KRITIK: Und dann gab es keines mehr, UK-Tournee ✭✭✭✭

Und dann gab’s keines mehr

Churchill Theatre, Bromley – auf UK-Tournee

25. März 2015

4 Sterne

Man muss wirklich anerkennen, dass Agatha Christie eine Frau war, die das Plotten beherrschte. Sie war die Meisterin der sorgfältig platzierten Spur, der beiläufigen Bemerkung, die sich am Ende als von größter Bedeutung erweist, der falschen Fährte, der noch viel falscheren falschen Fährte (bei der sich die falsche Fährte als doppelter Bluff entpuppt), der unerwarteten Wendung, des Taschenspielertricks, des plötzlichen mörderischen Twists. Ihre Romane strotzen vor Täuschung und Enthüllung – auch weil Christie, sobald sie die Lesenden in ihre todesgetränkte, thrillergeladene Welt gelockt hat, sich darauf verlassen kann, dass deren Fantasie die schattigen Ecken ausmalt und die anhaltende Freude an der Spannung weiterträgt.

Im Theater ist es allerdings viel schwerer, Christies Stoff so geheimnisvoll wirken zu lassen wie auf der Seite. Das Publikum sieht, wie sich das Geschehen entfaltet – und damit liegt der Schwerpunkt stärker darauf, wie die Geschichte erzählt wird: in Wort und Tat. Unweigerlich sind Christie-Stücke wortlastige Angelegenheiten, angesiedelt in vergangenen Zeiten, in denen Sprache, Geschmack, Anstoß und das Verständnis von Anständigkeit ganz andere waren als heute. Es mag gelegentlich einen cleveren Lichteffekt oder eine Bühnenkonstruktion geben, um einen bestimmten Effekt zu erzielen oder einen Schreckensaufstöhner zu provozieren – aber im Großen und Ganzen funktionieren Christies Stücke aus zwei Gründen: völlige Überzeugungskraft eines versierten Ensembles und ein Text, der Christies labyrinthartigem Plot das volle Gewicht gibt.

Aktuell auf UK-Tournee ist Bill Kenwrights Agatha Christie Theatre Company mit Und dann gab’s keines mehr, inszeniert von Joe Harmston, der in den letzten zehn Jahren alle Christie-Produktionen der Company auf Tour betreut hat. Diese Erfahrung ist hier deutlich spürbar. Es gibt keinen lahmen Versuch, das Stück zu „modernisieren“ oder es gegen seine eigene Raffinesse zu verbiegen. Nein: Harmston nähert sich der Inszenierung mit Respekt und großer Sorgfalt. Simon Scullion liefert ein hervorragendes Art-déco-Bühnenbild – inklusive eines runden Fensters, das wirklich beeindruckt. Die Handlung spielt 1939, und dieses Zeitgefühl ist in Kostümen und Mobiliar sehr klar zu erkennen. Das ist ganz eindeutig ein Period Piece. Es hat nicht den Glanz von „Downton Abbey“, bewegt sich aber im selben Milieu: Dienstboten und Lakai*innen, Menschen aus der Mittelschicht und das Establishment – Richter, Ärzte, Butler und Sekretärinnen –, allesamt auf eine Insel zu einer Hausparty gelockt und im Gerangel um Aufmerksamkeit, Respekt und Raum aneinandergeraten.

Matthew Buggs Sounddesign setzt die Szene sehr gelungen. Noch bevor sich der Vorhang das erste Mal hebt, verstärkt das Geräusch von an ein Ufer schlagenden Wellen die Vorstellung, dass die Handlung auf einer Insel spielt. Von Anfang an ist klar: Die Figuren werden durch das Meer isoliert sein. Später liefert Bugg ausgezeichnete Effekte für einen heftig tobenden Sturm, und für das Finale hallen passend unheilvolle Klänge über die Bühne, die die Spannung genau um die richtige Stufe anziehen.

