CRÍTICA: Dia do Cão, Teatro Etcetera ✭✭✭✭

Day of The Dog

Etcetera Theatre, Camden

18/08/15

4 Estrelas

As representações da doença mental e da depressão na literatura e em palco implicam uma série de escolhas iniciais. A peça vai habitar a narrativa a partir da perspetiva de quem sofre, ou daquelas pessoas que fazem parte da penumbra social dessa pessoa? Consoante essa primeira escolha, abrem-se caminhos diferentes. Se o ponto de vista for o da vítima, fica disponível uma estratégia de engodo e inversão: começamos por percecionar a “realidade” através dos olhos de alguém com uma leitura muito distinta do mundo — e, mais tarde, apercebemo-nos de que se trata de uma projeção que não é partilhada por observadores externos. Isto pode ser usado com um efeito de deslocação ou — de forma mais positiva — para sugerir que, em certas circunstâncias, a doença mental pode oferecer um reforço singular, ou um ângulo mais matizado, sobre a vida quotidiana que não é necessariamente negativo, mas paralelo à “realidade”. Se seguirmos a segunda via disponível e nos detivermos na perspetiva externa de família, amigos e profissionais de saúde, o foco assenta então no coro de perplexidade, frustração, dor e tentativas de compreensão empática e de intervenção terapêutica por parte de quem observa de fora.

O grande feito de Day of the Dog é conjugar estas duas abordagens simultaneamente, numa reflexão comovente e pungente — embora por vezes engraçada — sobre o que acontece numa família quando um dos seus membros simplesmente se desliga dos mecanismos da vida comum. A peça foi criada, escrita e interpretada em conjunto por três atores, no âmbito do Camden Fringe Festival. Oferece um retrato acessível, não prescritivo e estimulante de um tema exigente e difícil, fazendo plena justiça às suas complexidades, ao mesmo tempo que encontra amplo espaço para o humor e para uma observação finamente calibrada de dinâmicas familiares credíveis e teatralmente bem construídas. O resultado é, por momentos, simultaneamente inquietante e tocante. Trata-se de uma peça curta e concentrada (neste momento com pouco mais de meia hora) que beneficiaria de desenvolvimento e expansão; mas encaixa muito bem no pequeno e íntimo espaço do Etcetera Theatre (por cima do Oxford Arms). Suspensos sobre o borbulhar do movimento de Camden High Street à hora de almoço, foi-nos dado muito para absorver e sobre o qual refletir com calma.

A encenação é muito simples… o cenário é dominado por uma cama desfeita, da qual Tracey Emin se orgulharia, coberta pelos restos de alguém que não se mexe há algum tempo: telemóvel, portátil, refeições inacabadas, roupa largada; e, ao fundo do palco, há uma mesa com mais parafernália doméstica. Deitada na cama quando começamos está Polly Weston (Jeannie Dickinson), cuja vida parou. Apesar de uma anterior confiança exterior, sucesso na escola, vários amigos e um namorado, de repente perdeu toda a autoconfiança e a crença em si própria. Não consegue dormir, sente-se alienada do próprio corpo e é incapaz de concluir trabalhos escolares e outras pequenas tarefas que antes faria sem dificuldade. No fundo, sente medo e pânico perante o que lhe está a acontecer.

A primeira sequência da peça centra-se nas tentativas da mãe de a pôr de pé para ir para a escola e, quando isso falha, simplesmente de perceber o que se passa. Karen (Gina Radford) é uma mãe solteira exausta, a fazer malabarismos entre o trabalho, a gestão da casa e a educação de dois adolescentes, enquanto tenta também manter a sua rede de amigos e uma vida social. A família fica completa com a irmã mais nova, Harriet (Francesca Burgoyne), que oscila entre ressentimento e empatia pela irmã, oferecendo a perspetiva muito distinta de uma jovem sobre o que está a acontecer à sua volta.

De certo modo, nada acontece. Não há enredo propriamente dito; antes, uma sequência de conversas angustiadas, discussões e protestos ao longo de vários dias, que explora a luta tensa para encontrar sentido, compreensão e alguma forma de resolução perante a estagnação calma e paralisante que é a depressão. O que se leva desta peça é a noção clara de que abordagens indiretas e oblíquas tendem a trazer mais benefício mútuo do que os apelos tradicionais à causalidade racional e à “cura”.

A luta desesperada de Karen por uma explicação nítida esbarra no facto de a doença mental poder, por vezes, não ter um gatilho externo específico nem uma causa identificável. Será o pai ausente de Polly? Será o namorado que ela acabou de rejeitar? Será algo na escola? Karen tenta abrir caminho de fora, aplicando critérios superficiais óbvios — e, no processo, torna-se zangada e agressiva. Harriet sai-se muito melhor, a partir de uma perspetiva mais inocente e ingénua, ao simplesmente oferecer-se para jogar jogos de tabuleiro com a irmã ou partilhar o quarto numa “festa do pijama”. Durante algum tempo, estes gestos de presença empática permitem que Polly saia da sua concha de forma não ameaçada. As duas irmãs têm entre si uma familiaridade brincalhona, da qual emerge um humor genuíno. Aqui não há recuperação — apenas o reconhecimento de que há estratégias de lidar melhores do que outras.

O único aspeto que parece realmente faltar no guião atual é a análise e a intervenção de especialistas externos. Embora a introdução de conhecimento médico e profissional sob a forma de uma quarta pessoa quebrasse a intimidade e a intensidade do círculo familiar, o tema poderia ainda assim ser explorado através de uma conversa sobre aconselhamento ou análise fornecidos. É dramaticamente pouco plausível, tal como está, que Karen não tivesse procurado apoio médico ou outro tipo de ajuda profissional. Além disso, introduzi-lo agora como tema de debate em família daria mais um ângulo de abordagem ao assunto, sem exigir deferência às noções tradicionais de supremacia do diagnóstico médico.

Os intérpretes conseguem cobrir uma ampla gama dinâmica num espaço muito curto. Radford transita de forma eficaz entre empatia, zanga e frustração em relação à filha. E conquista também a empatia do público ao retratar uma mãe no limite do stress, quase a conseguir manter tudo no ar dia após dia. Burgoyne faz uma notável composição de uma rapariga jovem, encontrando na linguagem corporal e na forma de dizer o texto uma combinação de desajeitamento e entusiasmo energético inocente que é muito cativante. O papel de Dickinson é o mais exigente, não só porque a sua interpretação tem de corporizar uma condição impalpável e resistente à compreensão, como também porque precisa de a mostrar de maneira a que possamos ver e, pela imaginação, envolver-nos com os seus sintomas. Ela revela simultaneamente o terror interior de uma inteligência que sabe estar a lidar com algo que não consegue processar, e as emoções frustradas de alguém que não consegue explicar aos outros por que motivo se tornou incapaz de funcionar — e que acha as intervenções bem-intencionadas dos outros inúteis e irritantes.

Há uma integridade de mente aberta nestas conversas e caracterizações que é altamente impressionante e que merece um público mais vasto, num espaço de apresentação maior (mas não demasiado maior).