KRITIK: Hamlet, Englisches Repertoire-Theater ✭✭✭

Rachel Waring als Hamlet. Foto: Guy Dovell Hamlet

English Repertory Theatre, Cockpit Theatre, Marylebone

18. Februar

3 Sterne

Wie gut kennen wir Hamlet wirklich? Das ist die grundlegende Frage, die diese durchweg anregende, schlank erzählte Fassung des Stücks stellt, die derzeit im Cockpit Theatre zu sehen ist. Wir glauben vielleicht, das Stück zu kennen – zumindest als unerschöpfliches Füllhorn an Zitaten –, doch das passive, reflektierende Lesen unterscheidet sich deutlich davon, es als Drama zu erleben. Zudem gibt es angesichts der Länge des Stücks in ungekürzter Aufführung (mit 4–5 Stunden durchaus auf Wagner-Opern-Niveau) tatsächlich keine kanonische oder vorhersehbare Aufführungstradition, auf die man sich verlassen könnte.

Jede Regie trifft – ja, muss treffen – eine Vielzahl von Kürzungen und Deutungsentscheidungen, schlicht wegen der faszinierenden, aber auch fehlerhaften Überfülle des Stücks. Jede Interpretation muss partiell und selektiv sein, um inmitten der vielen konkurrierenden Lesarten von Handlung und Motivation der Titelfigur, die im Originaltext angelegt sind, überhaupt Sinn zu ergeben. In mancher Hinsicht ist dies weit mehr ein „Problemstück“ als jene späteren Werke in Shakespeares Schaffensweg, die diesen Namen üblicherweise tragen.

English Repertory Theatre und Regisseur Gavin Davis haben eine Fassung mit nur 100 Minuten Laufzeit (mit Pause) erarbeitet, die gleich zu Beginn festhält: „Es gibt keinen Geist, es gibt keine Zweideutigkeit, nur Rache.“ Eine Gruppe weißer Tische und Stühle, die in jeder Szene neu arrangiert werden und an Peter Brook erinnert, setzt einen abstrakten Ton. Ergänzt wird das durch ein Klassenzimmer-Setting, in dem Hamlet, Ophelia, Rosencrantz (hier mit Guildenstern zusammengelegt) und Laertes von Horatio und Polonius unterrichtet werden – mit Gertrude und Claudius als (scheinbarem) Schulleiter und Ehefrau.

Es gibt keinen Geist, praktisch keine Totengräber-Szene, und die ersten beiden Akte sind so zusammengezogen, dass vieles von Hamlets Verzögerungen und Ausflüchten wegfällt. Hamlet erfährt vom Mord an seinem Vater durch einen Brief statt durch einen nächtlichen Gang über die Zinnen. Übrig bleibt ein Stück der Aktion statt der Reflexion – effektiv eine „Rachetragödie“, angetrieben jedoch von jugendlicher Angst und Groll gegen jede Form von Autorität, weniger von politischen oder strategischen Kalkülen.

Dieser Ansatz bringt echte Gewinne. Der Handlung wohnt ein Fluss und eine Beweglichkeit inne, die sehr willkommen sind – zumal die Möglichkeiten des Cockpit (Arena-Bühne, zahlreiche Ein- und Ausgänge) hier so gut genutzt werden, dass fortwährende Interaktion und rastlose Bewegung entstehen.

Insbesondere die letzten Szenen zielen mit unerbittlichem, ununterbrochenem Fokus auf das finale Todes-Tableau – höchst fesselnd und erfrischend. Ebenso glänzen die Szenen, in denen Autorität konfrontiert und geistreich verspottet wird, und amüsieren im Klassenzimmer-Rahmen ganz unmittelbar.

Das Wett-Punzen von Polonius und Hamlet ist hier tatsächlich komisch statt ermüdend, und wird überzeugend als Rivalität zwischen einem selbstgefälligen Lehrer und einem Star-Schüler präsentiert, die in einen tödlichen Kampf um Kontrolle kippt. Der Kontrast zwischen dem geschmeidigen „House of Cards“-Strippenzieher Claudius und Hamlets roher Abscheu vor Korruption in all ihren Formen wirkt ebenfalls mit echter, bebender Kraft – besonders in den angespannten Momenten des missglückten Beichtversuchs des Königs.

In anderer Hinsicht sind die hier eingeschlagenen Wege jedoch weniger ergiebig und teils sogar verwirrend. Das Fehlen des Geistes schwächt die Wucht von Hamlets Antrieb, und Ophelias ständige Präsenz im Klassenzimmer während Hamlets Intrigen verschiebt die emotionale Dynamik zwischen beiden radikal, weil sie dadurch in weit mehr verwickelt ist und von weit mehr weiß, als Shakespeare es zulässt.

