REZENSION: Hoffnung, Jerwood Theatre Downstairs ✭✭

Hoffnung

Jerwood Theatre Downstairs, Royal Court

9. Dezember 2014

2 Sterne

Eine Kommunalpolitikerin spricht in ihrer Bürgersprechstunde mit einer ihrer Wählerinnen. Die Wählerin, Laura, ist eine fröhliche junge Frau mit Down-Syndrom, die versucht, das Beste aus ihrem Leben zu machen. Sie lebt zu Hause – und liebt das. Aber sie will nicht 24 Stunden am Tag bei ihren Eltern sein. Wie sie zu Recht sagt: Wer würde das schon? Mit brutaler Ehrlichkeit, aber ohne zu urteilen, erzählt sie von der schlechten Behandlung durch den Filialleiter der McDonald’s-Filiale, in der sie früher gearbeitet hat. Während sie ihre Demütigung durch ihn in Worte fasst, wird mit völliger Klarheit sichtbar, wie entscheidend das Tageszentrum für ihre Lebensqualität ist. Ein Zufluchtsort vor der Falle, in der sie lebt – einer Falle, die die Gesellschaft gestellt hat. Ein Ort, um Ängste und Anspannung loszulassen, zu lachen und zu entspannen.

Wie könnte irgendein vernünftiger Teil der Regierung die Finanzierung eines solchen Tageszentrums verweigern?

Lauras Angst – die mögliche Schliessung des Tageszentrums – ist eines der zentralen Themen in Jack Thornes neuem Stück Hoffnung, dessen Premiereninszenierung von John Tiffany derzeit am Royal Court zu sehen ist. Es ist kaum vorstellbar, ein Stück zu schreiben, das aktueller und politischer wäre: Es richtet den Blick auf die Folgen der Sparpolitik, auf das unzuverlässige Chaos und die Doppelzüngigkeit, die Mitgliedschaft und Aufbau der grossen Parteien prägen, und auf die rohe, bittere Wahrheit, dass Lobbyismus der unbestreitbare Krebs der modernen politischen Ära ist.

Doch Laur as berührende Lage einmal beiseitegelassen, ist dies ein Stück, das eher polemisch als persönlich ist. Keine der Hauptfiguren besitzt – zumindest in dieser Darstellung – irgendeine Wärme, sodass es wirklich schwerfällt, sich auf ihr Verstricktsein in Politik und Macht einzulassen. Wie meine Begleitung treffend sagte: „Das kann ich mir an jedem Wochentag bei Newsnight ansehen.“

Ganz genau.

Obwohl dies kein Verbatim-Stück und kein Dokumentartheater ist, hat es dieses Gefühl eines „Ausschnitts aus der Realität“; aber – und das ist entscheidend – es fehlt ihm an Theatralik und Vision. Die Frage ist, ob das am Text liegt oder an der Inszenierung.

Die Szene mit Laura und eine Handvoll anderer Szenen – das unbeholfene Gespräch des stellvertretenden Ratsvorsitzenden mit seinem Sohn über Sex und Online-Aktivitäten; das Spätabend-/Frühmorgengespräch der On-off-Liebhaberin des stellvertretenden Ratsvorsitzenden mit ihrem missmutigen Vater – deuten auf eine Ehrlichkeit und Offenheit in Thornes Umgang mit Situation und Figur hin, die ein gutes Verständnis dafür erkennen lässt, wie man fürs Theater schreibt. Und Thorne hat als Theaterautor eine ziemlich gute Erfolgsbilanz.

Doch der Grossteil des Stücks ist entweder banal oder vollgepackt mit einschlägigen Informationen. Die Passagen drehen sich um politische Typen und die verzweigten Details parteipolitischen Taktierens, Haushaltsfragen, Druck durch Medien und Interessengruppen sowie die Unmöglichkeit, es allen jederzeit recht zu machen.

Am Ende scheint die Botschaft schlicht zu sein, dass alle versuchen müssen, etwas zu bewirken – und dass man das Scheitern, Veränderungen herbeizuführen, als Teil des politischen Prozesses akzeptieren sollte, einer Art Rad sehr schlechten Karmas.

