REZENSION: McQueen, Theatre Royal Haymarket ✭✭✭✭

Tracy-Ann Oberman und Stephen Wight in McQueen McQueen

Theatre Royal Haymarket

27/08/15

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„Die Liebe schaut nicht mit den Augen, sondern mit dem Geist.“

Shakespeare, Ein Sommernachtstraum McQueen eröffnete zu Beginn dieses Jahres im St James Theatre und wechselt nun – nach einigen Umbesetzungen und einer gewissen Überarbeitung durch den Dramatiker James Phillips – für ein begrenztes West-End-Gastspiel ins Theatre Royal Haymarket. Regie führt John Caird, die Choreografie stammt von Christopher Marney, und Stephen Wight spielt McQueen selbst: Wir sehen ihn bereits, während wir unsere Plätze einnehmen – er geht über die Bühne, schon ganz in der Rolle, unbezähmbar und unberechenbar, verdreht und betrachtet den Gürtel, mit dem er womöglich gleich sein Leben beenden wird … Alexander/Lee McQueen – sein Leben, sein Werk, seine Weggefährten, sein tragischer Tod und sein Vermächtnis – bietet fast schon einen zu reichen Fundus für eine dramatische Bearbeitung. In der jüngsten außergewöhnlichen V&A-Retrospektive Savage Beauty gab es einen bemerkenswerten, vergoldeten Feder-Gehrock, hochgeschlossen und in der Taille eng, der hier in abgewandelter Form wieder auftaucht und in der zweiten Hälfte als Symbol dafür dient, wie Kleidung die Trägerin oder den Träger verwandeln kann. Für mich war er jedoch auch ein Sinnbild für die Komplexität dieses Stoffes – vordergründig eine Welt glitzernder Oberflächen und überbordenden Glamours, nicht unähnlich dem Regency-Glanz des Haymarket, in dem wir uns zur Pressepremiere versammelten; doch im Kern geht es darum, die Psyche eines Mannes heraufzubeschwören, der – so die, die mit ihm arbeiteten – an einem einzigen Tag so viele Ideen und Stimmungen versprühte, wie jener prachtvolle Mantel Federn hat.

Stephen Wight, Laura Rees in McQueen Bei einem Leben und einem Tod im grellen Licht der Öffentlichkeit – wo es viele Menschen gibt, die McQueen gut kannten, und die meisten von uns glauben, inzwischen zumindest etwas zu wissen – ist der Versuch, das Wesen dieses schwindelerregenden Genies mit seinen vielen Widersprüchen einzufangen und ihm frisches dramatisches Leben einzuhauchen, eine enorme Aufgabe. Wir wissen aus seinen City Stories, die wir hier vor einigen Monaten besprochen haben, dass James Phillips ein innovatives Auge für Struktur besitzt, einen poetisch suggestiven Umgang mit Dialog, ein feines Gespür für das Ineinandergreifen von Wort und Musik – und ein nachgewiesenes Talent, über das Londoner Leben zu schreiben. Alles notwendige Bestandteile der Gleichung. Würde er dieser neuen Herausforderung gewachsen sein?

Was wir bekommen, ist ein Märchen, das die Handlung eines von McQueens eigenen opulenten, halb opernhaften Catwalk-Szenarien weiterdenkt. Dahlia (Carly Bawden) beobachtet McQueen von einem Baum in seinem Garten aus, dringt in sein Haus ein, um ein Kleid zu stehlen, und trifft im Keller zwischen seinen Schaufensterpuppen auf den Designer selbst. Er ruft den langjährigen Weggefährten Philip Treacy an, um Rat zu holen, ob er die Polizei rufen soll – doch die eigensinnige Dahlia bezirzt ihn zu einem Deal: Sie wird am Ende der Nacht verschwinden, wenn er sie im Gegenzug in eine Prinzessin verwandelt, ihr ein Kleid macht und ihr unterschiedliche Visionen von London zeigt. Er willigt ein – in der Hoffnung, dabei auch die Inspiration zu finden, um die Deadline für seine nächste Kollektion zu schaffen.

