REZENSION: Der Tod nimmt Urlaub, Charing Cross Theatre ✭✭✭✭

Chris Peluso als Tod und Zoe Doano als Grazia Lamberti. Foto: Scott Rylander. Death Takes A Holiday

Charing Cross Theatre

23. Januar 2017

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Maury Yestons grandiose Partitur für diese Show – derzeit eine der besten in London – ist ein Glanzstück, das man bei dieser europäischen Erstaufführung einer seiner außergewöhnlicheren Kreationen nicht verpassen sollte. Angesiedelt im Jahr 1922, vereint sie Klänge vom Broadway damals und heute, Tin Pan Alley, italienische Oper (vom Barock bis zum späten Verismo), modernistische Konzertmusik und sogar üppige Filmscores à la Max Steiner und Konsorten. Eine erstaunliche Mischung. Die 14-köpfige Besetzung macht ihr alle Ehre, und die zehnköpfige Band lässt die ursprünglichen Larry-Hochman-Off-Broadway-Orchestrierungen unter der meisterhaften musikalischen Leitung von MD Dean Austin vollständig wiederaufleben.

In einer atmosphärisch kühlen neoklassizistischen Villa am Ufer des Gardasees – ein exquisit opernhaftes Bühnenbild von Morgan Large – versammelt sich eine reiche, aristokratische Familie, um die Verlobung ihrer Tochter mit dem Sohn befreundeter Nachbarn zu feiern (ja … da denken wir sofort an „I promessi sposi“). Dann tritt, ganz im Geiste von Pirandellos Theater, die nahezu allegorische Figur des Todes in ihre Mitte: Er tarnt sich taktvoll als russischer Prinz Sirki und „macht Urlaub“ von seinen üblichen Aufgaben, Sterblichkeit zu verteilen und Seelen einzusammeln. Und dann – genau wie man es erwartet – verliebt er sich prompt in die Verlobte, es kommt zum Kräftemessen der Willen, und das kann nur ein Ende nehmen.

Zoe Doano (Grazia Lambereti), Scarlett Courtney (Daisy Fenton), Helen Turner (Alice Lamberti). Foto: Scott Rylander

Die Geschichte geht auf den wenig bekannten Dichter und Dramatiker Alberto Casella zurück und ist mit Abstand sein erfolgreichstes Werk: Sie wurde für eine Produktion in den USA ins Englische übersetzt und 1934 von Hollywood aufgegriffen – verfilmt mit Frederic March. Casella schrieb anschließend weitere bemerkenswerte Drehbücher in Italien, doch keines seiner anderen Werke hatte das Nachleben dieses Hits. In den 1970ern wurde es fürs Fernsehen erneut verfilmt (mit gemischten Ergebnissen) und Ende der 1990er dann als äußerst populäres „Meet Joe Black“ mit Brad Pitt neu aufgelegt. In den richtigen Händen scheint an dieser Geschichte etwas Unzerstörbares zu sein.

Yeston begann das Musical kurz nach der Premiere von „Titanic“, mit demselben Librettisten, Peter Stone. Als Stone einige Jahre nach Projektbeginn starb, wurde er durch Thomas Meehan ersetzt. Das Stück lief zunächst in einer begrenzten Off-Broadway-Spielzeit, und erst vor Kurzem – als der Komponist die Partitur für Thom Southerland durchspielte – war der Regisseur so begeistert, dass es keinerlei weiterer Überzeugung bedurfte, das Werk auf die Bühne in Großbritannien zu bringen. Und hier ist es.

Chris Peluso (Tod) und Zoe Doano (Grazia Lamberti). Foto: Scott Rylander

Man kann sich kaum vorstellen, dass es besser behandelt werden könnte. Southerland, Tarento Productions und das hauseigene Produktionsteam des Charing Cross Theatre – nach ihrem riesigen Erfolg mit der Wiederaufnahme von „Titanic“ – sind wohl die bestmögliche Besetzung für diese Aufgabe. Dezent choreografiert von Sam Spencer-Lane, wunderschön ausgestattet von Jonathan Lipman und prachtvoll beleuchtet von Matt Daw, mit Sound von Andrew Johnson, ist das eine beeindruckend geschmackvolle und treffend ausbalancierte Inszenierung.

