CRITIQUE : Hamlet, English Repertory Theatre ✭✭✭

Rachel Waring dans le rôle de Hamlet. Photo : Guy Dovell Hamlet

English Repertory Theatre, Cockpit Theatre, Marylebone

18 février

3 étoiles

Connaissons-nous vraiment bien Hamlet ? C'est la question fondamentale posée par la version épurée et constamment stimulante de la pièce actuellement présentée au Cockpit Theatre. Nous pensons connaître la pièce, du moins comme une source inépuisable de citations, mais l'acte passif et réfléchi de la lecture de la pièce est très différent de son expérience en tant que drame. De plus, étant donné la longueur de la pièce lorsqu'elle est jouée entièrement (comparable à un opéra de Wagner avec 4-5 heures), il n'existe en fait aucune tradition de représentation canonique ou prévisible sur laquelle se reposer.

Chaque metteur en scène fait, et doit faire, une variété de coupes et de choix interprétatifs simplement en raison de la surabondance fascinante mais également imparfaite de la pièce. Chaque interprétation doit être partielle et sélective afin de donner un sens aux nombreuses lectures concurrentes de l'action et des motivations du personnage principal présentes dans le texte original. Il s'agit bien plus d'une « pièce à problèmes » que de ces œuvres ultérieures du parcours créatif de Shakespeare qui portent conventionnellement ce nom.

English Repertory Theatre et le metteur en scène Gavin Davis ont conçu une version avec une durée de seulement 100 minutes (avec un entracte) qui déclare dès le départ « il n'y a pas de fantôme, il n'y a pas d'équivoque, seulement la vengeance ». Un regroupement de tables et de chaises blanches, reconfiguré à chaque scène, qui évoque les décors de Peter Brook, établit un ton abstrait. La scène est complétée par un cadre de salle de classe où Hamlet, Ophelia, Rosencrantz (ici fusionné avec Guildenstern) et Laertes sont éduqués par Horatio et Polonius avec Gertrude et Claudius comme (apparemment) directeur et épouse.

Il n'y a pas de fantôme, pratiquement pas de scène du fossoyeur, et les deux premiers actes de la pièce ont été condensés de manière à supprimer une grande partie des délais et équivoques de Hamlet. Hamlet apprend le meurtre de son père par lettre plutôt que par une promenade du côté sauvage des remparts. Ce qui reste est une pièce d'action plutôt que de réflexion, en effet une « tragédie de vengeance », mais menée par une angoisse adolescente et un ressentiment envers toutes les formes d'autorité plutôt que par des calculs politiques ou stratégiques.

Il y a des gains réels à cette approche. Il y a un flux et une liberté dans l'action qui sont très bienvenus, surtout lorsque les ressources du Cockpit (en rond et avec de multiples sorties et entrées) sont utilisées aussi bien qu'ici pour générer une interaction continue et un mouvement incessant.

En particulier, les scènes finales de la pièce se concentrent sur le tableau final de la mort avec une focalisation ininterrompue et implacable qui est des plus captivantes et rafraîchissantes. De même, les scènes dans lesquelles l'autorité est confrontée et moquée avec esprit brillent brillamment et amusent vraiment dans un scénario de salle de classe.

Les jeux de mots compétitifs entre Polonius et Hamlet sont vraiment amusants ici plutôt que lassants, tout en étant présentés de manière convaincante comme la rivalité entre un professeur pompeux et un élève étoile qui tourne en une lutte mortelle pour le contrôle. Le contraste entre l'opérateur « House of Cards » lisse qu'est Claudius et le dégoût brut de Hamlet pour la corruption sous toutes ses formes ressort également avec une puissance authentique et vibrante, notamment dans les moments tendus de la confession tentée par le roi.

Cependant, à d'autres égards, les chemins explorés ici sont moins fructueux et même déroutants. L'absence du fantôme affaiblit la force de la motivation de Hamlet et la présence d'Ophelia dans la salle de classe tout au long des manigances de Hamlet modifie radicalement l'engagement émotionnel entre eux en la rendant complice et au courant de bien plus de choses que Shakespeare ne le permet.

