RECENSION: McQueen, Theatre Royal Haymarket ✭✭✭✭

Tracy-Ann Oberman och Stephen Wight i McQueen McQueen

Theatre Royal Haymarket

2015-08-27

KÖP BILJETTER

’Kärleken ser ej med ögonen, den ser med själen.’

Shakespeare, En midsommarnattsdröm . McQueen hade premiär tidigare i år på St James Theatre och flyttar nu till Theatre Royal Haymarket för en begränsad spelperiod i West End efter vissa rollbesättningsändringar och en viss omarbetning av pjäsförfattaren James Phillips. Föreställningen regisseras av John Caird, med koreografi av Christopher Marney, och i huvudrollen som McQueen ser vi Stephen Wight. Han sitter redan på scenen när vi intar våra platser, vankar av och an, helt uppslukad av rollen – otämjbar, oförutsägbar och plockandes med bältet som han kanske står i begrepp att avsluta sitt liv med… Alexander/Lee McQueen – hans liv, arbete, vänner, tragiska död och arv – erbjuder ett nästan för rikt material för dramatisering. I den nyligen hyllade V&A-retrospektiven, Savage Beauty, fanns en märkvärdig bonjour av förgyllda fjädrar, med hög krage och smal midja, som här återkommer i modifierad form i andra akten som en symbol för hur kläder kan förvandla bäraren. För mig blev den också en symbol för ämnets komplexitet – skenbart en värld av glittrande ytor och ett överflöd av glamour, likt den praktfulla inredningen på Haymarket-teatern där presskåren samlats; men där kärnan handlar om att frammana psyket hos en man som, enligt de som arbetade med honom, sprudlade av lika många idéer och humörsvängningar per dag som det finns fjädrar i den där magnifika rocken.

Stephen Wight och Laura Rees i McQueen. Med ett liv och en död inför öppen ridå, där många kände McQueen väl och de flesta av oss nu tror oss veta något, är uppgiften att fånga essensen av mannens svindlande geni och mångfacetterade motsättningar – och ge det nytt dramatiskt liv – en enorm utmaning. Vi vet från hans City Stories, som recenserades här för några månader sedan, att James Phillips har ett innovativt öga för struktur, ett poetiskt och suggestivt sätt med dialog och en fingertoppskänsla för samspelet mellan ord och musik. Men skulle han klara denna nya utmaning?

Det vi bjuds på är en saga som broderar vidare på de scenarier som McQueen själv skapade för sina nästan operaliknande catwalk-visningar. Dahlia (Carly Bawden) har iakttagit McQueen från ett träd i hans trädgård och tar sig in i hans hus för att stjäla en klänning. Där möter hon designern själv bland hans provdockor i källaren. Han ringer sin mångårige samarbetspartner Philip Treacy för att rådfråga om han ska polisanmäla henne, men den envisa Dahlia charmar honom till en överenskommelse: hon försvinner i gryningen om han i gengäld förvandlar henne till en prinsessa genom att sy en klänning åt henne och visa henne olika visioner av London. Han går med på det i hopp om att också finna inspiration för att hinna färdigt med sin nästa kollektion.

Vad som följer är en sekvens av fantasieggande scener som utforskar nyckelrelationer och händelser i McQueens liv – hans lärlingstid vid Savile Row, vänskapen med Isabella Blow (Tracy-Ann Oberman), en fest på V&A där journalisten Arabella (Laura Rees) ifrågasätter hans talang, samt hans nära band till modern och rötterna i Stratford. I de flesta av dessa scener är Dahlia antingen en observatör, en motstrid SAM deltagare eller ett uttryck för McQueens egen ”kvinnliga” sida; men mot slutet står det klart att hon hela tiden ville ha mer än bara en klänning från deras möte. Varje scen binds samman av koreograferade episoder där nio dansare gestaltar teman genom de visuella uttrycken från hans klassiska visningar, till samma musik som användes då. Vi återvänder slutligen till källaren där allt började när natten går mot sitt slut, Dahlia ger sig av och Lee har hittat konceptet för sin nästa kollektion…..

