como fuera de ella, ya sea en clave triunfal o con un oscuro presagio, y todos esos obstáculos se salvaron con brillantez. En otros pasajes hubo toda la mordida y el peso que cabía pedir en los momentos ceremoniales, y muchos solos delicados e interludios de aire camerístico para equilibrarlos. Benzi fue muy atento a las necesidades de sus cantantes al dosificar el acompañamiento, aunque algunos coros se tomaron a una velocidad vertiginosa que pareció exigir a todos un poco más de lo que la partitura demanda. En el papel protagonista, Jeffers resultó vocalmente impresionante, con líneas finamente hiladas en las escenas íntimas y la capacidad de elevarse por encima del resto de cantantes y de la orquesta cuando era necesario. Su personalidad dramática estuvo algo retraída al principio, pero se adueñó del escenario en los dos últimos actos, y especialmente en el maravilloso dúo apasionado con su padre, el rey etíope Amonasro (Jonathan Veira), que hizo que cada nota de su relativamente pequeño papel contara. Peter Auty estaba indispuesto esa noche y solo interpretó en escena el papel de Radamès, con un cantante sustituto en el foso. Esto fue menos perjudicial para la credibilidad dramática de lo que cabría esperar, dada la calidad del sustituto y la comprometida verosimilitud de la interpretación actoral de Auty. En cierto modo, el personaje más interesante de la ópera es Amneris, quien afronta los dilemas más exigentes y de cuya vida interior obtenemos atisbos más nítidos que en el caso de los otros papeles principales. Es la encarnación del conflicto entre la preferencia individual y el deber hacia el Estado, y al final, la portavoz de lo que Verdi quiere que el público sienta y piense. Tras un arranque algo lento, Heather Shipp desplegó estas dimensiones con fuerza gracias a su sólida presencia escénica y un timbre heroico pero doliente. Keel Watson y Graeme Broadbent actuaron como potentes contrapesos graves frente a ella y ofrecieron interpretaciones intensamente caracterizadas y detalladas como faraón y sumo sacerdote. En una obra que depende más que la mayoría de una sólida contribución coral, el Coro de Opera Holland Park, con más de treinta integrantes, realizó un trabajo formidable no solo en lo vocal, sino también en coreografía y en un movimiento escénico inventivo y flexible, mérito por el que la directora de movimiento Maxine Braham merece reconocimiento.

Se trata de una ópera grandísima que admite interpretaciones muy distintas. Sin embargo, no hay margen para el compromiso a medias. En última instancia, o se hace de manera directa y con la convicción absoluta de que los temas que aborda son tan importantes para nuestra cultura hoy como lo eran para Verdi en la década de 1860; o, si se considera que el marco tradicional plantea demasiadas preguntas incómodas o está fuera de presupuesto, entonces se necesita un planteamiento alternativo plenamente elaborado. A pesar de sus sobresalientes virtudes musicales, visuales y dinámicas, esta producción no termina de tomar la decisión final; y si hay un principio que esta historia representa de forma ineludible, es la necesidad de adoptar una postura y sostenerla hasta las últimas consecuencias.

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