Es war faszinierend, in den Pausen und Szenenwechseln die lebhaften Diskussionen im Zuschauerraum über die Identität des/der Mörder(s) zu hören (ohne etwas zu verraten, versteht sich) – und als die letzte Enthüllung kam, ging bei vielen hörbar ein Aufatmen beziehungsweise ein erschrockenes Einziehen der Luft durch den Saal. Es ist ausgesprochen selten – und ein Zeichen für den Erfolg der Produktion –, ein solches Maß an echter Beteiligung zwischen Bühne und Publikum zu erleben. Nicht nur das Finale sorgte für Schocks: Mehrere Ereignisse unterwegs entlockten hörbare Zeichen von Überraschung oder Alarm – oder dieses nervöse Lachen, das entsteht, wenn man sich unwohl fühlt.

Weil die Handlung auf ein einziges Bühnenbild beschränkt ist, passieren einige zentrale Ereignisse offstage. Zweifellos wäre es besser gewesen, wenn ein cleveres Design die Bühne etwas „aufgeklappt“ hätte, sodass zumindest ein Teil davon – wenn auch nur angedeutet oder im Schatten – sichtbar geworden wäre. Dennoch ist es ein Kompliment an die Aufrichtigkeit der Darstellungen, dass die Offstage-Momente das Dramengefühl nicht dämpften und keineswegs das Gefühl aufkam, um etwas betrogen worden zu sein.

Da es sich um einen Whodunnit handelt, dürfen die Bohnen nicht verschüttet werden. Sagen wir nur so: Zehn Fremde stranden in einem herrschaftlichen Haus auf einer Insel, durch stürmische See vom Festland abgeschnitten, und schon bald sind ihre Leben in Gefahr. Jemand hat vor, sie nacheinander zu töten – aber wer, warum und wie? Selbst wenn Sie das Buch noch kennen, aus dem Christie dieses Stück selbst adaptierte – zeitweise unter den (heute problematischen) Titeln „Ten Little Niggers“ oder „Ten Little Indians“ (je nachdem, wann man es gelesen hat) –, gibt es immer noch Überraschungen und die eine oder andere Textänderung, die die Aufmerksamkeit wach hält und die kleinen grauen Zellen in Gang bringt.

Der größte Schwachpunkt von Harmstons Produktion liegt in seinem Umgang mit dem notwendigen, aber handlungsarmen ersten Akt. Hier führt Christie Zeit, Ort und Figuren ein – entsprechend gibt es viel Exposition. Das ist sperrig und bräuchte eine bessere Regie-Lösung, als Harmston anbietet: Statisches Stehen/Sitzen und Reden kann interessant sein, aber es fesselt nicht genug. Bemerkenswert ist allerdings, dass Christies Alchemie dennoch wirkt: Sobald die erste Leiche abkühlt, steigt der beinahe fiebrige Wunsch, das Rätsel zu lösen. Ab da läuft die Zündschnur der Zeitbombe zügig – und unaufhaltsam.

Den Löwenanteil der Arbeit tragen die Schauspieler*innen – und hier hat Harmston größtenteils ins Schwarze getroffen.

Ben Nealon, ein Veteran aus acht Christie-Stücken, ist großartig als der gut aussehende, möglicherweise leicht/völlig aus der Spur geratene Captain Lombard. Das ist eine klassische Christie-Figur: der charmante Lebemann mit dubioser Vergangenheit, einem flotten Spruch für die Damen – und einem Revolver. Nealon trifft den Ton exakt; Akzent und Vortrag sitzen, und sein Gefühl für totale Investition in Figur und Situation ist makellos austariert. Sein willkommenes Temperament ist der Puls des Abends.

Gravitas kommt von Paul Nicholas’ distanzierter, aber messerscharfer Darstellung des Sir Lawrence Wargrave, eines Richters, dem Todesurteile vertraut sind. Nicholas bringt eine geradezu forensische Souveränität in seine Sätze und trifft präzise das Anspruchsdenken des Richters – und die Annahme, sein großer juristischer Verstand sei der Aufgabe gewachsen, das Rätsel zu lösen und die Paranoia abzuwehren, die sich unter den wartenden Opfern tief festsetzt. Maßvoll und raubvogelhaft: Nicholas ist erstklassig.

