KRITIK: All On Her Own - Harlequinade, Garrick Theatre ✭✭✭✭✭

Zoë Wanamaker in All On Her Own. Foto: Johan Persson All On Her Own/Harlequinade

Garrick Theatre

4. November 2015

5 Sterne

Karten kaufen All On Her Own Der Titel ist irreführend. Sie mag die einzige Person auf der Bühne sein, aber sie ist nicht allein. Sie teilt den Raum mit einer Whisky-Karaffe, deren Inhalt auf eine Art – und mit einer Eile – schwindet, die selbst Claire in A Delicate Balance erstaunen würde. Und mit ihrem verstorbenen Ehemann – er starb auf dem Sofa, das sie mit Gift oder Trauer oder einer Mischung aus beidem fixiert –, dessen Präsenz wie ein unaussprechlicher Mixer zu ihrer Whisky-Diät wirkt. Die Erwartung von Tränen, Qual und umgestürzten Gläsern liegt spürbar in der Luft. Das ist All On Her Own, Terrence Rattigans kurzer Ein-Personen-Text (1968 als Hörspiel für die BBC geschrieben), nun wiederaufgenommen als Teil der Kenneth-Branagh-Spielzeit am Garrick Theatre. Inszeniert von Branagh und Rob Ashford und mit Zoë Wanamaker in der Hauptrolle ist diese Wiederaufnahme vermutlich so gut, wie es für dieses Stück nur werden kann.

Zoë Wanamaker in All On Her Own. Foto: Johan Persson

Das soll keineswegs eine Geringschätzung von Rattigans Schreiben andeuten: im Gegenteil, der Text ist karg, emotional und zutiefst menschlich und erkundet Verlust, Reue und Schuld auf kluge Weise. Man hat nie Zweifel, dass sich vor den eigenen Augen eine echte Tragödie entfaltet – auch wenn sie mit beißendem Humor durchzogen ist und so präsentiert wird, als könnte es sich um eine behagliche Salonkomödie handeln.

Rattigans Ruf hatte es lange schwer; viele halten ihn für altmodisch und für einen Beobachter von Zeiten und Menschen, die heute nur noch Erinnerung sind. Solche Urteile gehen komplett am Kern vorbei. Die Wahrheit ist: Wie alle großen Autor:innen schrieb er, indem er über das schrieb, was er kannte, über universelle Themen – über Dinge also, die uns alle berühren können und es auch tun.

Hier ist es der Tod. Der Tod eines geliebten Menschen und seine Folgen. Er nimmt das Publikum mit auf eine kleine emotionale Achterbahnfahrt, während Wanamakers Mrs Hodge über die Einsamkeit ihres wieder leeren Ehehauses spricht und sich ihr stellt – Whisky als bevorzugter Gefährte.

Wanamaker schöpft jede Möglichkeit aus, ihre Stimme klingt voll Verzweiflung und Leidenschaft (zwischendurch auch mit einem Hauch Empörung) – und sie besitzt die verblüffende Fähigkeit, ein Schweigen zu halten, das zugleich unangenehm und ausdrucksstark ist. Ihre Augen sind erstaunlich, wunderbar zwingend. Die melodramatischen Aspekte des Textes nimmt sie mit Leichtigkeit und lässt sie mühelos natürlich und glaubhaft wirken. Und ihr Sinn für spöttische Karikatur ist exquisit.

Es ist ein statisches Stück – eine Tatsache, die seinen Ursprüngen geschuldet ist. Aber dadurch wird es nicht weniger interessant, angesichts von Christopher Orams hübschem Bühnenbild und Wanamakers glänzender Leistung. Die Regie ist präzise und souverän; insgesamt ist es eine lohnende Auseinandersetzung mit Themen, die wirklich universell sind.

