REZENSION: Knights Of The Rose Arts Theatre ✭✭✭

Julian Eaves bespricht „Knights Of The Rose“, jetzt im Arts Theatre im Londoner West End.

Chris Cowley, Andy Moss, Ian Gareth und Oliver Savile in „Knights Of The Rose“. Foto: Mark Dawson Knights of the Rose

Arts Theatre,

5. Juli 2018

3 Sterne

Jetzt buchen! Das Wichtigste, was Sie aus diesem Abend mitnehmen, ist das Erlebnis eines hervorragenden West-End-Ensembles – und es ist eine stattliche Truppe von 13 Leuten, darunter drei Actor-Musicians, die eine grossartige vierköpfige Rockband unterstützen – die 26 fantastische Interpretationen einiger der besten Popmusik der 80er und 90er raushauen.  Hier gibt es rund 100 Minuten Musik, mit einprägsamen Versionen wirklich grosser Hits, und es ist ein pures Vergnügen, in so unmittelbarer Nähe – das Arts ist berühmt für seine intime Atmosphäre – zu einer so gut aussehenden, musikalisch überzeugenden Gruppe junger Leute zu sein, die alles geben.  Regisseurin und Choreografin Racky Plews tut alles, um diese liebenswerten Darstellerinnen und Darsteller bestmöglich glänzen zu lassen, und Tim Deiling beleuchtet sie in üppiger Dimension – und täuscht dem Auge vor, das Arts sei eine grosse West-End-Bühne –, sodass ein spektakulär epischer Entertainment-Abend entsteht (was die Show, glaube ich, in etwa sein will).

Rebekah Lowings, Belu Woodward, Katie Birtill in „Knights Of The Rose“. Foto: Mark Dawson Das Bühnen- und Kostümbild von Diego Pitarch ist problematischer: Grosse Trucks tragen riesige Box-Elemente, die sich zu beeindruckenden Formationen verschieben lassen, aber kaum Platz lassen – besonders, wenn viele Körper auf der Bühne sind –, damit Plews ihr choreografisches Genie ausspielen kann: Wer in diese Show kommt und den gleichen Schwung und die gleiche Verve erwartet, die ihre europäische Erstaufführung von „American Idiot“ (die hier vor nicht allzu langer Zeit lief) befeuerten und aufwerteten, wird enttäuscht sein.  Zusätzlich erschwert wird alles durch eine katastrophale Fehlkalkulation – eine von vielen, die die Produzenten dieser Show offenbar getroffen haben – in Form des schlampig-billigen Kostümbudgets, das ehrlich gesagt eine Beleidigung für die Qualität der Performer auf der Bühne ist und zudem eine völlig falsche Sparmassnahme; dafür kann der Designer ganz sicher nicht verantwortlich gemacht werden.  Die Darstellenden halten mit beeindruckender Professionalität dagegen und legen ihr Herz in sublime Interpretationen des grossartigen Song-Repertoires.  Wenn man nur den Verdacht haben könnte, die Produzenten hätten denselben theatralen Mumm.

Adam Pearce, Ian Gareth-Jones, Matt Thorpe und Ruben Van Keer in „Knights Of The Rose“. Foto: Mark Dawson