Bei Agatha Christie gibt es ein ganzes Buffet exzentrischer Figuren, die ablenken und fesseln. Susan Penhaligon ist als Emily Brent angemessen verschroben und geschniegelt-streng: eine hochmütige Frau mit Blick und Ohr für Skandale und einer Zunge, die keine Scheu hat zuzuschlagen. Streng, aber auch zerbrechlich und tragisch, macht Penhaligon aus Brent weit mehr als den Archetyp, der sie in weniger sicheren Händen so leicht sein könnte. Frazer Hines als der frisch engagierte Butler Rogers macht das Beste aus einer begrenzten Figur. Er füllt die Rolle jedoch mit einer Ambivalenz, die für das wachsende Rätsel hervorragend funktioniert. Seine stärkste Szene kommt, wenn ihn einer der Morde in einen Automatenzustand versetzt – das Leben ist fast vollständig aus ihm gewichen.

Kein Krimi scheint vollständig ohne Colonel Mustard, Professor Plum und Miss Scarlett – und im Verlauf des Stücks beginnt man sich zu fragen, ob jene berühmten Brettspiel-Figuren hier ihre Inspiration fanden: mit General Mackenzie, Doctor Armstrong und Vera Claythorne. Allesamt typische Figuren, gewürzt und gepfeffert durch Christies Veredelungen. Als Mackenzie ist Eric Carte ein Triumph aus brummigem Poltern, Erinnerungen an seine verstorbene Frau und intermittierender Klarheit. Carte poliert den Part des Generals fein heraus, und der Moment, in dem er als Erster das düstere Schicksal ausspricht, das sie alle erwartet, ist eiskalt.

Mark Curry hat die schwierigste Aufgabe: den umgänglichen Doktor mit einem beunruhigend ausgeprägten Nervenflattern und einer dunklen Alkohol-Vorgeschichte. Er ist die naheliegendste Wahl als Mörder par excellence, und Curry findet kluge Wege, das zu unterstreichen – und zugleich die reale Möglichkeit offenzuhalten, dass er schlicht ein verängstigtes Opfer ist, zufällig ein Arzt, zufällig in der besten Position, tödliche „Behandlungen“ zu verabreichen. Das ist richtig gute Arbeit.

Verity Rushmore ist als Vera uneinheitlich – Femme fatale oder verängstigte Unschuld, je nachdem, was man zu erkennen glaubt. Vom Kostümbildner Roberto Surace bekommt sie jedenfalls das beste Angebot: Ihr rückenfreies Abendkleid ist eine falsche Fährte ganz für sich. Aber in den Passagen, in denen Vera extreme Emotion ausdrücken muss, ist Rushmore nicht überzeugend. Abgesehen von ihrer Schluss-Szene könnte das eine absichtliche (und, falls ja, verblüffend clevere) Strategie gewesen sein, um das Publikum im Ungewissen zu halten. Am besten ist sie in ihren Szenen mit Nealon und Nicholas.

Es ist schwer, sich eine Agatha-Christie-Geschichte ohne irgendeinen Polizisten vorzustellen – und diese bildet keine Ausnahme. Vielleicht. Colin Buchanan spielt William Blore, der behauptet, Polizist zu sein. Geheimniskrämerisch, forsch und direkt: Buchanans Blore ist völlig glaubhaft und balanciert – wie Hines und Penhaligon – die Ambivalenz hervorragend aus. Sein Vortrag hat eine markante Schärfe, und er schafft es gekonnt, einen der seltsamsten Inszenierungsmomente besser funktionieren zu lassen, als er eigentlich dürfte. (Sie werden es wissen, wenn Sie es sehen.)

Hier wird nichts neu erfunden, und es gibt nichts, was auf eine Re-Imagining des klassischen Stück- oder Thriller-Genres hindeutet. Stattdessen ist das eine gut austarierte, „genau wie angekündigt“-Aufführung eines eleganten, komplexen, altmodischen Thrillers. In diesem Jahrhundert ist das Grund genug zum Feiern. Ein Stück „wie früher“ – in einer Welt der Whodunnits.

Echt überraschend und fesselnd.

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