CRITIQUE : Chacun sa propre nature sauvage, Orange Tree ✭✭✭✭✭

Rosie Holden et Joel MacCormarck dans Chacun pour soi. Photo : Richard Hubert Smith Chacun pour soi

Théâtre Orange Tree

5 Étoiles

De son vivant, Doris Lessing a remporté tous les prix littéraires prestigieux, y compris le Prix Nobel ; et sa réputation de romancière n'a pas faibli depuis sa mort en 2013. Pourtant, certains aspects de son œuvre protéenne sont encore négligés, notamment ses trois pièces, et c'est l'une de ces premières œuvres qui est maintenant ressuscitée par Paul Miller au Théâtre Orange Tree à Richmond. Initialement jouée au Royal Court en 1958 sous la direction de John Dexter, Chacun pour soi semble au premier abord appartenir à la protestation en colère de la génération Osborne contre les complaisances de la Grande-Bretagne des années 1950, mais la réalité est bien plus intrigante, complexe et stimulante. Lessing a toujours fait une vertu d’éviter toute classification, tant par la forme que par le fond : son écriture explore sans cesse de nombreuses formes et genres, tant conventionnels qu’inconventionnels ; et bien qu'elle semble embrasser les aspirations des causes progressistes, politiques et féministes, elle a résolument refusé d’y être enrôlée. C'était une position ironique et littéraire, pas simplement ou principalement une affaire de malaise personnel. Dans son livre le plus célèbre, Le Carnet d'or, écrit immédiatement après cette pièce (et clairement lié à elle), elle affirme que « L'art est le miroir de nos idéaux trahis » ; et à un certain niveau, ce roman et cette pièce sont des commentaires prolongés sur cette observation ironique et avisée. Non seulement les personnages démontrent la capacité humaine à mener des idéaux contradictoires et confondants simultanément ; mais aussi notre tendance à envelopper le personnel dans le politique suscite le scepticisme quant à la possibilité de séparer les engagements les plus nobles de degrés d'auto-illusion.

La pièce se concentre sur la relation entre une veuve d'âge moyen et mère, Myra Bolton, et son fils Tony, récemment rentré du service national pour vivre dans leur vaste mais bondée maison londonienne. Myra est une femme d'une variété et d'une vitalité exceptionnelles mais épuisantes, engagée dans des campagnes politiques successives de divers types, tout en vivant une vie émotionnelle mouvementée avec une succession d'« oncles » (comme les appelle Tony) qui ont succédé à son mari, tué il y a longtemps pendant le Blitz. Myra est une femme de grande fascination et charme pour tous ceux qui l’entourent, qui embrasse la vie à bras le corps ; mais Lessing utilise sa relation avec son fils pour suggérer qu'elle peut faire autant de mal que de bien. Tout d'abord, on nous conduit à croire que ses énergies sont trop généreuses, trop diffuses et chaotiques pour réussir : elle est retardée même pour se rendre à la manifestation devant Westminster qui est le point focal des premières scènes. Sa maison est pleine d'une foule de laissés-pour-compte et d'errants, si bien que son fils doit dormir sur un canapé dans le hall, et le décor symbolise lui-même ce chaos, ce déplacement et ce désordre par son emplacement dans un hall encombré, mais tout à fait magnifiquement carrelé d'encaustique, tout au long.

Plus important encore, Myra fait beaucoup de mal sans le vouloir à ceux qui lui sont dévoués en ignorant ou en contournant leurs sensibilités pour le prétendu bien de la plus grande cause. Dans un retournement bien développé des attentes, c'est son fils qui est le personnage qui désire stabilité, ordre, cohérence du comportement et une existence domestique établie, et le parent qui nie continuellement ces possibilités. L'apolitique, observateur sec et mis à l'écart Tony montre le coût familial personnel de l'activisme, et aspire à être laissé seul pour créer sa propre façon de vivre. Au lieu d'être « torturé par des choses à des milliers de kilomètres », il veut vivre chez lui dignement dans la « pauvre petite Grande-Bretagne ». La confrontation entre la mère et le fils dans la pièce s'approfondit avec les meilleures intentions des deux côtés et culmine dans une conclusion désolée et mutuellement désolante. Le dernier commentaire sombre de Lessing semble être, comme elle l'a dit ailleurs : « On ne peut pas dire grand-chose de la sincérité en elle-même. »