Auch die Besetzung ist hervorragend. Als Tod spielt Chris Peluso (den man zuletzt vielleicht als Gaylord Ravenal beim Transfer von „Show Boat“ ans New London Theatre gesehen hat) ihn wie einen zum Scheitern verurteilten Matinee-Idol – als wäre er einer der gequälteren Ivor-Novello-Helden –, dazu mit einem feinen lyrischen Tenor, der jeder Anforderung von Yestons Partitur gewachsen ist (und davon gibt es reichlich). Sein Gegenstück, Zoe Doanos Grazia Lamberti, klingt leicht und klar, hat aber in der Höhe ordentlich Durchschlagskraft, wenn sie sie einsetzen darf. Zwischen beiden liegt eine würdevolle romantische Förmlichkeit, die vielleicht an Nelson Eddy und Jeanette MacDonald erinnert.

Gay Soper (Contessa Evangelins di San Danielli) und Anthony Cable (Baron Dario Albione). Foto: Annabel Vere

Ashley Stillburn macht aus der recht undankbaren Rolle des sitzengelassenen Verlobten Corrado Danielli, was möglich ist, doch der Haushalt wird mit Energie und Hingabe von Herzog Vittorio (Mark Inscoe) und seiner herrlich gesungenen Duchess(a) Stephanie (Kathryn Akin) geführt; hinzu kommen die temperamentvolle, moderne Alice Lamberti (Helen Turner) und die amerikanische Besucherin Daisy Fenton (die seelenvolle Scarlett Courtney). Die ältere Generation bilden Contessa Evangelina di San Danielli (glasklar Gay Soper in der „Hermione-Gingold“-Rolle) und ihr Arzt-und-Liebhaber Baron Dario Albione (charmant und angenehm zurückhaltend Anthony Cable). Zum Personal gehören der Chauffeur Lorenzo (druckvoll Matthew McDonald), der Butler Fidele (quicklebendig James Gant: ab dem 13. Februar übernimmt er die Rolle des Todes – Ken Christansen bekommt dann seine), sowie die Hausmädchen Sophia (verführerisch Sophie-May Feek) und Cora (frech Trudi Camilleri). Ein weiterer Gast, der eingeflogen kommt, ist der Fliegerass und alte Freund des verstorbenen Lamberti-Sohnes, Major Eric Fenton (flott Samuel Thomas).

Es ist ein präzise gezeichnetes Figurenensemble, und wenn sie sich an einer Stelle alle hinsetzen und ankündigen, sich die Zeit damit zu vertreiben, einander Geschichten zu erzählen, kann man sich leicht vorstellen, in eine „Decamerone“-Stimmung der Nachkriegszeit abzudriften. Und wenn der Tod – in Gestalt eines russischen Prinzen – beginnt, das Leben aller unter Lambertis Dach zu verwandeln, spürt man sogar die Nähe von Pasolinis „Teorema“. Dann, wenn sein infernalischer Charakter sichtbar wird, gleiten wir sanft in „Der diskrete Charme der Bourgeoisie“ und „Der Würgeengel“. Kosmopolitismus ist hier das Stichwort; für das gebildete, kundige Publikum ist das ein intellektuelles Festmahl. Der zweite Akt beginnt sogar mit einer fünfstimmigen Fuge (sozusagen).

Zoe Doano (Grazia Lamberti) und Chris Peluso (Tod). Foto: Scott Rylander

Ob es als Geschichte für sich genommen das Herz wirklich packt, ist vielleicht eine andere Frage. Die Songs, die die Figuren zu singen haben, sind durchweg entzückend und köstlich geschrieben. Doch die Story, die sie erzählen, zieht – obwohl sie an vielen der gleichen Register wie „Der fliegende Holländer“ zieht – nicht auf die gleiche Weise am Herzen. Es bleibt vor allem ein intellektuelles Erlebnis – ein wunderbares –, eher auf nachdenkliche Reflexion als auf leidenschaftliches Mitfiebern ausgerichtet. Das muss nichts Schlechtes sein: Die Inszenierung wirkt, als würde sie durch Racines Terrain führen, und landet am Ende eher bei Marivaux – ein Stück über Gespräche: urban, zivilisiert, klug. Es „passiert“ nicht wirklich etwas. An dieser Show ist viel von „Smiles of an Alpine Night“, und Sondheim gehört zu den Künstlern, denen Yeston hier seine Referenz erweist. Vielleicht würden wir diesen Menschen wärmer begegnen, wenn man der hohen Komik – besonders in der ersten Hälfte des ersten Akts – freiere Bahn ließe. Aber vielleicht ist das nicht die Absicht. Vielleicht sollen wir sie mit der objektiven Distanz Buñuels betrachten. Oder, ja, Pirandellos.

Gehen Sie hin – und urteilen Sie selbst.

Bis 4. März 2017

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