ANMELDELSE: Hamlet, English Repertory Theatre ✭✭✭

Rachel Waring som Hamlet. Foto: Guy Dovell Hamlet

English Repertory Theatre, Cockpit Theatre, Marylebone

18. februar

3 stjerner

Hvor godt kjenner vi egentlig Hamlet? Dette er kjernespørsmålet i den konsekvent tankevekkende og strømlinjeformede versjonen av stykket som nå spilles på Cockpit Theatre. Vi tror kanskje vi kjenner stykket, i det minste som en uuttømmelig kilde av sitater, men den passive og reflekterende lesingen av teksten er noe helt annet enn å oppleve den som drama. Dessuten, med tanke på stykkets lengde når det fremføres i sin helhet (på høyde med en Wagner-opera med sine 4–5 timer), finnes det faktisk ingen kanonisk eller forutsigbar spillestil å ty til.

Enhver regissør tar, og må faktisk ta, en rekke kutt og tolkningsvalg rett og slett på grunn av stykkets fascinerende, men også ufullkomne overflod. Hver tolkning må være delvis og selektiv for i det hele tatt å gi mening til de mange motstridende lesningene av handling og hovedkarakterens motivasjon som finnes i originalteksten. Dette er i langt større grad et «problemstykke» enn Shakespeares senere verker som konvensjonelt bærer navnet.

English Repertory Theatre og regissør Gavin Davis har utformet en versjon med en spilletid på bare 100 minutter (inkludert pause) som slår fast fra start: «det finnes intet gjenferd, ingen tvil, bare hevn». En samling hvite bord og stoler, som ommøbleres i hver scene på en måte som sender tankene til Peter Brook, setter en abstrakt tone. Scenen kompletteres av et klasseromsmiljø der Hamlet, Ofelia, Rosenkrantz (her slått sammen med Gyldenstern) og Laertes undervises av Horatio og Polonius, med Gertrude og Claudius som (tilsynelatende) rektor og frue.

Det er intet gjenferd, praktisk talt ingen graver-scene, og de to første aktene er komprimert slik at man har fjernet mye av Hamlets nøling og tvil. Hamlet får vite om drapet på sin far via et brev, snarere enn en nattlig vandring på vollene. Det som står igjen er et stykke preget av handling fremfor refleksjon – i praksis en rendyrket hevntragedie, men drevet frem av ungdommelig angst og forakt for alle former for autoritet, heller enn av politiske eller strategiske kalkyler.

Denne tilnærmingen har klare fordeler. Det er en flyt og frihet i handlingen som er svært kjærkommen, spesielt når Cockpit-teatrets ressurser (amfiscene og mange utganger/innganger) brukes så godt som her for å skape kontinuerlig interaksjon og en hvileløs nerve i rommet.

Særlig stykkets sluttscener zoomer inn på det endelige dødstablået med et nådeløst, uavbrutt fokus som er både fengslende og forfriskende. På samme måte fungerer scenene der autoriteter konfronteres og spottes med vidd briljant i en skolesituasjon og er genuint morsomme.

Den verbale drakampen mellom Polonius og Hamlet er her genuint underholdende snarere enn trettende, troverdig presentert som en rivalisering mellom en pompøs lærer og en stjerneelev som vipper over i en dødelig kamp om kontroll. Kontrasten mellom maktspilleren Claudius (tenk «House of Cards») og Hamlets rå avsmak for korrupsjon i alle former kommer også frem med autentisk, skjelvende kraft, særlig i de anspente øyeblikkene under kongens bønnescene.

På andre områder er imidlertid de utforskede veiene mindre fruktbare og til og med forvirrende. Mangelen på et gjenferd svekker kraften bak Hamlets motivasjon, og Ofelias tilstedeværelse i klasserommet under hele Hamlets planlegging forskyver det emosjonelle båndet mellom dem radikalt ved å gjøre henne medskyldig i og vitne til langt mer enn det Shakespeare legger opp til.

En drastisk omarbeiding av tekst og handling er selvsagt alltid tillatt så lenge man bevarer en oversikt over de emosjonelle og psykologiske mønstrene som binder hovedkarakterene sammen. Ved å fremheve visse deler av intrigespillet og utelate andre, klarer dessverre ikke denne bearbeidelsen alltid å bevare dette autentiske mønsteret, og alle som ser stykket for første gang i denne versjonen ville ha gått glipp av mye.

Virkelig store oppsetninger av dette stykket prøver ikke å fange og utvikle alle psykologiske nyanser i Hamlets mangfoldige og yrende sinn; men de forsøker å hinte raust til dem alle, slik at publikums felles fantasi og forkunnskaper kan gjøre resten og fylle inn hullene.

Selve styrkene i denne produksjonen er derfor også dens svakheter, noe som eksemplifiseres i klasseromstolkningen av drapet på Priamos utført av den «barske Pyrrhus» – på mange måter kveldens høydepunkt i første del. Det er et fint, elegant og dramatisk morsomt grep å fremstille denne satiren over hevnmeldodramaet som en skoletime om Iliaden som eskalerer fullstendig på bekostning av klassisk-læreren Polonius.

Men å la dette gli over i en fragmentert og, ærlig talt, uforståelig utgave av monologen «Å, for en usling og en trell jeg er!» gjør vold på Shakespeares intensjoner. Man mister et av stykkets store øyeblikk der verbal presisjon, innadvendthet og finfølelse er helt essensielt, uansett hvordan man tolker hovedkarakterens dilemmaer. Dette var ikke det eneste øyeblikket i forestillingen hvor det hersket usikkerhet om når, hvordan og hvorfor man skulle gå fra sprø satire og tørr humor til ektefølt oppriktighet.

Disse problemene kunne (ironisk nok) vært løst bedre med mer oppmerksomhet på klangen og teksturen i selve språket, som gang på gang antyder hvor det trengs subtile endringer i tempo, farge og rytme.

De mest vellykkede skuespillerne var de som utnyttet versene til sin fordel fremfor å tvinge teksten inn i et generelt emosjonelt korsett. Polonius (Oliver Hume), Claudius (Jon House) og Gertrude (Helen Bang) gjennom hele stykket, samt Hamlet (Rachel Waring) i de senere delene, gjorde alle glimrende arbeid her. Man satt med en følelse av at hele ensemblet vil få større trygghet i å spille på lag med teksten etter hvert som spilleperioden skrider frem og de slapper nok av til å se all drahjelpen Shakespeare gir dem.

Disse innvendingene mot tolkningen bør ikke overskygge den høye intensiteten og kvaliteten hos skuespillerne, der det ikke finnes noen svake ledd. Det leveres mye treffsikkert, energisk og originalt arbeid, særlig i scenebevegelsene. Som Hamlet var Rachel Waring spesielt god i andre del, der den fysiske energien, det sinte vittigheten og den ulmende forakten hun viste i de tidlige scenene ble forvandlet til en uunngåelig legemliggjøring av tanken om at «fra nå av skal mine tanker kun være blodige».

Det var en feil å legge inn en pause i denne forestillingen, og som følge av det røk en stjerne i denne anmeldelsen: Hvis du skal spille Hamlet som en hevntragedie, må thrilleren få løpe ut og bygge opp farten uten avbrytelser.

Når det er sagt, for alle med lidenskap for nye tilnærminger til Shakespeare, er dette en engasjerende kveld i teatret som er kontroversiell i ordets beste forstand. Som alltid var de animerte samtalene i baren i pausen og etterpå den beste anbefalingen.