KRITIK: Jeder seine eigene Wildnis, Orange Tree ✭✭✭✭✭

Rosie Holden und Joel MacCormarck in Each His Own Wilderness. Foto: Richard Hubert Smith Each His Own Wilderness

Orange Tree Theatre

5 Sterne

Zu Lebzeiten gewann Doris Lessing alle schillernden Literaturpreise, darunter den Nobelpreis; und auch seit ihrem Tod 2013 hat ihr Ruf als Romanautorin nichts von seiner Strahlkraft eingebüßt. Dennoch gibt es Bereiche ihres wandlungsfähigen Werks, die nach wie vor zu wenig beachtet werden – insbesondere ihre drei Theaterstücke. Eines dieser frühen Werke hat Paul Miller nun am Orange Tree Theatre in Richmond wieder auf den Spielplan gesetzt. 1958 am Royal Court unter der Regie von John Dexter uraufgeführt, scheint Each His Own Wilderness auf den ersten Blick zur wütenden Protesthaltung der Osborne-Generation gegen die Selbstzufriedenheit des britischen Nachkriegsenglands zu gehören – doch in Wahrheit ist das Stück sehr viel reizvoller, komplexer und anregender. Lessing machte stets eine Tugend daraus, sich jeder Schubladisierung zu entziehen – formal wie inhaltlich: Ihr Schreiben erkundet unermüdlich unterschiedlichste Formen und Genres, konventionelle wie unkonventionelle; und obwohl sie scheinbar die Ziele progressiver Bewegungen – politischer wie feministischer – teilt, weigerte sie sich entschieden, sich vereinnahmen zu lassen. Das war eine ironische, ausgesprochen „schriftstellerische“ Haltung, nicht bloß (oder vor allem) persönliche Rechthaberei. In ihrem bekanntesten Buch, The Golden Notebook, das unmittelbar nach diesem Stück entstand (und erkennbar damit zusammenhängt), schreibt sie: „Kunst ist der Spiegel unserer verratenen Ideale“ – und auf einer Ebene sind sowohl der Roman als auch dieses Stück ausgedehnte Kommentare zu dieser trockenen, wissenden Beobachtung. Nicht nur zeigen die Figuren die menschliche Fähigkeit, widersprüchliche und einander unterminierende Ideale gleichzeitig im Kopf zu tragen; auch unsere Neigung, das Persönliche ins Politische zu verpacken, nährt Zweifel daran, ob sich selbst die edelsten Überzeugungen je ganz von einem gewissen Maß an Selbsttäuschung trennen lassen.

Im Zentrum steht die Beziehung zwischen der mittelalten Witwe und Mutter Myra Bolton und ihrem Sohn Tony, der kürzlich nach dem National Service nach Hause zurückgekehrt ist und nun wieder im geräumigen, aber überfüllten Londoner Haus lebt. Myra ist eine Frau von außergewöhnlicher, aber auch erschöpfender Vielfalt und Vitalität, die sich nacheinander in unterschiedlichste politische Kampagnen stürzt – und zugleich ein hektisches Gefühlsleben mit einer Reihe von „Onkeln“ (wie Tony sie nennt) führt, die ihren Mann ersetzt haben, der vor langer Zeit im Blitz ums Leben kam. Myra fasziniert und bezaubert alle um sie herum; sie umarmt das Leben mit voller Wucht. Doch Lessing nutzt die Mutter-Sohn-Beziehung, um anzudeuten, dass Myra ebenso viel Schaden wie Gutes anrichten kann. Zunächst soll man glauben, ihre Kräfte seien zu großzügig, zu zerstreut und chaotisch, um wirklich wirksam zu sein: Sie wird sogar davon abgehalten, überhaupt zu der Demonstration vor dem Parlament zu gelangen, die die ersten Szenen bestimmt. Ihr Haus ist voller gestrandeter Existenzen, sodass ihr Sohn auf einem Sofa im Flur schlafen muss – und dieses Setting steht symbolisch für Durcheinander, Verdrängung und Unordnung: Die Handlung spielt durchgehend in einem unaufgeräumten, aber sehr schön mit Enkaustikfliesen ausgelegten Hausflur.