Die Probleme des trockenen und (vom Publikum) abgekoppelten Textes werden durch Besetzung und Inszenierung nur noch verschärft. Das ist besonders seltsam angesichts von John Tiffanys grossem, jüngstem Erfolg, schwierige Texte zugänglich und mitreissend zu machen – etwa Let The Right One In oder The Glass Menagerie (am Broadway).

Tom Scutts Bühnenbild ist sicherlich Teil des Problems – nicht, weil es besonders schlecht wäre, sondern weil es dem Herzen des Stücks (falls es eines hat) kaum Raum gibt, zum Vorschein zu kommen. Es nimmt jeder aufkeimenden Wärme die Chance. Denn statt von Ort zu Ort zu huschen – von Zuhause zu Zuhause, von Parkanlage zu Bett – ist das Set eine treffende Evokation eines Rathaus-Interieurs. Es gibt einen Holzboden, am einen Ende eine kleine Bühne, von der aus Reden gehalten werden können, und jene Art neutraler Möbel, die man instinktiv als behördlich erkennt. Das ist alles insofern stimmig, als man versteht, dass alles, was im Stück geschieht, durch die Präsenz des Councils gerahmt ist, der auf die eine oder andere Weise das Leben der meisten Figuren dominiert. Es erlaubt sogar, dass sich im Kopf eine Art Punch-and-Judy-Vorstellung bildet: ein Kommentar zur Idiotie des politischen Prozesses, der unvermeidlich damit zu tun hat, dass eine Seite die andere in die Unterwerfung prügelt.

Der Nachteil ist jedoch, dass das Bühnenbild allen Szenen die Intimität nimmt, die in Schauplätzen ausserhalb des Rathauses spielen; so ist es zum Beispiel nicht möglich, auf eine Szene zweier Liebender im Bett – wenn das Bett lediglich auf dem Rathausboden angedeutet wird – auf die gleiche Weise zu reagieren, wie wenn die Szene in einem privaten Schlafzimmer ausgespielt würde. Der Raum mindert die Möglichkeit zur Nähe und suggeriert zugleich einen Hauch von Wildheit, der unecht ist – denn das Paar hatte nicht tatsächlich Sex auf dem Boden des Rathauses.

Auch das Spiel hilft nicht.

So viel es an Jo Eastwoods entzückender Laura, Tom Georgesons missmutigem, kiffendem George und Tommy Knights direktem, frühreifem Jake zu bewundern gibt – mit einer Ausnahme steigt der Rest des Ensembles nicht über das Niveau von Schablonen hinaus.

Stella Gonets Thatcher-hafte, fluchende Labour-Ratschefin; Paul Higgins’ farbloser, schlechter Vater und schlechter stellvertretender Vorsitzender, Mark; Julie, Georges verwirrte Teilzeit-Affäre von Mark; Christine Entwisles wütende, aber leidenschaftliche Ex-Frau von Mark, Gina, ein lautstarkes und dissidentes Ratsmitglied – all diese Figuren haben im Grunde das Charisma und die Komplexität eines kalten Wurstblätterteigs. Keine ist sympathisch, und es ist tatsächlich unmöglich, sich auch nur im Geringsten dafür zu interessieren, was mit irgendeiner von ihnen passieren könnte.

Nur Rudi Dharmalingam als Sarwan, der muslimische Councillor, der direkt und taktisch ist, schafft den Drahtseilakt zwischen Seite und Mensch – er ist die eine Hauptfigur, die mehr als eindimensional wirkt.

Politische Stücke sind wichtig, selbst solche, die so unerquicklich und klinisch sind wie Thornes Versuch hier; doch es ist entscheidend, dass Autorinnen, Autoren und Regie daran denken, dem Begriff „politisches Stück“ auch das „Stück“ zurückzugeben. Das Stück ist die Sache – worin sich das Gewissen eines Publikums fangen lässt.