Es folgt eine Abfolge phantasmagorischer Szenen, die zentrale Beziehungen, Erfahrungen und Themen in McQueens Leben auslotet – seine Ausbildung in der Savile Row, seine Freundschaft mit Isabella Blow (Tracy-Ann Oberman), eine V&A-Party, auf der die Journalistin Arabella (Laura Rees) die Echtheit seines Talents infrage stellt, sowie seine enge Bindung an seine Mutter und seine Wurzeln in Stratford. In den meisten Szenen ist Dahlia entweder Beobachterin, ruppige Mitspielerin oder Ausdruck von McQueens eigener „weiblicher“ Seite; doch am Ende wird klar, dass sie aus dieser Begegnung stets mehr wollte als nur ein Kleid. Jede Szene wird durch eine choreografierte Episode mit der nächsten verbunden, in der neun Tänzerinnen und Tänzer die Themen durch die Bildsprache eines seiner klassischen Show-Openings kanalisieren – begleitet von derselben Musik, die damals gespielt wurde. Schließlich kehren wir in den Keller zurück, wo wir begonnen haben: Die Nacht endet, Dahlia geht, und Lee findet sein Konzept für die nächste Kollektion …

Eloise Hymas, George Hill, Rachel Louisa Maybank, Stephen Wight (sitzend), Jordan Kennedy, Amber Doyle und Sophie Apollonia in McQueen Dieses Stück ist daher keine geradlinige Bio-Doku – eine Entscheidung, die sicher richtig ist; denn sonst ließe sich kaum vermeiden, entweder hölzerne, undramatische Faktenerklärungen zu liefern oder in groben Boulevard-Sensationalismus abzurutschen. Phillips interessiert sich viel mehr dafür, McQueens schillernde Vielseitigkeit – seine gequälte und zugleich zupackende, humorvolle Persönlichkeit – einzufangen und die Natur sowie die Quellen seiner Kreativität zu erforschen. Beides gelingt ihm: Ersteres wird durch Wights außergewöhnlich detailgenaue, hypnotische Darstellung unterstützt, die weit mehr ist als eine bloße Imitation. Und Letzteres funktioniert, weil Phillips es über weite Strecken schafft, eine dramatische Formel zu finden, die McQueens Begabungen sowohl beschreibt als auch bei der Arbeit zeigt. Ein Beispiel dafür sind mehrere bemerkenswerte Monologe, die über das Stück verstreut sind und in denen der Designer seine forensischen und ästhetischen Absichten analysiert. Das könnte leicht schiefgehen – zu didaktisch werden oder bloß zu verkopft und selbstverliebt („Sechs Kostüme auf der Suche nach einem Couturier“ usw.). Dass es das nicht ist, spricht für den Schauspieler und dafür, wie das Schreiben einen zwingt, mit dem Blick eines Designers zu schauen und zu imaginieren. Es erinnert ein wenig an die Conan-Doyle-Geschichte, in der Holmes aus ein paar Details der Kleidung das ganze Leben eines Menschen herausliest – und direkt durch ihn hindurchsieht. Die brillante, zugleich destabilisierende, unerbittliche und isolierende Qualität dieser Wahrnehmung wird spürbar; so sehr, dass sich eine besonders dichte Stille innerer Konzentration über das modebewusste, fashionista-hafte Premierenpublikum legte. Sie wussten: In diesem Moment standen auch sie unter dem Mikroskop … Wir bekamen ein greifbar dramatisches Gefühl dafür, warum McQueen zugleich so faszinierend und so beunruhigend war, in seiner Nähe zu sein.

Ein weiteres Beispiel dafür, wie Zeigen und Erzählen hier gut ineinandergreifen, bietet die Szene bei Anderson & Sheppard, wo McQueen ausgebildet wurde. Wie er Dahlia das Kleid direkt am Körper absteckt und schneidet, demonstriert auf unmittelbarste Weise die traditionellen Schneiderfertigkeiten, die er dort erlernte; und das Gespräch mit seinem Mentor Mr Hitchcock (Michael Bertenshaw) offenbart das Gleichgewicht zwischen historischem Bewusstsein und Subversion, das er in seiner Arbeit stets zu halten versuchte: Wenn man ein Ikonoklast sein will, muss man zuerst Traditionalist sein!

