CRITIQUE : Aida, Opera Holland Park ✭✭✭

Heather Shipp en tant qu'Amnéris et Peter Auty en tant que Radamès. Photo : Robert Workman Aida

Opera Holland Park

19/07/15

3 Étoiles

La musique ou le théâtre écrit pour des occasions spéciales tend à rester exactement cela – occasionnel. Adapté à cet événement mais ne possédant pas la force ou la vie artistique indépendante suffisante pour mériter de nouvelles représentations. Il y a toutefois des exceptions et Aida de Verdi se présente comme une remarquable et toujours pertinente leçon sur la création d'un spectacle palpitant, qui possède en même temps un drame intérieur privé d'une grande complexité avec le pouvoir d'émouvoir, non simplement d'impressionner. Toute production réussie nécessite que ces deux aspects fonctionnent également bien et se nourrissent mutuellement : bien que musicalement ce soit le cas à Holland Park, les valeurs de production n'étaient pas toujours utiles.

Cette opéra a failli ne pas voir le jour. À la fin des années 1860, Verdi était plus préoccupé par la gestion de son domaine que par la composition, et il a fallu une énorme rémunération de la part du Khédive d'Égypte pour le persuader de prendre en charge la commission pour l'ouverture de l'Opéra du Caire. Mais une fois engagé, il a utilisé la structure du livret de Ghislanzoni pour canaliser certaines de ses réflexions les plus impressionnantes sur les conflits entre les valeurs individuelles et communautaires, la tyrannie du clergé, et ce thème éternel dans toute son œuvre – les pères et les filles. Alors que l'opéra est célèbre, voire notoire, pour le triomphalisme tapageur des chœurs dans l'acte 2, cette réputation est contredite par la majorité de l'écriture, qui est d'une délicatesse extrême tant dans la ligne vocale que dans la palette orchestrale. Cette combinaison diversifiée est d'autant plus difficile à rendre dans un cadre semi-extérieur, mais Opera Holland Park a maintenant une grande expérience dans l'exploitation optimale de leur cadre, et le défi de ces contrastes pratiques a été relevé avec brio dans cette production.

Gweneth-Ann Jeffers en tant qu'Aida et Peter Auty en tant que Radamès. Photo : Robert Workman Malgré sa renommée et son importance dans le canon Aida n'est pas souvent représentée, certainement à Londres. Une grande partie de l'explication réside probablement dans les coûts impliqués, que ce soit en personnel ou en coût des costumes, décors et fastes pharaoniques associés. L'idée d'une production sans éclat est tout simplement infaisable. Mais il semble également y avoir un certain degré de réserve et d'incertitude quant au style approprié à adopter. Faut-il mettre entre parenthèses ou embrasser fièrement l'orientalisme de l'original ? Une intervention directoriale décisive est essentielle ici, et à cet égard, le réalisateur Daniel Slater ménage quelque peu la question. Nous commençons dans un cadre moderne puis nous passons progressivement à une version plus traditionnelle et plus simple, la transition entre les deux n'étant jamais explicitement dramatique. Bien que cela ne diminue pas de manière significative les nombreux plaisirs et récompenses de la soirée, l'opéra méritait et aurait bénéficié du vote de confiance d'un engagement clair envers une vision directrice unique, de quelque nature et caractère que ce soit, traditionnel ou subversif.

La façade jacobéenne survivante de Holland House fournit un cadre architectural grandiose approprié pour une plate-forme scénique peuplée de trois statues égyptiennes de dieux plus grandes que nature sur des socles – le designer Robert Innes Hopkins nous place dans une galerie de musée, avec une réception en tenue de soirée opulente accueillie par Amnéris (Heather Shipp) et son père, le Roi (Keel Watson), et avec Ramfis (Graeme Broadbent) en tant que maître de cérémonie. Le verre renversé inévitable fournit un prétexte à Aida (Gweneth-Ann Jeffers) pour entrer en vêtement de femme de ménage, et un regard significatif entre elle et Radamès (Peter Auty), observé par Amnéris, met en mouvement l'intrigue. Le thème de la fête de bienfaiteurs du musée qui dégénère continue au moins jusqu'à la fin de l'acte deux, alors que Radamès est armé pour le combat avec une armure historique, et le personnel du musée émerge en tant que prisonniers éthiopiens. La scène du triomphe est décorée de bijoux et de trésors apparemment pillés ailleurs dans la collection du musée, et une orgie se développe alimentée par des poudres blanches prévisibles et des douches de billets de banque. Les choses se calment une fois qu'on atteint la 'Scène du Nil', jugement final et mise au tombeau. Ici, la production finit par céder le passage et permet aux confrontations entre Aida et son père, et Radamès et Amnéris de prendre tout leur poids émotionnel et leur liberté dramatique avant une réunion finale émouvante entre Radamès et Aida. On ne pouvait s'empêcher de penser cependant qu'il y avait une occasion manquée de ne pas mettre davantage en avant le dégoût de Verdi envers le clergé qui gouverne finalement l'Égypte. L'anticléricalisme et le besoin de séparation claire entre l'Église et l'État est un thème dominant de l'acte quatre et en effet de toute la vie artistique de Verdi. Bien que Heather Shipp en tant qu'Amnéris ait bien communiqué le message sur scène, il est dommage que la production n'ait pas référencé ce thème majeur plus clairement.