Eine drastische Umformung von Text und Handlung ist natürlich stets erlaubt – solange sie einen klaren Bericht über die emotionalen und psychologischen Geflechte bewahrt, die die Hauptfiguren verbinden. Indem diese Bearbeitung manche Aspekte der Intrige betont und andere ausblendet, bewahrt sie dieses authentische Muster leider nicht immer; wer das Stück zum ersten Mal in dieser Fassung sieht, würde eine Menge verpassen.

Wirklich große Inszenierungen dieses Stücks versuchen nicht, alle psychologischen Blickwinkel des Kommentars in Hamlets proteischem, wimmelndem Geist einzufangen und auszubauen; sie bemühen sich jedoch, großzügig auf alle hinzuweisen, damit die kollektive Vorstellungskraft des Publikums und sein überliefertes Wissen über dieses Stück den Rest der Arbeit leisten und die Lücken füllen können.

Die Stärken dieser Produktion sind daher zugleich ihre Schwächen – beispielhaft in der Klassenzimmer-Fassung der Schlachtung Priams durch den „rauen Pyrrhus“, in gewisser Weise der Höhepunkt der ersten Hälfte. Es ist ein feiner, eleganter und szenisch sehr komischer Einfall, diese Satire auf Rache-Melodram als Schulstunde zur Ilias zu zeigen, die sich herrlich verselbständigt – auf Kosten des Altphilologie-Lehrers Polonius.

Doch das in eine fragmentierte und offen gesagt verunglückte Version von „O, what a rogue and peasant slave am I!“ zu treiben, tut Shakespeares Absichten echte Gewalt an – und verpasst einen der großen Momente des Stücks, in dem verbale Präzision, Innenschau und Zartheit entscheidend sind, ganz gleich, wie man die Dilemmata der Titelfigur liest. Das war nicht der einzige Augenblick, in dem unklar blieb, wann, wie und warum der Übergang von spröder Satire, trockenem Humor und dem Ausklammern von Gefühl zu echter Aufrichtigkeit und offener Überzeugung gelingen sollte.

Diese Fragen ließen sich (ironischerweise) überzeugender lösen, wenn man der Klanglichkeit und Textur der Sprache des Stücks mehr Beachtung schenken würde, die immer wieder von innen heraus die Punkte nahelegt, an denen feine Veränderungen von Tempo, Farbe und Rhythmus nötig sind.

Am erfolgreichsten waren jene Darsteller:innen, die den Vers zu ihrem Vorteil nutzten, statt ihn in ein verallgemeinertes, einheitliches Gefühlskorsett zu zwingen. Polonius (Oliver Hume), Claudius (Jon House) und Gertrude (Helen Bang) durchweg, und Hamlet (Rachel Waring) in den späteren Phasen, leisteten hier Hervorragendes; und man hatte das Gefühl, dass das gesamte Ensemble im Laufe der Spielserie an Sicherheit im Umgang mit dem Text gewinnen wird, sobald es entspannt genug ist, all die Unterstützung zu erkennen, die Shakespeare ihnen bietet.

Diese Vorbehalte gegenüber der Interpretation sollten die insgesamt anhaltend hohe Intensität und Qualität des Ensembles nicht schmälern – es gibt keine ablenkenden schwachen Glieder, dafür viel gewandte, energiegeladene und originelle Arbeit, insbesondere in der Bewegung auf der Bühne. Als Hamlet war Rachel Waring besonders in der zweiten Hälfte sehr wirkungsvoll, in der die körperliche Energie, der wütende Witz und die schwelende Verachtung, die sie zuvor zeigte, sich verwandelten in eine unnachgiebige Verkörperung von „my thoughts be bloody, or be nothing worth.“

Es war ein Fehler, dieser Produktion eine Pause hinzuzufügen – und entsprechend ist in dieser Besprechung ein Stern von der Wertung abgefallen: Wenn man Hamlet als Rachetragödie spielt, dann muss der Thriller durchlaufen und ununterbrochen an Tempo gewinnen.

Dennoch: Für alle mit einer Leidenschaft für neue Zugänge zu Shakespeare ist das ein fesselnder Theaterabend – im besten Sinne kontrovers. Wie immer war die lebhafte Gesprächigkeit an der Bar in der Pause und danach die beste Empfehlung.