RECENSION: Hamlet, English Repertory Theatre ✭✭✭

Rachel Waring som Hamlet. Foto: Guy Dovell Hamlet

English Repertory Theatre, Cockpit Theatre, Marylebone

18 februari

3 stjärnor

Hur väl känner vi egentligen Hamlet? Detta är den fundamentala frågan som ställs i den ständigt tankeväckande och strömlinjeformade version av pjäsen som för närvarande visas på Cockpit Theatre. Vi kanske tror att vi kan pjäsen, åtminstone som ett outsinligt ymnighetshorn av citat, men den passiva och reflekterande akten att läsa verket är vidskilld från att uppleva det som dramatik. Dessutom, med tanke på pjäsens längd när den framförs i sin helhet (i klass med en Wagner-opera på 4–5 timmar), finns det faktiskt ingen kanonisk eller förutsägbar scenisk tradition att förlita sig på.

Varje regissör gör, och måste faktiskt göra, en mängd nedstrykningar och tolkningsval helt enkelt på grund av pjäsens fascinerande men också bristfälliga överflöd. Varje tolkning måste vara partiell och selektiv för att överhuvudtaget kunna skapa mening i de många konkurrerande läsningarna av händelseförloppet och huvudkaraktärens drivkrafter som finns i originaltexten. Detta är i betydligt högre grad en ”problempjäs” än de senare verk i Shakespeares karriär som konventionellt bär det epitetet.

English Repertory Theatre och regissören Gavin Davis har skapat en version med en speltid på endast 100 minuter (inklusive paus) som redan från början slår fast: ”det finns inget spöke, ingen tvekan, bara hämnd”. En grupp vita bord och stolar, som konfigureras om i varje scen på ett sätt som för tankarna till Peter Brook, sätter en abstrakt ton. Scenbilden kompletteras av en klassrumsmiljö där Hamlet, Ofelia, Rosenkranz (här sammanslagen med Gyllenstern) och Laertes undervisas av Horatio och Polonius, med Gertrud och Claudius som (skenbart) rektorspar.

Det finns inget spöke, i praktiken ingen dödgrävarscen, och pjäsens två första akter har komprimerats för att få bort mycket av Hamlets dröjsmål och undanflykter. Hamlet får kännedom om mordet på sin far via ett brev snarare än efter en vandring på vallarnas vilda sida. Det som återstår är en pjäs av handling snarare än reflektion, i praktiken en renodlad hämndtragedi, men en som drivs av tonårsångest och agg mot alla former av auktoritet snarare än av politiska eller strategiska kalkyler.

Det finns tydliga vinster med detta grepp. Det finns ett flöde och en frihet i agerandet som är mycket välkommet, särskilt när Cockpits resurser (arenascen och flera in- och utgångar) används så väl som här för att skapa kontinuerlig interaktion och rastlös rörelse.

I synnerhet fokuserar pjäsens slutscener på dödens sluttablå med ett obevekligt och oavbrutet fokus som är både fängslande och uppfriskande. Likaså lyser scenerna där auktoriteter konfronteras och hånas kvickt klart och roar genuint inom ramen för klassrumsscenariot.

Det tävlingsinriktade ordvitsandet mellan Polonius och Hamlet är här genuint roligt snarare än tröttsamt, samtidigt som det presenteras övertygande som en rivalitet mellan en pompös lärare och en stjärnelev som tippar över i en dödlig kamp om kontroll. Kontrasten mellan den smidige ”House of Cards”-spelaren Claudius och Hamlets råa avsmak för korruption i alla dess former framgår också med autentisk, darrande kraft, särskilt i de spända ögonblicken under kungens försök till bikt.

I andra avseenden är dock de vägar som utforskas här mindre fruktbara och till och med förvirrande. Frånvaron av spöket försvagar kraften i Hamlets motivation, och Ofelias närvaro i klassrummet under Hamlets ränksmideri skiftar radikalt det känslomässiga samspelet mellan dem genom att göra henne delaktig i och medveten om långt mer än vad Shakespeare tillåter.

Att drastiskt forma om text och handling är förvisso alltid tillåtet så länge det bevarar en tydlig redogörelse för de känslomässiga och psykologiska mönster som binder samman huvudkaraktärerna. Genom att betona vissa delar av intrigen och utlämna andra lyckas denna bearbetning tyvärr inte alltid bevara dessa autentiska mönster, och den som ser pjäsen för första gången i denna version skulle gå miste om en hel del.

Sannolikt stora uppsättningar av denna pjäs försöker inte fånga och utveckla alla psykologiska vinklar i Hamlets föränderliga, sjudande sinne; men de strävar efter att hinta om dem alla generöst, så att publikens kollektiva fantasi och nedärvda kunskap om pjäsen kan göra resten av arbetet och fylla i luckorna.

Själva styrkorna i denna uppsättning är därför också dess svagheter, vilket exemplifieras i klassrumsskildringen av Priamos slakt genom ”den bittre Pyrrhus”, på sätt och vis höjdpunkten i kvällens första hälft. Det är ett fint, elegant och dramatiskt roligt grepp att framställa denna satir över hämndmelodramer som en lektion om Iliaden som spårar ur kapitalt på den stackars klassiska läraren Polonius bekostnad.

Men att låta detta glida över i en fragmenterad och ärligt talat rörig version av monologen ”O, vilken usling, vilken slav jag är!” gör våld på Shakespeares avsikter. Det missar ett av pjäsens stora ögonblick där språklig precision, innerlighet och finess är avgörande, oavsett hur man tolkar huvudkaraktärens dilemman. Detta var inte det enda tillfället i uppsättningen då det rådde osäkerhet kring när, hur och varför man skulle hantera övergången från bitande satir och torr humor till genuin uppriktighet och öppen övertygelse.

Dessa problem skulle (ironiskt nog) kunna lösas mer tillfredsställande med mer uppmärksamhet på klangen och texturen i själva språket, som gång på gång internt föreslår de punkter där subtila förändringar i tempo, färg och rytm behövs.

De mest framgångsrika skådespelarna var de som använde versen till sin fördel snarare än att tvinga den att passa in i en generaliserad känslomässig tvångströja. Polonius (Oliver Hume), Claudius (Jon House) och Gertrud (Helen Bang) genomgående, samt Hamlet (Rachel Waring) i pjäsens senare skeden, gjorde ett utmärkt arbete i detta avseende. Man kände att hela ensemblen kommer att öka sitt självförtroende i att arbeta med textens egen dynamik ju längre spelperioden lider, när de väl har slappnat av nog för att se all den hjälp Shakespeare ger dem.

Dessa reservationer kring tolkningen bör inte överskugga den genomgående höga intensiteten och kvaliteten hos ensemblen, där det inte finns några störande svaga länkar, och mycket skickligt, energiskt och originellt arbete, särskilt i scenrörelsen. Som Hamlet var Rachel Waring särskilt effektiv i andra halvan, där den fysiska energin, det arga vitsandet och det sjudande förakt hon uppvisade i de tidigare scenerna förvandlades till en orygglig gestaltning av ”må mina tankar vara blodiga, eller vara intet värda”.

Det var ett misstag att lägga in en paus i denna uppsättning och en stjärna föll från recensionens betyg som en konsekvens av detta: om man ska spela Hamlet som en hämndtragedi måste thrillern få ha sin gång och öka tempot oavbrutet.

Med det sagt, för alla med en passion för nya grepp på Shakespeare är detta en fängslande kväll på teatern som är kontroversiell i ordets bästa mening. Som alltid var de livliga diskussionerna i baren under pausen och efteråt den bästa rekommendationen.