Wichtiger noch: Myra richtet ungewollt erheblichen Schaden bei jenen an, die ihr ergeben sind – indem sie deren Empfindlichkeiten im vermeintlichen Dienst der größeren Sache übergeht oder umschifft. In einer sorgfältig herausgearbeiteten Umkehrung der Erwartungen ist es ausgerechnet der Sohn, der nach Stabilität, Ordnung, verlässlichem Verhalten und einem geordneten häuslichen Leben verlangt – und die Mutter, die ihm diese Möglichkeiten fortwährend verwehrt. Der unpolitische, trocken beobachtende, an den Rand gedrängte Tony zeigt den persönlichen, familiären Preis des Aktivismus und sehnt sich danach, in Ruhe seinen eigenen Lebensweg zu finden. Statt von Dingen „tausende Meilen entfernt“ gequält zu werden, möchte er zu Hause würdevoll in „dem armen kleinen Britannien“ leben. Die Konfrontation zwischen Mutter und Sohn vertieft sich – bei bestem Willen auf beiden Seiten – und mündet in ein trostloses, wechselseitig zerstörerisches Ende. Lessings letzte, bitter düstere Pointe scheint zu sein, wie sie es anderswo formulierte: „Für Aufrichtigkeit an sich gibt es nicht viel zu sagen.“

Bei einem Erstlingsstück einer Autorin, die so tief und breit gelesen hat, erwartet man Echoes anderer Dramen – und die gibt es auch. Stellenweise wirkt es, als kanalisiere Myra Judith Bliss aus Hay Fever, und die aufreibenden Wortgefechte zwischen Mutter und Sohn verdanken sich klar auch dem Coward von The Vortex. Tony besitzt zudem einiges von Hamlets Eloquenz, Skepsis, Verspieltheit und Unentschlossenheit. Weitere Verweise und Stereotype lassen sich gewiss finden – aber all das ist nebensächlich, wenn das Stück aus sich heraus überzeugt. Und das tut es zweifellos. Die Dialoge sind fesselnd naturalistisch, witzig, lebendig und berührend und enthalten zugleich kleine, kristallisierte Erkenntnisjuwelen, die ganz unaufdringlich aus dem Gesprächsfluss aufblitzen. Charaktere werden nicht nur zwischen den beiden Hauptfiguren, sondern auch bei einigen Nebenrollen geschickt etabliert. Es gibt starke Möglichkeiten, die hier vor allem Susannah Harker als Myras traurige, weltkluge Freundin Milly Boles nutzt – sie ist sich der Konsequenzen ihres eigenen Handelns in einer Weise bewusst, die Myra fremd bleibt. Ebenso gelingen prägnante Auftritte von Roger Ringrose als Mike Ferris, einem älteren Verehrer Myras, dessen nicht erkannte Hingabe an sie und ihre Anliegen ein weiteres Opfer der „Aufrichtigkeit“ ist, sowie von Rose Holden als Rosemary, einer Naiven in diesem weltläufigen Haushalt, die sich mit Tony solidarisiert. Obwohl sie wenig zu sagen hat, reagiert sie großartig aus dem Spiel heraus auf die anderen Figuren – fast wie ein Chor, der das Geschehen kommentiert.

