REZENSION: Tag des Hundes, Etcetera Theatre ✭✭✭✭

Day of The Dog

Etcetera Theatre, Camden

18.08.15

4 Sterne

Darstellungen von psychischen Erkrankungen und Depression in Literatur und auf der Bühne bringen eine Reihe von grundlegenden Entscheidungen mit sich. Wird das Stück die Erzählung aus der Perspektive der Betroffenen bewohnen – oder aus jener der Menschen, die zum sozialen Halbschatten dieser Person gehören? Je nach dieser anfänglichen Weichenstellung eröffnen sich unterschiedliche Möglichkeiten. Liegt der Blickwinkel beim „Opfer“, bietet sich eine Art Täuschungsmanöver an: Wir beginnen, „Realität“ durch die Augen von jemandem wahrzunehmen, der einen ganz anderen Zugang zur Welt hat – und erkennen dann, dass es sich um eine Projektion handelt, die Außenstehende nicht teilen. Das kann verstörend wirken oder – positiver gedacht – die Möglichkeit eröffnen, dass eine psychische Erkrankung unter bestimmten Umständen einen einzigartigen, verfeinernden Blick auf den Alltag ermöglichen kann: nicht zwingend negativ, sondern parallel zur „Realität“. Wählt man dagegen den zweiten Weg und verweilt bei der Außenperspektive von Familie, Freund*innen und medizinischem Fachpersonal, rückt ein Chor aus Ratlosigkeit, Frustration, Schmerz sowie Versuchen verständnisvoller Anteilnahme und heilender Intervention in den Mittelpunkt – von denen, die von außen hineinschauen.

Die große Leistung von Day of the Dog besteht darin, diese beiden Ansätze gleichzeitig zu verbinden – zu einer mitleidvollen, berührenden, aber gelegentlich auch komischen Betrachtung dessen, was in einer Familie geschieht, wenn ein Mitglied sich schlicht aus den Abläufen des gewöhnlichen Lebens ausklinkt. Das Stück wurde von drei Darsteller*innen im Rahmen des Camden Fringe Festivals gemeinsam entwickelt, geschrieben und gespielt. Es bietet eine zugängliche, nicht belehrende und anregende Annäherung an ein forderndes, schwieriges Thema, wird dessen Komplexität gerecht und findet dabei viel Raum für Humor sowie fein austarierte Beobachtungen glaubhaft dramatisierter Familiendynamiken. Das Ergebnis ist stellenweise zugleich beunruhigend und bewegend. Es ist ein konzentriertes, kurzes Stück (derzeit etwas über eine halbe Stunde), das von weiterer Entwicklung und Ausweitung profitieren würde; doch in den kleinen, intimen Raum des Etcetera Theatre (über dem Oxford Arms) passt es ausgezeichnet. Hoch über dem brodelnden Mittagsbetrieb der Camden High Street bekamen wir viel, das sich in Ruhe aufnehmen und nachklingen ließ.

Das Bühnenbild ist sehr schlicht… dominiert wird es von einem zerwühlten Bett, auf das Tracey Emin stolz wäre, bedeckt mit dem Gerümpel von jemandem, der sich seit längerem nicht mehr bewegt hat: Telefon, Laptop, angefangene Mahlzeiten, weggeworfene Kleidung; und hinten auf der Bühne steht ein Tisch mit weiterem häuslichem Kleinkram. Zu Beginn liegt Polly Weston (Jeannie Dickinson) im Bett – ihr Leben ist zum Stillstand gekommen. Trotz früherer äußerer Selbstsicherheit, guter Leistungen in der Schule, verschiedener Freundschaften und eines Freundes hat sie plötzlich jedes Selbstvertrauen und jeden Glauben an sich selbst verloren. Sie kann nicht schlafen, fühlt sich vom eigenen Körper entfremdet und ist nicht mehr in der Lage, Schulaufgaben und andere kleine Erledigungen zu bewältigen, die sie früher mühelos geschafft hätte. Im Kern spürt sie Angst und Panik angesichts dessen, was mit ihr passiert.

Die erste Sequenz des Stücks dreht sich um die Versuche ihrer Mutter, sie für die Schule aus dem Bett zu bekommen – und, als das scheitert, überhaupt zu verstehen, was vor sich geht. Karen (Gina Radford) ist eine gestresste alleinerziehende Mutter, die Arbeit, Haushalt und die Erziehung zweier Teenager unter einen Hut bringen muss, während sie zugleich versucht, ihren Freundeskreis und ein Sozialleben aufrechtzuerhalten. Komplettiert wird die Familie durch die jüngere Schwester Harriet (Francesca Burgoyne), die zwischen Groll und Empathie gegenüber ihrer Schwester schwankt – mit einer ganz eigenen jugendlichen Perspektive auf das, was um sie herum geschieht.