Dans une première pièce d'un auteur imprégné de lectures profondes et larges, on s'attendrait à des échos d'autres pièces, et il y en a. Par moments, Myra semble canaliser Judith Bliss de Hay Fever, et les échanges tendus entre la mère et le fils doivent clairement quelque chose à Coward de The Vortex. Tony a beaucoup de l'éloquence, du scepticisme, de la malice et de l'indécision d'Hamlet également. D'autres références et stéréotypes peuvent et seront sans aucun doute trouvés, mais rien de tout cela n'a d'importance si la pièce convainc par elle-même. Ce qu’elle fait indubitablement. Le dialogue est d'un naturalisme attrayant, plein d'esprit, vivant et poignant, tout en contenant de petits joyaux d'insight cristallisé qui émergent sans déphasage dans le tissu de la conversation. Le caractère est habilement établi entre les principaux protagonistes et certains des personnages secondaires aussi. Il y a de belles opportunités, bien prises ici avant tout par Susannah Harker en tant qu'amie triste, avisée du monde, de Myra, Milly Boles, pleinement consciente des conséquences de ses propres actions d'une manière inconnue de Myra. De même, il y a de beaux caméos de Roger Ringrose dans le rôle de Mike Ferris, un admirateur plus âgé de Myra, dont le dévouement non reconnu à sa cause et à ses causes est une autre victime de la « sincérité », et Rose Holden dans le rôle de Rosemary, une ingénue dans ce ménage du monde, qui fait cause commune avec Tony. Bien qu'elle ait peu à dire, elle joue magnifiquement sur le discours et en réaction aux autres personnages, presque comme un chœur commentant l'action.

Cependant, cette pièce tient ou tombe sur la qualité de l'interaction entre Myra (Clare Holman) et son fils (Joel MacCormack). Ici, le jeu est vraiment très fin. Holman capture le charme mercuriel et énergisant de Myra et la tristesse intérieure, les insécurités et la peur de vieillir qui motivent son activité frénétique. Sa bonté d'intention et son désir irrésistible d'organiser les autres sans consultation sont très bien équilibrés dans une performance qui a une grâce de mouvement fluide aussi, prêtant élan et flux à l'action chaque fois qu'elle est sur scène. La clé de la performance de MacCormack, en revanche, réside dans son immobilité et son équilibre, la façon dont il vous attire dans son monde domestique calme de manière non puritaine et innocente, et la belle musicalité verbale qu’il apporte à son texte.

La pièce n'est pas sans faiblesses. Certains des personnages mineurs sont très légèrement esquissés et offrent peu de marge de développement aux comédiens. On ne sait jamais trop bien pourquoi Myra et Philip (John Lightfoot) ont eu une telle passion folle l'un pour l'autre, et Sandy Boles (Josh Taylor), l'intérêt amoureux de Myra au début de la pièce, reste un « petit ambitieux brillant », avec sa relation avec sa propre mère frustramment sous-examinée dans la pièce. De plus, Lessing tient pour acquis la proximité psychologique de la Seconde Guerre mondiale et des réalités contemporaines de la bombe H, du service national et d'autres réalités des années 1950 sans les intégrer de manière très plausible dans la texture de la pièce. Pour ces personnages, il peut être le cas que « la politique ait la même intensité que le sexe », mais nous n'en avons pas vraiment le sentiment à travers l'écriture elle-même ; et l'engagement militaire de Tony disparaît dès qu'il enlève son uniforme lors du premier changement de scène. Si cette pièce est datée à certains égards, ce n'est pas principalement parce que les idées ont fait leur temps, mais parce que les débats et le cadre contemporains sont plutôt pris pour acquis au lieu d'être intégrés.

Avec toute reprise, la question qui compte est de savoir si la pièce vit par elle-même à nouveau ou dépend d'un plaidoyer particulier. Je n'ai aucun doute que cette pièce a sa propre vitalité et force et mérite de ressusciter. Elle le fait finalement parce qu'elle offre une belle vitrine pour les principales qualités sincères qui marquent la grandeur globale de Lessing en tant qu'écrivain : d'une part, le cas pour l'activisme organisé et une vie d'engagement envers l'altruisme visionnaire est fait avec force ; mais il est équilibré par une clarté impitoyable sur le mélange des motivations et des coûts personnels impliqués dans de tels choix de vie. Son message peu sentimental semble être que dans un monde de fragmentation croissante – entre les familles, les sexes, les générations et au sein de nos propres personnalités – il n'y a pas de solutions idéologiques simples, seulement des compromis qui sont souvent inconfortables, et que le plus que nous puissions souvent aspirer est une certaine prise de conscience de nos propres contradictions et auto-tromperies sans fin….Chacun pour soi.

Le théâtre Orange Tree s'est établi comme une niche unique pour lui-même en tant que foyer pour les nouvelles écritures et les reprises soigneusement choisies d'un répertoire longtemps négligé. Cette production est un badge distingué ajouté à cette réputation et un autre succès notable pour le metteur en scène Paul Miller et son équipe créative dans leur première saison primée.

Chacun pour soi se joue au théâtre Orange Tree jusqu'au 16 mai 2015