Stephen Wight, Laura Rees und Carly Bawden in McQueen

Nicht alles gelingt. Die Szene mit Isabella Blow ist ein aufwendig barockes Duett zweier natürlicher Diven, verliert dadurch aber an dramatischer Schärfe – zumal es hier eine Menge untypisch unbeholfener Einschübe gibt, die „Fakten, die man vorher wissen muss“, nachreichen. In einer Oper könnte man sich diese Art von Backstory-Verpackung eher erlauben, hier jedoch nicht. Ernster ist eine gewisse Unschärfe um die Figur Dahlia, die nicht immer hilfreich ist und gelegentlich die dramatische Kohärenz untergräbt. Was genau trägt Dahlia bei? Muse, bloßes Theatermittel oder Projektion eines Teils von Lees eigener Persönlichkeit? Das ist besonders in der zweiten Hälfte wichtig, in der sie deutlich präsenter ist – und da reicht es nicht, diese Frage in der Schwebe zu lassen. Wir kümmern uns zu diesem Zeitpunkt nicht genug um sie als eigenständige Figur, damit die Dramaturgie dieses Gewicht tragen kann; und das wird nur teilweise durch das einprägsame Resümee eingelöst, das Lee in den letzten Minuten sprechen darf.

Ich bin mir nicht sicher, ob das Einfügen einer Pause fürs West End dem Stück tatsächlich geholfen hat. Es würde besser in einem durchgehenden Fluss funktionieren, ohne dem dünneren Material der nun zweiten Hälfte das gleiche Gewicht zu geben – und zugleich die fragile Fantasie-Atmosphäre ungebrochen zu bewahren.

Die Produktionswerte sind ausgezeichnet. Die Regie ist flüssig und besitzt einen malerischen Blick für visuelle Tableaus ebenso wie für kinetische Energie. Die Choreografie ist außergewöhnlich vielfältig und einfallsreich: Die Tänzerinnen und Tänzer räumen das Bühnenbild um, posieren als Schaufensterpuppen und fungieren insgesamt eher als stummer Chor, der die Handlung visuell kommentiert und zugleich integraler Teil von ihr ist. Das Kostümteam hat die knifflige Aufgabe gemeistert, das Werk des Designers zu zitieren, ohne es sklavisch zu kopieren, und Video-Projektionen vermitteln bei Bedarf ein lebendiges Gefühl für Londoner Schauplätze.

Stephen Wight als Lee in McQueen

Wights Verkörperung McQueens ist ohnegleichen. Die Manierismen, die Mischung aus Draufgängertum und Verletzlichkeit in Sprache und Bewegung, die Extreme von Sensibilität und Vulgarität, von Rücksicht und rücksichtsloser Selbstsucht – alles ist da; dazu kommt eine fein beobachtete Selbstwahrnehmung von Depression, Todesangst und der beunruhigenden Natur des eigenen Talents. Bawden macht ihre Sache als Dahlia sehr gut: Sie sorgt dafür, dass sie Wights Figur bei Bedarf Paroli bietet, ohne ihren etwas albernen Charme zu verlieren – aber die Rolle selbst wirkt noch nicht wirklich fertig. Oberman und Rees nutzen ihre Möglichkeiten voll aus, und Bertenshaws zurückhaltender Gentleman-Schneider ist ein willkommener Ruhepunkt und sorgt für sorgfältig gesetzte, kontrastierende Zurücknahme.

Der Abend ist durchgehend anregend, visuell spektakulär und höchst einfallsreich darin, Design, Musik, Tanz und Figurenzeichnung zu integrieren – und so ein so detailliertes Porträt der Quellen von McQueens Kreativität zu zeichnen, wie wir es wohl bekommen werden. Teile sind ebenso unerwartet komisch wie wirklich berührend. Den kreativen Prozess einer Künstlerin oder eines Künstlers selbst auf die Bühne zu bringen, ist ein heikles Unterfangen – in jüngerer Zeit ist vielleicht Sunday in the Park with George das einzige vollständig gelungene Beispiel. Abgesehen von einer Musical- oder Opernbehandlung von McQueens Leben – etwas, das angesichts der Möglichkeiten, die der Stoff allen Theaterkünsten bietet, durchaus noch lohnend sein könnte – steht dieses Stück als ein kühnes und im Großen und Ganzen erfolgreiches künstlerisches Porträt.

Das Stück gewinnt McQueens Credo triumphal zurück und bekräftigt es: Design ist in seiner besten Form ein Akt der Liebe zum Menschen – eine Zusammenfassung dessen, wer dieser Mann oder diese Frau war, ist und werden könnte – und liegt daher paradoxerweise ebenso sehr im Geist wie rein im Visuellen. Aus diesem Grund ließ sich Alexander McQueen die Shakespeare-Zeile, die diese Besprechung eröffnet, als Tattoo stechen – ein Wappenzeichen für seine Zeit und – so darf man wohl sagen – für alle Zeiten.

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