Graeme Broadbent en tant que Ramfis et Keel Watson en tant que Roi. Photo : Robert Workman

Parmi tous ces messages mêlés, les valeurs musicales de la performance ont néanmoins été très bien projetées. La City of London Sinfonia sous la direction du chef Manlio Benzi a eu une très bonne soirée. Les cuivres ont beaucoup de travail à faire sur scène et hors scène, qu'ils soient triomphants ou sombrement menaçants, et tous ces obstacles ont été traversés de manière magistrale. Ailleurs, il y avait tout le mordant et la force que l'on peut demander dans les moments cérémoniels, et de nombreux solos délicats et interludes de style chambriste pour les équilibrer. Benzi était très sensible aux besoins de ses chanteurs dans le rythme de l'accompagnement, bien que certains des chœurs aient été pris à une vitesse effrénée qui semblait presser tout le monde un peu plus fort que le score ne l'exige. Dans le rôle titre, Jeffers était très impressionnante vocalement, avec des lignes délicates finement filées dans les scènes intimes et la capacité de survoler les autres chanteurs et l'orchestre lorsque requis. Sa personnalité dramatique était plutôt discrète au début, mais elle s'est affirmée dans les deux derniers actes, et surtout dans le merveilleux duo passionné avec son père, le roi éthiopien Amonasro (Jonathan Veira), qui a fait valoir chaque note de son rôle relativement petit. Peter Auty était souffrant ce soir-là et n'a fait qu'agir le rôle de Radamès, avec un chanteur suppléant dans la fosse. Cela a été moins dommageable à la crédibilité dramatique qu'on pourrait s'y attendre, étant donné la qualité du remplaçant et la crédibilité engagée du jeu d'Auty. D'une certaine manière, le personnage le plus intéressant de l'opéra est Amnéris qui connaît les dilemmes les plus éprouvants et dont la vie intérieure nous apparaît plus nettement qu'il n'en est le cas pour les autres rôles principaux. Elle est l'incarnation du conflit entre la préférence individuelle et le devoir envers l'État, et à la fin le porte-parole de ce que Verdi veut que nous ressentions et pensions en tant que public. Après un démarrage un peu lent, Heather Shipp a puissamment révélé ces dimensions dans sa forte personnalité scénique et son ton héroïque mais plaintif. Keel Watson et Graeme Broadbent ont servi de puissants appuis de basse à elle et ont donné des performances fortement caractérisées et détaillées en tant que pharaon et grand prêtre. Dans une œuvre qui dépend plus que d'habitude d'une forte contribution chorale, l'Opera Holland Park Chorus, et ses plus de trente membres, ont fait un travail remarquable non seulement vocalement mais aussi en chorégraphie et en mouvement scénique inventif et flexible auquel le réalisateur de mouvement Maxine Braham doit recevoir du crédit mérité.

C'est un très grand opéra qui peut prendre de nombreuses interprétations différentes. Cependant, il n'y a pas de place pour les compromis. En fin de compte, il doit soit être joué de manière directe et avec une conviction absolue que les thèmes qu'il traite sont aussi importants pour notre culture maintenant qu'ils l'étaient pour Verdi dans les années 1860. Ou si le cadre traditionnel est pensé soulever trop de questions troublantes ou est au-delà du budget pour réaliser, alors un scénario alternatif entièrement pensé est nécessaire. Malgré ses vertus musicales, visuelles et dynamiques exceptionnelles, cette production ne fait jamais vraiment le choix final, et s'il y a un principe que cette histoire représente inéluctablement, c'est le besoin de prendre une position et de s'y tenir jusqu'au bout.

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