Doch dieses Stück steht und fällt mit der Qualität des Zusammenspiels zwischen Myra (Clare Holman) und ihrem Sohn (Joel MacCormack). Hier ist das Schauspiel wirklich hervorragend. Holman trifft Myras launische, ansteckend belebende Ausstrahlung ebenso wie die innere Traurigkeit, Unsicherheiten und die Angst vor dem Älterwerden, die ihre rastlose Aktivität antreiben. Ihre gute Absicht und ihr unwiderstehlicher Drang, andere ohne Rücksprache zu organisieren, sind in einer Darstellung wunderbar ausbalanciert, die zudem eine fließende, elegante Beweglichkeit besitzt – und jedes Mal Schwung und Tempo in die Handlung bringt, wenn sie im Zentrum steht. Der Schlüssel zu MacCormacks Spiel liegt hingegen in seiner Ruhe und Gelassenheit: darin, wie er einen ohne Besserwisserei in seine stille häusliche Welt hineinzieht, und in der schönen Sprachmusik, die er seinem Text verleiht.

Ganz ohne Schwächen ist das Stück nicht. Einige Nebenfiguren sind nur sehr skizzenhaft gezeichnet und lassen den Darstellenden wenig Raum zur Entwicklung. Es bleibt nie ganz klar, warum Myra und Philip (John Lightfoot) eine so große Leidenschaft füreinander empfanden, und Sandy Boles (Josh Taylor), Myras Liebesinteresse zu Beginn des Stücks, bleibt ein „glatter kleiner Karrierist“ – seine Beziehung zu seiner eigenen Mutter wird im Stück frustrierend wenig untersucht. Außerdem setzt Lessing die psychologische Nähe des Zweiten Weltkriegs sowie die damaligen Realitäten von H-Bombe, National Service und anderen prägenden 1950er-Jahre-Themen voraus, ohne sie wirklich überzeugend in die Textur des Dramas einzuwirken. Für diese Figuren mag gelten, dass „Politik die gleiche Intensität hat wie Sex“ – aber das spürt man im Schreiben selbst nicht wirklich; und Tonys Auseinandersetzung mit dem Militär verschwindet, sobald er im ersten Szenenwechsel die Uniform auszieht. Wenn das Stück in manchem datiert wirkt, dann nicht in erster Linie, weil die Ideen überholt wären, sondern weil Debatten und Milieu der Zeit eher vorausgesetzt als verankert werden.

Bei jeder Wiederaufnahme zählt letztlich die Frage, ob das Stück aus eigener Kraft wieder lebt oder auf wohlwollende Rechtfertigung angewiesen ist. Ich habe keinen Zweifel: Dieses Stück besitzt eigene Vitalität und Kraft und verdient es, erneut aufzusteigen. Das gelingt ihm vor allem, weil es die zentralen unillusioned Qualitäten, die Lessings Größe als Autorin insgesamt auszeichnen, glänzend zur Geltung bringt: Einerseits wird der Fall für organisierten Aktivismus und ein Leben, das sich einer visionären, altruistischen Verpflichtung verschreibt, eindringlich vorgetragen; andererseits wird er durch eine unnachgiebige Nüchternheit ausbalanciert, die die Motivmischungen und persönlichen Kosten solcher Lebensentscheidungen klar benennt. Ihre unsentimentale Botschaft scheint zu sein: In einer Welt zunehmender Zersplitterung – zwischen Familien, Geschlechtern, Generationen und innerhalb unserer eigenen Persönlichkeiten – gibt es keine einfachen ideologischen Lösungen, nur Kompromisse, die oft unbequem sind; und das Höchste, wonach wir häufig streben können, ist ein gewisses Maß an Selbsterkenntnis über unsere eigenen unendlichen Widersprüche und Selbsttäuschungen….Each his own wilderness.

Das Orange Tree Theatre hat sich eine einzigartige Nische als Heimat neuer Stücke und sorgfältig ausgewählter Wiederentdeckungen lange vernachlässigten Repertoires geschaffen. Diese Produktion ist ein weiteres Ausrufezeichen, das diesen Ruf festigt – und ein weiterer bemerkenswerter Erfolg für Regisseur Paul Miller und sein Kreativteam in ihrer preisgekrönten ersten Spielzeit.

Each His Own Wilderness läuft am Orange Tree Theatre bis zum 16. Mai 2015