Doch der eigentliche Zweck dieser Produktion ist klar: Sie setzt – entschieden und trotzig – eine Stimmung ernster, wahrhaftiger Selbstbefragung. Dadurch wirken die Verlockungen einer leichten Komödie umso inniger wünschenswert und sehr viel leichter zu genießen. Und damit sind wir bei

Kenneth Branagh und Miranda Raison in Harlequinade. Foto: Johan Persson Harlequinade

Was für ein inspirierendes Jahr 1946! Es brachte die Gründung des NHS, des Arts Council und von CEMA, dem Committee for the Encouragement of Music and the Arts. CEMAs Ziel war es, die Moral zu stärken und britische Kultur sowie die Werte zu fördern, für die im Zweiten Weltkrieg gekämpft worden war. Finanziert wurden Tourneen mit Theaterstücken in Regionen, in denen die Bevölkerung nicht gerade mit einer Überfülle an Theaterangeboten verwöhnt war. Im heutigen politischen Klima wirkt die Idee von CEMA wie ein Märchen.

So muss es Rattigan wohl auch vorgekommen sein, denn sein Stück Harlequinade macht sich einen großen Spaß aus CEMA und aus dem Old Vic, einem der wichtigsten Lieferanten dieser Tourneeproduktionen. Doch Rattigan ist nicht boshaft, sondern liebevoll, wenn er ein zartes, schaumiges und ungeheuer komisches Theatermärchen zusammenbraut. Wie alle großen Märchen hat es eine sehr klare Moral: Theater ist wunderbar. Die Wiederaufnahme von Harlequinade, inszeniert von Branagh und Ashford, derzeit am Garrick Theatre zu sehen (als 100-minütiges Erlebnis, das All On Her Own einschließt und ohne Pause auskommt), ist eine echte Offenbarung. Meist wird Harlequinade zusammen mit The Browning Version, einem von Rattigans Meisterwerken, gespielt – gewöhnlich als Vorprogramm. Meiner Ansicht nach hat diese Kombination nie funktioniert, und Harlequinade wirkte im Vergleich zu The Browning Version stets blass und unerquicklich. Hier jedoch, befreit von der Rolle als Vorprogramm, direkt ins Rampenlicht gestellt und glänzend vorbereitet durch die intensive Finsternis von All On Her Own, kann das Stück strahlen.

Und es strahlt.

Tom Bateman und John Dalgleish in Harlequinade. Foto: Johan Persson

Das ist ein echter Genuss: durch und durch bezaubernd, konsequent komisch, herrlich albern. So ziemlich jedes Theatertopos und jede Karikatur wird in voller, übersteigerter und exemplarischer Lebendigkeit ausgestellt: die schäbige Tourneeproduktion; der hart arbeitende Inspizient, der versucht, die Eskapaden der Schauspieler:innen zu kaschieren; die Egos; die versteckten Geheimnisse; Promi-Wahnsinn; der Wunsch nach dem Rampenlicht – oder nach irgendeinem Licht, solange es einen gut aussehen lässt; die dipsomanische Grande Dame; der hoffnungslose lebenslange Schauspieler; die Nebenrollen, die ihren Moment im Zentrum wollen; der Polizist und ein guter Schlagstock-Witz; die Stars, die für ihre Rollen eigentlich zu alt sind, aber tapfer weitermachen. All das wird zu einem ansteckenden Schaum aus Albernheit aufgeschlagen.

Branagh ist in Hochform als Arthur Gosport, der Star und Anführer der Truppe, die Romeo and Juliet für ein Publikum spielt, das er für unter ihrem Niveau hält. Es braucht echtes Können, um als versierter Shakespeare-Verssprecher Shakespeares Worte absichtlich schlecht zu liefern – aber Branagh gelingt dieser Trick grandios, und sein Gosport spricht die Zeilen ohne Schönheit, Verständnis oder Charme. Das ist sehr komisch. (Wirklich erschreckend war die Erkenntnis, dass Branaghs schlechte Shakespeare-Lieferung vertraut wirkte; der Gosport-Standard ähnelt dem, was heutzutage auf den Bühnen der RSC und des National Theatre nicht selten routinemäßig geboten wird.)

