CRÍTICA: Hamlet, English Repertory Theatre ✭✭✭

Rachel Waring como Hamlet. Foto: Guy Dovell Hamlet

English Repertory Theatre, Cockpit Theatre, Marylebone

18 de fevereiro

3 estrelas

Até que ponto conhecemos realmente Hamlet? Esta é a pergunta fundamental colocada por esta versão, consistentemente instigante e depurada da peça, atualmente em cena no Cockpit Theatre. Podemos achar que conhecemos a obra, pelo menos como uma cornucópia inesgotável de citações, mas o ato passivo e reflexivo de a ler é muito diferente de a vivenciar como drama. Além disso, tendo em conta a duração da peça quando apresentada na íntegra (ao nível de uma ópera de Wagner, com 4–5 horas), não existe, de facto, uma tradição cénica canónica ou previsível a que se possa recorrer.

Todos os encenadores fazem — e, na verdade, têm de fazer — uma série de cortes e escolhas interpretativas, simplesmente por causa da fascinante, mas também falha, superabundância da peça. Cada leitura tem de ser parcial e seletiva para conseguir dar sentido às muitas interpretações concorrentes da ação e das motivações da personagem principal presentes no texto original. Trata-se muito mais de uma ‘peça-problema’ do que aquelas obras posteriores na trajetória criativa de Shakespeare que, convencionalmente, levam essa designação.

A English Repertory Theatre e o encenador Gavin Davis conceberam uma versão com apenas 100 minutos de duração (com intervalo) que, logo à partida, afirma: ‘não há fantasma, não há ambiguidade, apenas vingança’. Um conjunto de mesas e cadeiras brancas, reconfigurado em cada cena, num gesto que evoca os cenários de Peter Brook, estabelece um tom abstrato. O quadro completa-se com um ambiente de sala de aula em que Hamlet, Ofélia, Rosencrantz (aqui fundido com Guildenstern) e Laertes são orientados por Horácio e Polónio, com Gertrudes e Cláudio como (aparentemente) diretor e esposa.

Não há fantasma, praticamente não há cena do coveiro, e os dois primeiros atos foram comprimidos para eliminar grande parte das demoras e ambiguidades de Hamlet. Hamlet toma conhecimento do assassinato do pai por carta, e não numa incursão pelos parapeitos. O que fica é uma peça de ação, mais do que de reflexão — na prática, uma ‘Tragédia de Vingança’ — mas movida por angústia adolescente e ressentimento face a toda e qualquer forma de autoridade, mais do que por cálculos políticos ou estratégicos.

Há ganhos reais nesta abordagem. A ação tem um fluxo e uma liberdade muito bem-vindos, sobretudo quando os recursos do Cockpit (in-the-round e múltiplas entradas e saídas) são tão bem aproveitados como aqui para gerar interação contínua e movimento inquieto.

Em particular, as cenas finais focam-se no tableau derradeiro de morte com uma insistência implacável e sem interrupções, o que é muito cativante e refrescante. Do mesmo modo, as cenas em que a autoridade é confrontada e satirizada com espírito brilham intensamente e divertem de facto dentro do cenário de sala de aula.

O duelo de trocadilhos entre Polónio e Hamlet é genuinamente engraçado aqui, e não cansativo, sendo apresentado de forma convincente como a rivalidade entre um professor pomposo e um aluno brilhante que descamba numa luta mortal pelo controlo. O contraste entre o Cláudio, operador suave ao estilo de ‘House of Cards’, e a repulsa crua de Hamlet pela corrupção em todas as suas formas também se afirma com uma força autêntica, trémula, sobretudo nos momentos tensos da tentativa de confissão do Rei.

No entanto, noutros aspetos, os caminhos aqui explorados são menos frutíferos e até confusos. A ausência do fantasma enfraquece o peso da motivação de Hamlet e a presença de Ofélia na sala de aula, ao longo de toda a urdidura de Hamlet, altera radicalmente o envolvimento emocional entre ambos, ao torná-la cúmplice e consciente de muito mais do que Shakespeare permite.

Uma remodelação drástica do texto e da ação é, sem dúvida, sempre admissível, desde que preserve uma leitura clara das matrizes emocionais e psicológicas que ligam as personagens principais. Ao acentuar certos traços da intriga e apagar outros, esta adaptação infelizmente nem sempre mantém esse desenho autêntico — e quem chegasse à peça pela primeira vez nesta versão perderia imenso.

As produções verdadeiramente grandes desta peça não tentam captar e desenvolver todos os ângulos psicológicos de comentário na mente proteica e fervilhante de Hamlet; mas procuram, sim, sugeri-los generosamente, para que a imaginação coletiva do público e o conhecimento herdado da obra façam o resto do trabalho e preencham as lacunas.

As próprias forças desta produção são, portanto, também as suas fraquezas, como se exemplifica na versão “de sala de aula” do massacre de Príamo pelo ‘robusto Pirro’ — em certos aspetos, o ponto alto da primeira parte da noite. É um achado elegante, refinado e com grande graça dramática representar esta sátira do melodrama de vingança como uma lição sobre a Ilíada que se descontrola gloriosamente, à custa do professor de clássicas Polónio.

Mas levar isto a um relato fragmentado e, francamente, confuso de ‘Oh, que patife e escravo vil sou eu!’ é fazer verdadeira violência às intenções de Shakespeare, e falhar um dos grandes momentos da peça, em que a precisão verbal, a interioridade e a delicadeza são essenciais, seja qual for a leitura dos dilemas da personagem central. Não foi o único momento desta produção em que se sentiu incerteza sobre quando, como e porquê gerir a transição entre a sátira quebradiça, o humor seco e o recuo emocional, para a sinceridade genuína e a convicção aberta.

Estas questões poderiam (ironicamente) ser resolvidas de forma mais satisfatória com maior atenção ao som e à textura da própria linguagem da peça, que repetidamente sugere, a partir de dentro, os pontos em que são necessárias mudanças subtis de andamento, cor e ritmo.

Os intérpretes mais conseguidos foram os que souberam tirar melhor partido do verso, em vez de o forçar a caber num espartilho emocional único e generalizado. Polónio (Oliver Hume), Cláudio (Jon House) e Gertrudes (Helen Bang), ao longo de toda a peça, e Hamlet (Rachel Waring), nas fases finais, fizeram um excelente trabalho nesse sentido; e ficou a sensação de que todo o elenco ganhará confiança em trabalhar a favor do texto à medida que a temporada avança, quando relaxarem o suficiente para verem toda a ajuda que Shakespeare lhes oferece.

Estas reservas interpretativas não devem, contudo, diminuir a impressão geral de uma intensidade sustentada e de uma qualidade elevada do elenco, sem elos fracos que distraiam, e com muito trabalho hábil, enérgico e original, sobretudo no movimento cénico. Como Hamlet, Rachel Waring foi particularmente eficaz na segunda metade, onde a energia física, a mordacidade colérica e o desprezo a ferver que exibira nas cenas iniciais se transmutaram numa encarnação implacável de ‘que os meus pensamentos sejam sangrentos, ou então nada valham’.

Foi um erro acrescentar um intervalo a esta produção — e, por isso, caiu uma estrela na classificação desta crítica: se se vai fazer de Hamlet uma Tragédia de Vingança, então o thriller precisa de seguir o seu curso e ganhar velocidade sem interrupções.

Ainda assim, para quem tem paixão por novas abordagens a Shakespeare, esta é uma noite de teatro envolvente, controversa no melhor sentido. Como sempre, a animação das conversas ao bar no intervalo e depois do espetáculo foi a melhor recomendação.