RESEÑA: Día del Perro, Teatro Etcetera ✭✭✭✭

Day of The Dog

Etcetera Theatre, Camden

18/08/15

4 estrellas

Las representaciones de la enfermedad mental y la depresión en la literatura y sobre el escenario implican una serie de decisiones previas. ¿Habitará la obra el relato desde la perspectiva de quien lo padece o desde la de quienes forman parte de la penumbra social de esa persona? Según esa elección inicial, se abren distintas opciones. Si el punto de vista es el de la víctima, puede emplearse una estrategia de “anzuelo y cambio”: empezamos a percibir la ‘realidad’ a través de los ojos de alguien con una forma muy distinta de entender el mundo y, después, llegamos a darnos cuenta de que se trata de una proyección que no comparten los observadores externos. Esto puede utilizarse con un efecto desestabilizador o —de manera más positiva— para plantear la posibilidad de que la enfermedad mental, en determinadas circunstancias, ofrezca un enfoque singular que enriquezca o matice la vida cotidiana, no necesariamente negativo, sino paralelo, de la ‘realidad’. Si tomamos la segunda vía disponible y nos detenemos en la mirada externa de familiares, amistades y profesionales de la salud, el foco se posa entonces en el coro de desconcierto, frustración, dolor y en los intentos de comprensión empática e intervención curativa por parte de quienes observan desde fuera.

El gran logro de Day of the Dog es combinar estos dos enfoques a la vez, en una reflexión compasiva, conmovedora y, por momentos, divertida sobre lo que ocurre en una familia cuando uno de sus miembros se desconecta por completo de los procesos de la vida cotidiana. La pieza ha sido creada, escrita e interpretada conjuntamente por tres actores como parte del Camden Fringe Festival. Ofrece un acercamiento no prescriptivo, accesible y sugerente a un tema exigente y difícil: hace plena justicia a sus complejidades, al tiempo que encuentra amplio espacio para el humor y para una observación finamente calibrada de unas dinámicas familiares dramatizadas con verosimilitud. El resultado es, por momentos, inquietante y emotivo. Es una pieza concentrada y breve (actualmente dura algo más de media hora) que se beneficiaría de un mayor desarrollo y expansión; pero encaja muy bien en el espacio pequeño e íntimo del Etcetera Theatre (encima del Oxford Arms). Suspendidos sobre el bullicio hirviente del mediodía en Camden High Street, se nos ofreció mucho que asimilar y sobre lo que reflexionar con calma.

La disposición es muy sencilla… el escenario está dominado por una cama arrugada de la que Tracey Emin estaría orgullosa, cubierta por los restos de alguien que lleva un tiempo sin moverse… teléfono, portátil, comidas a medias, ropa tirada; y al fondo hay una mesa con más enseres domésticos. Cuando empezamos, Polly Weston (Jeannie Dickinson) está tumbada en la cama, y su vida se ha detenido. Pese a una anterior confianza externa, el éxito en el colegio, un grupo variado de amistades y un novio, de pronto ha perdido toda seguridad y fe en sí misma. No puede dormir, se siente alienada de su propio cuerpo y es incapaz de completar tareas escolares y otras pequeñas cosas que antes habría hecho sin esfuerzo. En el fondo, siente miedo y pánico ante lo que le está ocurriendo.

La primera secuencia de la obra se centra en los intentos de su madre por levantarla para ir al colegio y, cuando eso falla, en tratar simplemente de entender qué está pasando. Karen (Gina Radford) es una madre soltera desbordada, que compagina el trabajo, llevar una casa y criar a dos adolescentes mientras intenta mantener también su propio círculo de amistades y una vida social. La familia la completa la hermana pequeña, Harriet (Francesca Burgoyne), que alterna entre el resentimiento y la empatía hacia su hermana, con la perspectiva —muy distinta— de una joven sobre lo que está sucediendo a su alrededor.

En cierto sentido, no ocurre nada. No hay una trama como tal, sino una sucesión de conversaciones angustiosas, discusiones y protestas desplegadas a lo largo de varios días, que exploran la tensa lucha por encontrar sentido, comprensión y algún tipo de resolución frente al estancamiento inmóvil y paralizante que es la depresión. Lo que nos llevamos de la obra es una sensación clara de que los enfoques indirectos, oblicuos, suelen aportar más beneficio mutuo que los llamamientos tradicionales a la causalidad racional y a la cura.

La desesperada búsqueda de Karen de una explicación nítida choca con el hecho de que la enfermedad mental a veces puede no tener un desencadenante o causa externa específica. ¿Es el padre ausente de Polly? ¿Es su novio, al que acaba de rechazar? ¿Es algo del colegio? Karen intenta abrirse paso desde fuera aplicando los criterios superficiales más obvios y, en el proceso, se va volviendo airada y agresiva. Harriet sale mucho mejor parada desde una mirada más inocente y naïf, simplemente ofreciéndose a jugar a juegos de mesa con su hermana o compartiendo su habitación para una noche de pijamada. Durante un tiempo, esos gestos de presencia empática permiten que Polly salga de su caparazón de una forma no amenazante. Las dos hermanas comparten una familiaridad burlona de la que brota un buen humor genuino. No hay recuperación aquí, solo el reconocimiento de que hay estrategias para sobrellevarlo mejores que otras.

El único aspecto que de verdad parece faltar en el texto actual es el análisis y la intervención de especialistas externos. Si bien la introducción de un cuarto personaje con experiencia médica o profesional rompería la intimidad y la intensidad del círculo familiar, el tema podría explorarse igualmente a través de una conversación sobre consejos o análisis recibidos. Tal como están las cosas, resulta dramáticamente poco verosímil que Karen no haya recurrido a apoyo médico u otro tipo de ayuda profesional. Además, incorporarlo ahora como asunto de debate familiar aportaría otro ángulo de aproximación sin exigir deferencia a las nociones tradicionales de supremacía diagnóstica médica.

Los intérpretes consiguen abarcar un amplio rango dinámico en muy poco tiempo. Radford se mueve con eficacia entre la empatía y la ira y la frustración hacia su hija. También se gana la empatía del público al encarnar a una madre al límite, sometida a un estrés constante, apenas logrando mantener todo en el aire día tras día. Burgoyne ofrece una notable personificación de una chica joven, combinando torpeza y un entusiasmo inocente y enérgico en su lenguaje corporal y en el manejo del texto, algo realmente encantador. El papel de Dickinson es el más exigente, entre otras cosas porque su interpretación debe encarnar una condición impalpable y resistente a la comprensión, y a la vez mostrárnosla de un modo que nos permita verla y conectar imaginativamente con sus síntomas. Nos enseña simultáneamente el terror interior de una inteligencia que sabe que se enfrenta a algo que no puede procesar, y la emoción frustrada de alguien que no puede explicar a los demás por qué se ha vuelto incapaz de funcionar y que encuentra inútiles e irritantes todas sus intervenciones, por bienintencionadas que sean.

Estas conversaciones y caracterizaciones poseen una integridad de mente abierta verdaderamente impresionante, y merecen un público más amplio en un espacio de representación mayor (pero no demasiado mayor).