Wie ein lauernder, sich spreizender Tiger streift Branagh über die Bühne, wirft seine Perücke in Szene, erteilt Befehle und verteilt Beleidigungen, erfindet neue Gags, um seine Mitspieler:innen auszustechen – und liefert den Ofen, der diese Produktion antreibt. Seine energiegeladene Jagd nach Lachen, subtil wie unübersehbar, trägt reichlich Früchte. Er ist sensationell. Seine lächerliche Probe zum Degenkampf mit Stuart Neals perfekt getroffener, geschniegelt-eitler Matinee-Idol-Version von Mercutio/Fred Ingram ist Monty Python würdig.

Zoë Wanamaker als Dame Maud in Harlequinade. Foto: Johan Persson

Miranda Raison erweist sich als ebenso versiert darin, die komischen Möglichkeiten einer Figur auszuspielen, deren Können deutlich unter dem ihren liegt und deren Schönheit verblasst ist, während Raisons das nicht ist. Ihr grelles, übertriebenes Make-up setzt Edna Selby akribisch als eine Schauspielerin in Szene, die sich verbissen an die Erinnerung an die Jugend klammert und an ihrer Ehe mit Gosport festhält, um ihre Karriere zu sichern. Sie hält Branaghs Energie wunderbar stand; ihre Szene mit dem vernarrten Polizisten (John Dagleish in herrlicher Form, der spät auftritt und mühelos Lacher abräumt) ist wirklich urkomisch.

Zoë Wanamaker dreht – wie eine leicht beschwipste Dowager-Empress der Bühne – die Diva voll auf, und das mit großer Wirkung. An einer Stelle hat sie einen großartigen Komplett-Ohnmachtsanfall, der die Vorstellung zum Stillstand bringt; an einer anderen wird ihr Vortrag darüber, wie man das Wort „bitch“ richtig spricht, Ihnen vermutlich Tränen der Freude in die Augen treiben. Als Julias Amme kostümiert ist Wanamaker eine Kreuzung aus Lady Grantham und Prinzessin Leia: vollkommen fesselnd.

Die härteste arbeitende Figur des Stücks ist Inspizient Jack Wakefield, hier mit vollem Einsatz gespielt von Tom Bateman. In jeder Farce gibt es diese relativ undankbare Rolle, um die herum die eigenwilligen, komischen Figuren kreisen und kollidieren: In Harlequinade ist Wakefield diese Rolle – wobei Rattigan dafür sorgt, dass er ein paar lohnende, ganz eigene komische Momente bekommt. Bateman liefert ab, auch wenn er gelegentlich etwas zu sehr forciert. Er ist die Figur mit dem kathartischen Moment der Erkenntnis: dass Theater alles wert ist und dass nichts und niemand einem im Weg stehen sollte, seinen theatralen Sehnsüchten zu folgen – wie auch immer sie aussehen. Der Rest des Ensembles leistet seinen Beitrag bewundernswert, auch wenn Hadley Fraser für das Funktionieren seiner Rolle nicht ganz so dümmlich wirken müsste und Vera Chok sich entspannen und Miss Fishlock sein sollte, statt so viel zu „spielen“. Fein abgestimmte Leistungen kommen von Jessie Buckley, Jack Colgrave Hirst und Michael Rouse, der in den musikalischen Zwischenspielen, die das Music-Hall-Flair des Abends mitprägen, das Klavier wunderbar spielt.

Orams Ausstattung ist hier perfekt: stilvoll trist, um die Mühen einer Tourneetruppe mühelos abzubilden, zugleich aber auch schrullig und voller Freude. Neil Austins Licht ist exquisit – und auch komisch, in den Passagen, in denen das Star-Paar versucht, die richtige Helligkeitsstufe für sein Alter zu finden.

Diese Produktion belebt Harlequinade regelrecht neu und etabliert es als ein scharfes, kluges Stück komischer Freude – voller Theater-Insiderwitze und sogar mit einem Augenzwinkern in Richtung einer gilbertianischen Plot-Lösung bei der Frage, wie man einer Haft wegen Bigamie entgehen könnte.

Ein herrlicher Theaterabend.

All On Her Own und Harlequinade laufen am Garrick Theatre bis zum 13. Januar 2016 Mehr über die Kenneth-Branagh-Spielzeit am Garrick Theatre erfahren