レビュー: ハムレット、イングリッシュ・レパートリー・シアター ✭✭✭

ハムレット役のレイチェル・ウェアリング。写真：ガイ・ドヴェル 『ハムレット』

イングリッシュ・レパートリー・シアター、コックピット・シアター（メリルボーン）

2月18日

星3つ

私たちは本当のところ、ハムレットのことをどれほど理解しているのだろう？――現在コックピット・シアターで上演中の、常に刺激的で無駄を削ぎ落としたこの翻案は、まさにその根源的な問いを投げかけてくる。名台詞の尽きない宝庫として「知っているつもり」になっていても、黙読して思索する行為と、舞台劇として体感することとはまったく別物だ。しかも全幕上演となれば4〜5時間はかかり（ワーグナーのオペラ並み）、拠り所となる「これが正統」という上演伝統は実のところ存在しない。

どの演出家も――そして実際、そうせざるを得ないのだが――この魅力的でありながら欠点でもある過剰さゆえに、さまざまなカットと解釈上の選択を行うことになる。原典には、出来事の読み方や主人公の動機づけをめぐる競合する解釈が幾重にも折り重なっているため、どの解釈も意味を成すには部分的で選択的でなければならない。これは、後期作品で慣例的に「問題劇」と呼ばれるもの以上に、ずっと「問題作」だと言っていい。

イングリッシュ・レパートリー・シアターと演出のギャヴィン・デイヴィスは、上演時間わずか100分（休憩込み）の版を編み出し、冒頭で「幽霊はいない、逡巡もない、あるのは復讐だけ」と宣言する。白いテーブルと椅子のまとまりが場面ごとに組み替えられ、ピーター・ブルックを思わせる抽象的なムードを立ち上げる。さらに舞台は教室の設定で、ハムレット、オフィーリア、ローゼンクランツ（ここではギルデンスターンと統合）、レアティーズが、ホレイショーとポローニアスに「指導」され、ガートルードとクローディアスは（どうやら）校長とその妻という位置づけだ。

幽霊は登場せず、墓掘りの場面も事実上なく、前半二幕は圧縮されてハムレットの遅延や逡巡の多くが取り払われている。父の殺害を知るのも城壁の夜更けの散歩ではなく手紙によってだ。残るのは内省ではなく行動のドラマ、いわば「復讐悲劇」だが、それを駆動するのは政治的・戦略的計算ではなく、思春期的な不安と、あらゆる権威への反発である。

このアプローチには確かな収穫がある。アクションには流れと解放感が生まれ、とりわけコックピットの強み（客席に囲まれた舞台、出入り口の多さ）がここまで巧みに生かされ、途切れない関わり合いと落ち着きのない動きが連続して立ち上がるのは歓迎すべきことだ。

なかでも終盤は、死の最終図に向かって容赦なく、しかも中断のない集中で突き進み、とても説得力があり新鮮だ。権威に対峙し、機知で嘲る場面も、教室という枠組みの中で鮮烈に輝き、実際に大いに笑わせる。

ポローニアスとハムレットの言葉遊びの応酬は、ここではうんざりするどころか本当に可笑しい。そしてそれが、尊大な教師とスター生徒のライバル関係として説得力をもって提示され、やがて致命的な支配権争いへと転じていく。『ハウス・オブ・カード』ばりに滑らかな策士としてのクローディアスと、あらゆる腐敗へのハムレットの剥き出しの嫌悪の対比も、震えるような迫真性を伴って伝わってくる。とりわけ王の「告白未遂」の緊迫した瞬間がいい。

ただし別の面では、ここで掘り進められた道筋は実りに乏しく、むしろ混乱を招く。幽霊不在はハムレットの動機の迫力を弱めるし、教室に終始オフィーリアが居合わせることで、彼女が企みに巻き込まれ、シェイクスピアが許している以上に多くを知ってしまう。その結果、二人の感情的な距離感が大きく変質してしまうのだ。

台詞と行動の大胆な再構成は、主要人物たちを結ぶ感情と心理の連関を明晰に保つ限り、もちろん常に許されるだろう。だが本作の翻案は、陰謀のある要素を強調し、別の要素を省略することで、残念ながらその本来の紋様を必ずしも保てていない。初見の観客がこの版で作品に出会えば、多くを取りこぼしてしまうはずだ。

この戯曲の真に偉大な上演は、ハムレットの変幻自在で群れ成すような精神に宿るあらゆる心理的角度を「すべて」捉えて発展させようとはしない。だが同時に、それらを気前よく示唆しようと努める。そうしてこそ、観客の集合的な想像力と、この作品に受け継がれてきた知識が残りの仕事を引き受け、空白を埋めてくれるからだ。

したがって、このプロダクションの長所は同時に弱点でもある。その象徴が、前半のハイライトの一つでもある「ごつごつしたピュロスによるプリアモス殺し」を教室で再現する場面だ。復讐メロドラマの風刺を、ポローニアスという古典教師を犠牲にしながら暴走していく『イリアス』の授業として見立てるのは、見事に洗練され、ドラマとしても可笑しいアイデアである。

しかしそれを、断片的で正直言って支離滅裂な「おお、なんというならず者、卑しい奴隷のような俺だ！」の独白へとなだれ込ませるのは、シェイクスピアの意図に対して手荒すぎる。ここは、主人公の葛藤をどう読むにせよ、言葉の精密さ、内面性、繊細さが不可欠な、戯曲屈指の瞬間の一つなのだから。辛辣な風刺、乾いたユーモア、感情を括弧に入れるような距離感から、真摯さとまっすぐな確信へ――その移行をいつ、どう、なぜ行うのかが曖昧に感じられた瞬間は、ここだけではなかった。

こうした問題は（皮肉にも）戯曲の言語そのものの響きや手触りに、より注意を向けることで、もっと納得のいく形で解決できたはずだ。言葉は繰り返し内側から、微妙なテンポ、色合い、リズムの変化が必要となる地点を示唆しているのだから。

最も成功していた俳優は、韻文を無理に単一の感情のコルセットに押し込めるのではなく、むしろその利点を最大限に生かしていた。ポローニアス（オリヴァー・ヒューム）、クローディアス（ジョン・ハウス）、ガートルード（ヘレン・バング）は終始その点で優れており、ハムレット（レイチェル・ウェアリング）も後半では同様に見事だった。上演が進むにつれ、キャスト全体が肩の力を抜き、シェイクスピアが与えてくれている助けの多さに目を向けられるようになれば、テキストの「目」に沿って演じる自信はいっそう増していくだろう。

こうした解釈上の留保があっても、全体としての高い緊張感とキャストの質の高さを損なうものではない。目立って足を引っ張る人はおらず、巧みでエネルギッシュで独創的な仕事、とりわけ身体表現において光るものが多い。ハムレット役のレイチェル・ウェアリングは後半でとりわけ効果的で、前半で見せた身体的エネルギー、怒りの機知、くすぶる軽蔑が、「わが思い血に染まらねば、無価値に等しい」という容赦ない体現へと変貌していった。

この上演に休憩を入れたのは判断ミスで、そのため本評の星が一つ落ちた。『ハムレット』を復讐悲劇として押し出すなら、スリラーは途中で止めず、勢いを途切れさせずに走り切る必要がある。

とはいえ、シェイクスピアに新しい切り口を求める人にとって、これは議論を呼ぶという最良の意味で、引き込まれる一夜の観劇だ。休憩中や終演後にバーで交わされる会話が活気づく――それが何よりのおすすめである。