Eloise Hymas, George Hill, Rachel Louisa Maybank, Stephen Wight (sittande), Jordan Kennedy, Amber Doyle och Sophie Apollonia i McQueen. Den här pjäsen är alltså inte en traditionell dokumentärskildring, vilket helt klart är rätt beslut. Det hade varit svårt att undvika antingen klumpig och odramatisk faktabeskrivning eller billig kvällstidningssensationism. Phillips är betydligt mer intresserad av att fånga den gåtfulla mångsidigheten i McQueens plågade men samtidigt tuffa och humoristiska personlighet, och att utforska hans kreativitet. Han lyckas med båda dessa mål, det förstnämnda tack vare en exceptionellt detaljerad och magnetisk prestation av Wight, som är så mycket mer än bara en imitation. Det sistnämnda fungerar eftersom han lyckas hitta en dramatisk formel för att både beskriva McQueens gåva och visa den i arbete. Ett exempel är de monologer där designern analyserar sina estetiska avsikter. Detta skulle lätt kunna bli torrt eller konstlat, men att så inte sker är en eloge till både skådespelaren och texten. Det påminner om en Conan Doyle-berättelse där Sherlock Holmes kan utläsa allt om en persons liv genom detaljer i deras klädsel. Den briljanta men också isolerande skärpan i den sortens iakttagelseförmåga blir här nästan fysiskt kännbar för publiken.

Ett annat exempel på när text och handling samverkar perfekt är scenen hos Anderson & Sheppard. När han skär till klänningen direkt på Dahlias kropp demonstreras de traditionella skräddarkunskaper han lärde sig där, och dialogen med mentorn Mr Hitchcock (Michael Bertenshaw) avslöjar balansen mellan tradition och provokation som han alltid eftersträvade: om man ska krossa ikoner måste man först behärska hantverket!

Stephen Wight, Laura Rees och Carly Bawden i McQueen

Allt fungerar dock inte helt felfritt. Scenen med Isabella Blow är en utstuderad barockduett mellan två naturliga divor, men den saknar dramatiskt bett, särskilt när den fylls med ovanligt klumpig bakgrundsfakta. I en opera hade man kunnat komma undan med en sådan redogörelse, men inte här. Det finns också en oklarhet kring karaktären Dahlia som ibland undergräver den dramatiska sammanhållningen. Är hon en musa, ett sceniskt verktyg eller en projektion av Lees egen personlighet? Detta blir särskilt märkbart i andra akten där hon tar mer plats utan att frågan helt besvaras. Vi bryr oss inte tillräckligt mycket om henne som egen karaktär för att pjäsens struktur ska bära hela vägen.

Jag är inte helt säker på att införandet av en paus för West End-publiken har gynnat pjäsen. Den skulle förmodligen fungera bättre i en obruten sekvens utan att ge samma tyngd åt det tunnare materialet i det som nu utgör andra akten.

Produktionsvärdet är dock utmärkt. Regin är flytande och har ett måleriskt öga för visuella tablåer. Koreografin är enastående fantasifull: dansarna flyttar dekor, agerar provdockor och fungerar som en stum kör som erbjuder en visuell kommentar till handlingen. Kostymavdelningen har lyckats med den svåra uppgiften att referera till Alexander McQueens verk utan att bara kopiera dem rakt av, och videoprojektionerna ger en levande känsla av London.

Stephen Wight som Lee i McQueen

Wights förkroppsligande av McQueen är makalöst. Maneren, kombinationen av kaxighet och sårbarhet i tal och rörelse, kasten mellan känslighet och vulgaritet – allt finns där. Bawden gör ett fint jobb med Dahlia och ser till att hon kan stå upp mot Wights karaktär utan att förlora sin charm, även om rollen känns något ofärdig skriven. Oberman och Rees tar vara på sina ögonblick fullt ut, och Bertenshaws samlade skräddare ger en välkommen punkt av vila och behärskning.

Kvällen är genomgående tankeväckande, visuellt spektakulär och mycket skicklig i sitt sätt att integrera design, musik och dans för att ge ett så detaljerat porträtt av McQueens kreativitet som är möjligt. Delar av pjäsen är dessutom oväntat roliga och djupt berörande. Att gestalta en konstnärs kreativa process på scen är svårt – i modern tid är kanske Sunday in the Park with George det enda helt lyckade exemplet. Men med tanke på ämnet står denna pjäs som ett djärvt och i stora drag framgångsrikt konstnärligt porträtt.

Pjäsen lyckas återupprätta McQueens credo: att design när den är som bäst är en kärleksförklaring till människan – en sammanfattning av vem den personen var, är och kan bli. Det var av den anledningen Alexander McQueen valde den Shakespeare-rad som inleder denna recension som en tatuering – ett motto för sin tid och för all framtid.

BOKA BILJETTER TILL MCQUEEN