In gewisser Weise passiert nichts. Es gibt keine Handlung im klassischen Sinn, vielmehr eine Abfolge schmerzhafter Gespräche, Streitigkeiten und Proteste über mehrere Tage hinweg, die den aufgewühlten Kampf erkundet, Sinn, Verständnis und eine Lösung zu finden – angesichts der windstillen, gelähmten Erstarrung, die Depression sein kann. Was man aus dem Stück mitnehmen kann, ist ein klares Gefühl dafür, dass indirekte, vorsichtige Annäherungen meist für beide Seiten hilfreicher sind als traditionelle Appelle an rationale Ursachenforschung und „Heilung“.

Karens verzweifeltes Ringen um eine eindeutige Erklärung prallt auf die Tatsache, dass psychische Erkrankungen manchmal keinen konkreten äußeren Auslöser oder Anlass haben. Ist es Pollys abwesender Vater? Ist es ihr Freund, den sie gerade zurückgewiesen hat? Ist es etwas in der Schule? Karen versucht, sich von außen mit den naheliegenden, oberflächlichen Kriterien „hineinzuboxen“ – und wird dabei zunehmend wütend und aggressiv. Harriet kommt aus einer unschuldigeren, naiveren Perspektive deutlich besser zurecht, indem sie ihrer Schwester einfach Brettspiele vorschlägt oder anbietet, für eine Übernachtung ihr Zimmer zu teilen. Eine Zeitlang ermöglichen diese Gesten empathischer Präsenz Polly, auf ungefährliche Weise aus ihrem Schneckenhaus hervorzukommen. Zwischen den beiden Schwestern herrscht eine neckische Vertrautheit, aus der echter, warmer Humor entsteht. Eine Genesung gibt es hier nicht – nur die Erkenntnis, dass es bessere Strategien zum Umgang gibt als andere.

Der Aspekt, der im aktuellen Text am deutlichsten zu fehlen scheint, ist die Analyse und Intervention externer Fachleute. Zwar würde die Einführung medizinischer oder professioneller Expertise in Form einer vierten Person die Intimität und Intensität des Familienkreises aufbrechen, dennoch ließe sich das Thema über eine Diskussion von Ratschlägen oder Einschätzungen einbringen. In der jetzigen Form ist es dramaturgisch wenig plausibel, dass Karen keine ärztliche oder andere professionelle Unterstützung hinzugezogen hätte. Außerdem würde es – als Gegenstand einer familiären Debatte – einen weiteren Zugang eröffnen, ohne dass man sich traditionellen Vorstellungen von der diagnostischen Deutungshoheit der Medizin unterwerfen müsste.

Den Darsteller*innen gelingt es, in sehr kurzer Zeit eine große dynamische Bandbreite abzudecken. Radford wechselt überzeugend zwischen Empathie und Wut sowie Frustration über ihre Tochter. Zugleich gewinnt sie die Anteilnahme des Publikums mit ihrem Porträt einer Mutter am Limit, die von Tag zu Tag gerade noch alle Bälle in der Luft hält. Burgoyne liefert eine bemerkenswerte Darstellung eines jungen Mädchens und findet in Körpersprache und Textbehandlung eine Mischung aus Ungeschicktheit und unschuldiger, energiegeladener Begeisterung, die sehr einnehmend ist. Dickinsons Rolle ist die anspruchsvollste – nicht zuletzt, weil ihr Spiel einen Zustand verkörpern muss, der schwer greifbar und dem Verstehen widerständig ist, ihn uns aber dennoch so zeigt, dass wir seine Symptome sehen und uns imaginativ darauf einlassen können. Sie zeigt zugleich den inneren Schrecken einer Intelligenz, die weiß, dass sie es mit etwas zu tun hat, das sie nicht verarbeiten kann, und die frustrierten Gefühle einer Person, die anderen nicht erklären kann, warum sie nicht mehr funktioniert – und die all ihre gut gemeinten Interventionen als unhilfreich und irritierend erlebt.

Diese Gespräche und Charakterzeichnungen besitzen eine offene, integre Haltung, die äußerst beeindruckend ist – und die ein größeres Publikum in einem größeren (aber nicht allzu viel größeren) Aufführungsraum verdient.