REVISÃO: Aida, Opera Holland Park ✭✭✭

Heather Shipp como Amneris e Peter Auty como Radamès. Foto: Robert Workman Aida

Opera Holland Park

19/07/15

3 Estrelas

A música ou o teatro escritos para ocasiões especiais tendem a ficar exactamente isso – ocasionais. Adequados para aquele evento, mas sem força de permanência ou vida artística autónoma suficientes para justificarem novas apresentações. Há, no entanto, excepções, e Aida, de Verdi, permanece uma lição notável e ainda pertinente sobre como criar um espectáculo emocionante que, ao mesmo tempo, encerra um drama íntimo, de grande complexidade, com poder para comover – e não apenas para impressionar. Qualquer produção bem-sucedida exige que ambos os lados funcionem igualmente bem e se alimentem um ao outro: se musicalmente foi o caso em Holland Park, os valores de produção nem sempre ajudaram.

Esta ópera quase não aconteceu. No final da década de 1860, Verdi estava mais concentrado na gestão da sua propriedade do que na composição, e foi preciso um cachet enorme por parte do Quediva do Egipto para o convencer a aceitar a encomenda para a inauguração da Ópera do Cairo. Mas, uma vez comprometido, usou o enquadramento do libreto de Ghislanzoni para canalizar algumas das suas reflexões mais impressionantes sobre os conflitos entre valores individuais e comunitários, a tirania do clero e aquele tema perene em toda a sua obra – pais e filhas. Embora a ópera seja famosa, se não mesmo notória, pelo triunfalismo estrondoso dos coros no Acto II, essa reputação é desmentida pela maior parte da escrita, de uma delicadeza extrema tanto na linha vocal como na paleta orquestral. Esta combinação diversa é ainda mais difícil de concretizar num espaço semi-ao-ar-livre, mas a Opera Holland Park tem hoje grande experiência em tirar o máximo partido do seu cenário, e o desafio destes contrastes práticos foi bem enfrentado nesta produção.

Gweneth-Ann Jeffers como Aida e Peter Auty como Radamès. Foto: Robert Workman Apesar da sua fama e importância no cânone, Aida não é apresentada assim tantas vezes, certamente em Londres. Presumivelmente, grande parte da explicação reside nos custos envolvidos, quer em pessoal quer no custo de figurinos, cenários e do inevitável “brilho faraónico” associado. A ideia de uma produção sem luxo é simplesmente inviável. Mas parece haver também alguma reserva e incerteza quanto ao estilo apropriado a adoptar. Deve o orientalismo do original ser colocado entre parêntesis ou assumido de forma desafiante? Aqui é essencial uma intervenção encenatória decisiva e, neste aspecto, o encenador Daniel Slater, até certo ponto, contorna a questão. Começamos num ambiente moderno e depois avançamos gradualmente para uma abordagem muito mais tradicional e directa, sem que a transição entre as duas seja alguma vez explicitada de forma dramática. Embora isto não diminua de forma significativa os muitos prazeres e recompensas da noite, a ópera merecia e teria beneficiado de um voto de confiança numa única visão orientadora clara, fosse ela tradicional ou subversiva.

A fachada pseudo-jacobina sobrevivente de Holland House oferece um pano de fundo arquitectónico devidamente grandioso para uma plataforma de palco ocupada por três estátuas egípcias de deuses, maiores do que a vida, sobre plintos – o cenógrafo Robert Innes Hopkins coloca-nos numa galeria de museu, com uma recepção opulenta de gala em curso, organizada por Amneris (Heather Shipp) e pelo seu pai, o Rei (Keel Watson), e com Ramfis (Graeme Broadbent) como mestre de cerimónias. O inevitável copo entornado serve de deixa para a entrada de Aida (Gweneth-Ann Jeffers) em trajes de empregada de limpeza, e um olhar significativo entre ela e Radamès (Peter Auty), observado por Amneris, põe a intriga em movimento. O tema da festa de beneméritos no museu que descamba mantém-se, pelo menos, até ao fim do Acto II, quando Radamès é armado para combate com um conjunto histórico de armadura, e os funcionários do museu surgem como os prisioneiros etíopes. A cena do triunfo é decorada com jóias e tesouros aparentemente saqueados de outras partes da colecção, e desenvolve-se uma orgia alimentada por previsíveis pós brancos e chuvas de notas. As coisas acalmam quando chegamos à “Cena do Nilo”, ao julgamento final e ao sepultamento. Aqui, finalmente, a produção deixa de se impor e permite que os confrontos entre Aida e o seu pai, e entre Radamès e Amneris, tenham todo o seu peso emocional e liberdade dramática, culminando numa reunião final comovente entre Radamès e Aida. Ainda assim, não foi possível evitar a sensação de que se perdeu uma oportunidade ao não se explorar mais o desgosto de Verdi pela classe clerical que, em última instância, governa o Egipto. O anticlericalismo e a necessidade de uma separação clara entre igreja e Estado são temas dominantes do Acto IV e, de facto, da vida artística de Verdi como um todo. Embora Heather Shipp, como Amneris, tenha transmitido essa mensagem com força em palco, é pena que a produção não tenha feito referência a este tema maior de forma mais clara.