Une refonte radicale du texte et de l'action est toujours permise tant qu'elle préserve un récit lucide des matrices émotionnelles et psychologiques qui relient les personnages principaux. En accentuant certains aspects de l'intrigue et en escamotant d'autres, cette adaptation ne parvient malheureusement pas toujours à conserver ce modèle authentique, et quiconque viendrait voir la pièce pour la première fois dans cette version manquerait beaucoup.

Les productions véritablement grandes de cette pièce ne tentent pas de capturer et de développer tous les angles psychologiques des commentaires dans l'esprit protéiforme et pullulant de Hamlet ; mais elles s'efforcent de les suggérer généreusement afin que l'imagination collective du public et sa connaissance héritée de cette pièce puissent alors faire le reste du travail et combler les lacunes.

Les véritables forces de cette production sont donc aussi ses faiblesses, comme en témoignent la représentation en salle de classe du massacre de Priam par le « Pyrrhus rugueux », qui constitue en quelque sorte le point culminant de la première moitié de la soirée. C’est une fine, élégante et dramatiquement drôle idée de représenter cette satire du mélodrame de vengeance comme une leçon d'école sur l'Iliade qui déraille glorieusement aux dépens du professeur de classiques Polonius.

Mais faire passer cela à un récit fragmenté et franchement confus de « O, quel gredin et esclave je suis ! » fait véritablement violence aux intentions de Shakespeare et manque l'un des grands moments de la pièce où la précision verbale, l'introspection et la délicatesse sont essentielles, quelle que soit la lecture des dilemmes du personnage central. Ce n’était pas le seul moment de la production où il y avait une incertitude sur le moment, le moyen et la raison de gérer la transition de la satire cassante, du humour sec et de la mise entre parenthèses de l'émotion à la sincérité authentique et à la conviction ouverte.

Ces problèmes pourraient (ironiquement) être résolus de manière plus satisfaisante avec une plus grande attention à la sonorité et à la texture même du langage de la pièce, qui suggère à maintes reprises les points où des changements subtils de rythme et de couleur sont nécessaires.

Les acteurs les plus réussis étaient ceux qui utilisaient le verset à leur avantage plutôt que de le forcer à se conformer à un corset émotionnel généralisé. Polonius (Oliver Hume), Claudius (Jon House), et Gertrude (Helen Bang), tout au long, et Hamlet (Rachel Waring), dans les dernières étapes de la pièce, ont fait un excellent travail à cet égard ; et l'on sentait que tout le casting augmenterait leur confiance dans le travail avec le grain du texte à mesure que la performance progresse une fois qu'ils se détendent suffisamment pour voir toute l'aide que Shakespeare leur offre.

Ces réserves concernant l'interprétation ne devraient pas détourner de l'intensité soutenue de qualité de l'ensemble du casting, où il n'y a pas de maillons faibles distrayants et où beaucoup de travail habile, énergique et original est fait, notamment dans le mouvement de scène. En tant que Hamlet, Rachel Waring était particulièrement efficace dans la seconde moitié, où l'énergie physique, l'esprit en colère et le mépris latent qu'elle affichait dans les scènes précédentes étaient transmises en une incarnation implacable de « mes pensées soient sanglantes, ou ne valent rien ».

C'était une erreur d'ajouter un entracte à cette production, et une étoile est tombée de la bannière de cette critique en conséquence : si vous allez jouer Hamlet comme une tragédie de vengeance, alors le thriller doit se dérouler et accélérer de manière ininterrompue.

Cela dit, pour quiconque passionné par les nouvelles approches de Shakespeare, c'est une soirée prenante au théâtre, qui est controversée dans le meilleur sens du terme. Comme toujours, l'animation des conversations au bar à l'entracte et après s'est avérée être la meilleure recommandation.