Nach einem vielversprechenden Start – mit angenehmer Erzählstimme und dem eröffnenden „Blaze of Glory“, das den Abend in Gang setzt – zeigt sich dann die wahre Achillesferse dieser Arbeit: das Buch.  Das Programmheft hat uns bereits auf die „Scrapbook“-Art des „Schreibens“ vorbereitet: Es listet eine endlose Sammlung von Verweisen auf andere Werke auf, eine Art „Ihre hundert Lieblingszitate aus der englischen Literatur“, und erinnerte mich – viel zu eindringlich – an den Lektüreplan des English-Literature-Studiums in Oxford.  Meine Quellen sagen mir, dass ich mit meinem Verdacht nicht weit daneben liege: Die Autorin dieses „Textes“, Jennifer Marsden, wolle, so heisst es, mit dem Publikum ihre Liebe zum grossen Kanon der englischen Literatur teilen.  Schon gut – aber ist ein Rock’n’Roll-Jukebox-Musical wirklich das beste Vehikel, um diese Liebe zu vermitteln?  Und vor allem: Warum sollten wir diesem Erbe überhaupt Aufmerksamkeit schenken – gibt es hier einen Punkt, ein Argument?  Wenn Marsden eines hat, formuliert sie es nicht.  Wir bekommen lediglich eine Aneinanderreihung von „Zitaten“ aus diesem, jenem und noch einem – weit überlegenen – Text und fragen uns zunehmend, ob sie überhaupt irgendetwas Eigenes zu sagen hat.  Besser wird es auch nicht durch ihr Beharren darauf, dass alles „straight“ geliefert wird – ohne ein Fünkchen Humor oder irgendeine erlösende Leichtigkeit –, in den besten britischen Schauspielstimmen im RADA-Stil, während die Songs dann im passend amerikanisierten Pop-Twang gesungen werden: Ich kann kaum glauben, dass diese Entscheidung von der Regie kommt; das muss doch eher eine Vorgabe von Autorin und Produzenten sein, oder?  Wie Marsden glaubt, dass dies die disparaten Elemente ihres Gebräus näher zusammenbringt, ist völlig rätselhaft.  Und man sollte zudem im Hinterkopf behalten, dass (soweit ich es verstehe) Marsden jahrelang an dieser Show gearbeitet hat – genug Zeit also, um Probleme im Buch zu erkennen und herauszuschneiden.  Ebenfalls laut meinen Quellen hat sie dabei mit einigen sehr angesehenen Leuten zusammengearbeitet, und ich finde es schwer zu glauben, dass keiner von ihnen diese Schwierigkeiten jemals zuvor angesprochen haben soll.

Chris Cowley in „Knights Of The Rose“. Foto: Mark Dawson

Wenn hinter diesem Projekt eine Armut an Absicht (und eine Weigerung, Fehler zu korrigieren) steckt, dann gibt es offenbar reichlich – na ja, eine ganze Menge – Geld.  Ein West-End-Theater zu mieten ist nicht billig, und es mit so vielen Künstlerinnen und Künstlern zu besetzen ist kostspielig – zumal noch viele Wochen Spielzeit vor ihnen liegen.  Marsdens Hintergrund als lukrativ erfolgreiche Anwältin, in Zusammenarbeit mit ihrem ebenso – wenn nicht noch – erfolgreicheren Ehepartner, hat das entscheidende „Moula“ geliefert, um die Show möglich zu machen.  Gut gemacht!  Als Neulinge in der Produktion ist es nicht überraschend, dass Fehler passieren – vor allem bei der Frage, wo und wie man dieses Geld ausgeben sollte; vielleicht hätten sie sich selbst – und uns – ein paar Gefallen getan und zunächst ein bescheideneres, weniger riskantes Projekt gewählt, um zu lernen, wie sie es in ihren anderen Karrieren sicher auch mussten: Schritt für Schritt, langsam und sorgfältig.  Vor allem aber sollten sie sich vielleicht offener zeigen, Warnstimmen zuzuhören, bevor sie solche Mittel in eine physische Produktion stecken.  Doch was geschehen ist, ist geschehen.  Sie haben eine grossartige Regisseurin engagiert, die eine erlesene Besetzung und ein hervorragendes Kreativteam zusammengestellt hat – in der Hoffnung, dass das für den Erfolg reicht.  Und die Darstellenden werfen alles in die Waagschale, um aus dem, womit sie arbeiten müssen, das Beste herauszuholen.

