RECENSIE: McQueen, Theatre Royal Haymarket ✭✭✭✭

Tracy-Ann Oberman en Stephen Wight in McQueen McQueen

Theatre Royal Haymarket

27/08/15

KOOP TICKETS

‘De liefde kijkt niet met de ogen, maar met de geest.’

Shakespeare, A Midsummer Night’s Dream. McQueen ging dit jaar in première in het St James Theatre en verhuist nu voor een beperkte speelperiode in West End naar het Theatre Royal Haymarket, na enkele castwisselingen en een herschrijving door toneelschrijver James Phillips. De regie is in handen van John Caird, met choreografie van Christopher Marney. Stephen Wight schittert als McQueen zelf; we zien hem al terwijl we gaan zitten, ijsberend over het toneel, volledig in zijn rol, ongenaakbaar en onvoorspelbaar, draaiend en starend naar de riem waarmee hij mogelijk een einde aan zijn leven gaat maken…. Alexander/Lee McQueen - zijn leven, werk, naasten, tragische dood en erfenis - biedt bijna een overvloed aan materiaal voor een toneelstuk. In de recente, buitengewone V&A-retrospectieve Savage Beauty was een opmerkelijke jas van vergulde veren te zien, met een hoge kraag en strak in de taille. Deze keert in aangepaste vorm terug in de tweede helft van het stuk als symbool voor hoe kleding de drager kan transformeren. Voor mij was het echter ook een symbool voor de complexiteit van dit onderwerp — ogenschijnlijk een wereld van schitterende oppervlakken en overdaad aan glamour, vergelijkbaar met de Regency-pracht van het Haymarket waar we op de persavond bijeenkwamen — maar waarbij de kern ligt in het oproepen van de psyche van een man die, volgens degenen die met hem werkten, per dag bruiste van evenveel ideeën en stemmingen als er veren in die schitterende jas zitten.

Stephen Wight, Laura Rees in McQueen. Met een leven en dood die zich afspeelden in het volle licht van de schijnwerpers, waarbij velen McQueen goed kenden en de meesten van ons nu denken ook iets te weten, is het vangen van de essentie van het duizelingwekkende genie en de vele tegenstrijdigheden van de man een enorme uitdaging. We weten uit zijn City Stories, waarover we een paar maanden geleden schreven, dat James Phillips een vernieuwend oog heeft voor structuur, een poëtische manier van dialogen schrijven, een scherp gevoel voor de wisselwerking tussen woord en muziek, en een bewezen talent voor het beschrijven van het Londense leven. Allemaal noodzakelijke ingrediënten. Zou hij deze nieuwe uitdaging aankunnen?

Wat we te zien krijgen is een sprookje dat voortborduurt op de verhaallijn van een van McQueens eigen complexe, semi-operatieve catwalk-scenario's. Dahlia (Carly Bawden) bespiedt McQueen vanuit een boom in zijn tuin en glipt zijn huis binnen om een jurk te stelen. In de kelder, tussen zijn paspoppen, ontmoet ze de ontwerper. Hij belt zijn vaste compagnon Philip Treacy voor advies over de politie, maar de eigenzinnige Dahlia verleidt hem tot een deal: ze zal aan het eind van de nacht verdwijnen als hij haar in ruil tot prinses transformeert door een jurk voor haar te maken en haar verschillende visies op Londen te tonen. Hij stemt toe, in de hoop zelf inspiratie te vinden voor de deadline van zijn nieuwe collectie.

Wat volgt is een reeks fantasmagorische scènes die sleutelmomenten, relaties en thema's uit McQueens leven verkennen: zijn opleiding in Savile Row, zijn vriendschap met Isabella Blow (Tracy-Ann Oberman), een V&A-feest waar journaliste Arabella (Laura Rees) de echtheid van zijn talent in twijfel trekt, en zijn nauwe band met zijn moeder en zijn wortels in Stratford. In de meeste scènes is Dahlia een observator, een dwarse deelnemer of een uiting van McQueens eigen ‘vrouwelijke’ kant; maar tegen het einde is duidelijk dat ze altijd al meer wilde dan alleen een jurk. Elke scène is verbonden door een gechoreografeerd intermezzo waarin negen dansers de thema's vertalen via de visuele beeldtaal van een van zijn iconische shows, op dezelfde muziek die destijds klonk. We keren uiteindelijk terug naar de kelder waar de nacht eindigt, Dahlia vertrekt en Lee het concept voor zijn nieuwe collectie heeft gevonden…..

