РЕЦЕНЗІЯ: «Гамлет», English Repertory Theatre ✭✭✭

Рейчел Верінг у ролі Гамлета. Фото: Гай Довелл. Гамлет

English Repertory Theatre, Cockpit Theatre, Мерілебон

18 лютого

3 зірки

Наскільки добре ми насправді знаємо «Гамлета»? Це ключове питання, яке ставить перед глядачем динамічна та лаконічна постановка п’єси, що зараз іде у Cockpit Theatre. Нам може здаватися, що твір відомий нам до дрібниць — принаймні як невичерпне джерело цитат — проте пасивне читання тексту суттєво відрізняється від сприйняття його як живої драми. Більше того, враховуючи тривалість п’єси у повному обсязі (яка цілком може змагатися з операми Вагнера і тривати 4–5 годин), фактично не існує єдиної канонічної чи передбачуваної сценічної традиції, на яку можна було б покластися.

Кожен режисер мусить робити купюри та розставляти власні інтерпретаційні акценти через неймовірну, а подекуди й надмірну багатошаровість твору. Будь-яке бачення неминуче буде вибірковим, аби впорядкувати численні суперечливі мотиви дій та вчинків головного героя. Це куди більше «проблемна п'єса», ніж пізніші роботи Шекспіра, до яких традиційно застосовують це визначення.

English Repertory Theatre та режисер Гевін Девіс створили версію тривалістю лише 100 хвилин (з антрактом), яка з самого початку проголошує: «тут немає привида, немає вагань, лише помста». Мінімалістичні декорації — білі столи та стільці, що перегруповуються в кожній сцені — натякають на стиль Пітера Брука та задають абстрактний тон. Простір доповнюється кабінетом, де Гамлет, Офелія, Розенкранц (тут об’єднаний з Гільденстерном) та Лаерт навчаються у Гораціо та Полонія, тоді як Гертруда та Клавдій постають у ролі (очевидно) директора школи та його дружини.

Привид відсутній, сцена з гробарями фактично викреслена, а перші дві дії максимально стиснуті, щоб позбутися роздумів та зволікань Гамлета. Про вбивство батька він дізнається з листа, а не під час прогулянки нічними мурами замку. У залишку ми маємо драму дії, а не рефлексії — таку собі «трагедію помсти», рушійною силою якої є підлітковий ангст та протест проти будь-якої влади, а не політичний чи стратегічний розрахунок.

Такий підхід має свої переваги. Дія розгортається вільно й динамічно, особливо коли ресурси Cockpit (сцена посеред залу, безліч входів і виходів) використовуються так вдало, створюючи атмосферу безперервного руху та взаємодії.

Зокрема, фінальні сцени ведуть до неминучої розв'язки з невблаганною, чіткою зосередженістю, що виглядає дуже переконливо та свіжо. Так само сцени протистояння владі та дотепні кепкування над нею у шкільних декораціях виглядають блискуче і справді розважають.

Змагання у гострослів’ї між Полонієм та Гамлетом тут виглядає по-справжньому кумедно, а не втомливо. Воно подано як суперництво пихатого вчителя та зіркового учня, яке переростає у смертельну боротьбу за контроль. Контраст між прагматичним маніпулятором у стилі «Карткового будиночка» Клавдієм та щирою огидою Гамлета до корупції в усіх її проявах переданий із автентичною, трепетною силою, особливо в напружені хвилини спроби сповіді короля.

Втім, в інших аспектах обраний шлях виявився менш плідним або навіть заплутаним. Відсутність привида послаблює мотивацію Гамлета, а постійна присутність Офелії в класі під час його інтриг радикально змінює їхній емоційний зв'язок, роблячи її спільницею, обізнаною з набагато більшою кількістю справ, ніж це передбачав Шекспір.

Радикальна переробка тексту та дії цілком припустима, доки вона зберігає чітку картину емоційних та психологічних зв'язків між персонажами. Підкреслюючи одні сюжетні лінії та ігноруючи інші, ця адаптація, на жаль, не завжди зберігає автентичну структуру, і той, хто прийде на виставу вперше, може багато чого не зрозуміти.

Справді визначні постановки цієї п’єси не намагаються охопити всі психологічні нюанси мінливого розуму Гамлета; натомість вони щедро натякають на них, дозволяючи колективній уяві та знанням глядачів заповнити прогалини.

Сильні сторони цієї вистави водночас є і її слабкостями. Прикладом цього є сцена в класі, де розігрується вбивство Пріама «лютим Пірром» — певною мірою кульмінація першої частини вечора. Це витончений, елегантний і по-театральному кумедний прийом: представити сатиру на мелодраму про помсту як урок за «Іліадою», що виходить з-під контролю на розпач вчителеві класики Полонію.

Але перехід від цього до фрагментарного і, чесно кажучи, невиразного виконання монологу «О, що за негідник і ниций раб я!» виглядає насиллям над задумом Шекспіра. Це нівелює один із найважливіших моментів п’єси, де вербальна точність, внутрішня глибина та делікатність є засадничими. Це був не єдиний момент у виставі, коли відчувалася невпевненість у тому, як і чому здійснюється перехід від гострої сатири та сухого гумору до щирого переконання та глибоких почуттів.

Іронічно, але ці проблеми могли б бути вирішені краще, якби більше уваги приділялося самому звучанню та текстурі мови п’єси, яка сама підказує, де потрібні тонкі зміни темпу, забарвлення та ритму.

Найбільшого успіху досягли ті актори, які використовували вірш як перевагу, а не намагалися втиснути його у рамки єдиної емоції. Полоній (Олівер Г'юм), Клавдій (Джон Гаус) та Гертруда (Гелен Бенг) протягом усієї вистави, а Гамлет (Рейчел Верінг) на її пізніх етапах, проробили чудову роботу. Відчувалося, що з кожним показом актори впевненіше йтимуть за текстом, варто лише розслабитися і прийняти ту допомогу, яку пропонує сам Шекспір.

Ці зауваження щодо інтерпретації не повинні применшувати високої інтенсивності вистави та якості акторського складу. Тут немає слабких ланок, натомість багато вправної, енергійної та оригінальної роботи, особливо у сценічному русі. Рейчел Верінг у ролі Гамлета була особливо переконливою у другій дії, де її фізична енергія, гострий розум і презирство трансформувалися у невблаганне втілення девізу: «Нехай віднині будуть кривавими мої думки».

Рішення зробити антракт у цій постановці було помилковим, через що рецензія втратила одну зірку: якщо ви граєте «Гамлета» як трилер про помсту, він має тримати темп безперервно до самого фіналу.

Тим не менш, для всіх, хто захоплюється новими підходами до Шекспіра, це захопливий вечір у театрі, суперечливий у найкращому сенсі цього слова. Як це часто буває, бурхливі обговорення біля бару в антракті та після вистави стали найкращою рекомендацією.