Rebekah Lowings in „Knights Of The Rose“. Foto: Mark Dawson

Chris Cowley (Sir Palomon) ist ein grossartiges Talent mit einer herrlichen Stimme und einer umwerfend einnehmenden Bühnenpräsenz.  Katie Birthill (Princess Hannah) hat bereits zuvor mit ihm gearbeitet – wie übrigens viele hier –, und die beiden befeuern einander wunderbar: Sie singt mit Kraft, Klarheit und perfekter idiomatischer Kontrolle über das Material. Matt Thorpe (Sir Horatio) ist robust und klangvoll und hier ein bekanntes Gesicht aus Plews’ eigener meisterlicher „American Idiot“-Inszenierung; seine Präsenz erinnert uns auch eindrücklich daran, was für ein Riesenerfolg diese Produktion war. Er zeigt wirklich, wie ein Schauspieler „durch“ die Oberflächlichkeit eines Textes hindurchsehen kann, um eine tiefere, packendere Geschichte zu erzählen – und seine Darstellung vermittelt das auf eine Weise, die die Worte, die er sprechen muss, nicht erreichen.  Oliver Saville (Sir Hugo) hat Kraft und Charisma, und Rebecca Bainbridge (Queen Matilda/Bess) ist leidenschaftlich und edel.  Rebekah Lowings (Lady Isabel) ist ein weiteres grosses Nachwuchstalent, ebenso der sympathische Ruben Van Keer (John).  Ausserdem erleben wir einen dramatisch überzeugenden Adam Pearce (King Aethelstan/Francis), Andy Moss (als tragischen Prince Gawain), die stets wache und fesselnde Bleu Woodward (Emily) sowie die starken Ensemble-Spieler Ian Gareth-Jones, Kelly Hampson und Tom Bales.  Ein wunderbares Ensemble.

Chris Cowley, Bleu Woodward, Katie Birtill, Kelly Hampson und Rebekah Lowings in „Knights Of The Rose“. Foto: Mark Dawson

Die musikalische Leitung liegt beim enorm erfahrenen und feinfühligen Mark Crossland, einem unvergleichlichen Interpreten der Vocal-Arrangements, Orchestrierungen und zusätzlichen Musik des wunderbaren Adam Langston; klanglich kraftvoll in Form gebracht durch Chris Whybrows selbstbewusstes und kluges Sounddesign.  Die Momente des Staunens, die sie präsentieren, vergisst man nicht: Besonders überwältigend ist der Effekt, wenn die Männerstimmen in chorischen Nummern gemeinsam singen; ebenso die fantastisch realisierte Bühnensituation der Frauen in „Total Eclipse of the Heart“, in der sie wie im Nichts zu schweben scheinen, ineinander übergehen und wie Traumbilder in unser Bewusstsein hinein- und wieder hinausgleiten.  Selbst in einer Show, die dramaturgisch viel zu sehr nach Power-Balladen süchtig ist (der zweite Akt bietet ein halbes Dutzend davon in einer erschreckenden Reihe!), sind es Momente wie diese, die einen daran erinnern, wie stark diese Show sein könnte.  Und doch zerstört die bathos-triefende Schwäche des Buches immer wieder den kumulativen Effekt der grossartigen Songs.  Wir lachen „über“ die Show – und über die absurd inkompetente Textvorlage – statt mit ihr: Dafür nimmt sie sich viel zu ernst.

Kurzfristig gilt: Wenn das Buch nicht mit irgendeinem entlastenden Sinn für Humor gespielt werden kann, dann wäre die beste Lösung, es komplett über Bord zu werfen – die Show wäre dadurch keinen Deut schlechter, eher im Gegenteil.  Befreit von dieser Last hätte sie dann vielleicht eine echte Chance, ein dankbares Publikum zu finden.  Und alle könnten sich endlich angemessen auf die vielen Stärken konzentrieren, ohne ständig von den fatalen Schwächen abgelenkt zu werden, die so viel dazu beitragen, die hervorragenden Leistungen so vieler grosser Talente zu untergraben und kleinzumachen.

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