Graeme Broadbent como Ramfis e Keel Watson como o Rei. Foto: Robert Workman

No meio de todas estas mensagens contraditórias, os valores musicais da apresentação foram, ainda assim, muito bem projectados. A City of London Sinfonia, sob a direcção de Manlio Benzi, teve uma noite muito boa. Os metais têm muito trabalho a fazer, tanto em palco como fora dele, quer em tom triunfante quer num registo sombrio e ameaçador, e todos esses obstáculos foram superados com distinção. Noutras passagens, houve toda a mordida e o peso que se pode desejar nos momentos cerimoniais, e muitos solos delicados e interlúdios em estilo de música de câmara para os equilibrar. Benzi mostrou grande sensibilidade às necessidades dos cantores ao definir o andamento do acompanhamento, embora alguns coros tenham sido levados a uma velocidade vertiginosa que pareceu exigir de todos um pouco mais do que a partitura pede. No papel-título, Jeffers foi particularmente impressionante do ponto de vista vocal, com linhas delicadas e finamente fiadas nas cenas íntimas e a capacidade de se erguer acima dos outros cantores e da orquestra quando necessário. A sua personalidade dramática esteve um pouco contida no início, mas afirmou-se plenamente nos dois últimos actos, e sobretudo no magnífico dueto apaixonado com o seu pai, o rei etíope Amonasro (Jonathan Veira), que fez com que cada nota do seu papel relativamente pequeno contasse. Peter Auty estava doente nessa noite e limitou-se a representar o papel de Radamès, com um cantor substituto no fosso. Isto foi menos prejudicial para a credibilidade dramática do que se poderia esperar, dada a qualidade do substituto e a plausibilidade empenhada da interpretação de Auty. Em certos aspectos, a personagem mais interessante da ópera é Amneris, que enfrenta os dilemas mais exigentes e cuja vida interior vislumbramos com mais acuidade do que acontece com os outros protagonistas. Ela é a personificação do conflito entre preferência individual e dever para com o Estado e, no final, a porta-voz daquilo que Verdi quer que nós, na plateia, sintamos e pensemos. Após um começo algo lento, Heather Shipp evidenciou estas dimensões com força, através de uma presença cénica robusta e de um timbre heróico, mas pleno de lamento. Keel Watson e Graeme Broadbent funcionaram como poderosos contrapontos de baixo e ofereceram interpretações bem caracterizadas e detalhadas como faraó e sumo sacerdote. Numa obra que depende, mais do que o habitual, de uma forte contribuição coral, o Coro da Opera Holland Park, com mais de trinta elementos, fez um trabalho notável não só vocalmente, mas também na coreografia e no movimento cénico inventivo e flexível, pelo que a directora de movimento Maxine Braham merece o devido crédito.

Esta é uma ópera verdadeiramente grande, que admite muitas leituras diferentes. No entanto, não há espaço para compromissos. Em última análise, ou tem de ser feita de forma directa e com convicção absoluta de que os temas que aborda são tão importantes para a nossa cultura hoje como eram para Verdi na década de 1860. Ou, se se entender que o cenário tradicional levanta demasiadas questões incómodas ou está fora do orçamento, então é necessário um cenário alternativo plenamente pensado e desenvolvido. Apesar das suas virtudes musicais, visuais e dinâmicas notáveis, esta produção nunca chega a fazer a escolha final; e, se há um princípio que esta história representa inevitavelmente, é a necessidade de assumir uma posição e mantê-la até ao amargo fim.

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