Eloise Hymas, George Hill, Rachel Louisa Maybank, Stephen Wight (zittend), Jordan Kennedy, Amber Doyle en Sophie Apollonia in McQueen. Dit stuk is dus geen standaard biografische documentaire, wat ongetwijfeld de juiste beslissing is; het zou anders moeilijk zijn om enerzijds houterige feitenkennis of anderzijds platte tabloid-sensatie te vermijden. Phillips is veel meer geïnteresseerd in het vangen van de wispelturige, veelzijdige aard van McQueens gekwelde maar ook nuchtere en humoristische persoonlijkheid, en in het onderzoeken van de bronnen van zijn creativiteit. Hij slaagt in beide doelen. Het eerste dankzij een uitzonderlijk gedetailleerde, hypnotiserende vertolking door Wight, die veel verder gaat dan een simpele imitatie. Het tweede lukt doordat hij er grotendeels in slaagt een dramatische vorm te vinden om McQueens gaven zowel te beschrijven als aan het werk te zien. Een voorbeeld hiervan zijn de opmerkelijke monologen door het stuk heen, waarin de ontwerper zijn technische en esthetische keuzes analyseert. Dit had makkelijk mis kunnen gaan; het had te belerend of te gezocht kunnen worden. Dat dit niet zo is, is een eerbetoon aan de acteur en aan de manier waarop de tekst je dwingt om te kijken en te dromen door de ogen van een ontwerper. Het doet denken aan de verhalen van Conan Doyle waarin Sherlock Holmes je alles over iemands leven vertelt op basis van een paar kledingdetails. De briljante, maar ook ontregelende, meedogenloze en isolerende kwaliteit van dat waarnemingsvermogen wordt voelbaar gemaakt; zozeer zelfs dat er een intense stilte viel in de zaal vol modemensen. Ze wisten dat ook zij op dat moment onder het vergrootglas lagen…. We kregen een tastbaar dramatisch gevoel van waarom McQueen zowel een betoverende als een angstaanjagende man was om bij in de buurt te zijn.

Een ander voorbeeld waar 'tonen' en 'vertellen' perfect samengaan, is de scène bij Anderson & Sheppard, waar McQueen zijn opleiding genoot. Het snijden van de jurk op het lichaam van Dahlia demonstreerde op de meest directe manier de traditionele kleermakersvaardigheden die hij daar leerde. De dialoog met zijn mentor, meneer Hitchcock (Michael Bertenshaw), onthulde de balans tussen traditie en subversie die hij altijd in zijn werk probeerde te bewaren: als je een beeldenstormer wilt zijn, moet je eerst de traditie beheersen!

Stephen Wight, Laura Rees en Carly Bawden in McQueen

Niet alles werkt. De scène met Isabella Blow is een uitgebreid barok duet tussen twee ras-diva's, maar mist daardoor dramatische scherpte, vooral omdat er nogal wat ongebruikelijk houterige expositie in zit over 'feiten die je eerst moet weten'. In een opera zou je wegkomen met zo'n achtergrondverhaal, maar hier niet. Ernstiger is de vaagheid rondom het personage Dahlia, wat de dramatische samenhang soms ondermijnt. Wat is Dahlia’s rol precies? Is ze een muze, een louter theatraal middel, of een projectie van Lee's eigen persoonlijkheid? Dit telt vooral in de tweede helft zwaar mee, wanneer ze veel prominenter aanwezig is; het is dan niet genoeg om deze vraag onbeantwoord te laten. We geven in dit stadium niet genoeg om haar als personage om het dramatische gewicht te dragen, iets wat slechts gedeeltelijk wordt goedgemaakt door de gedenkwaardige samenvatting die Lee in de slotminuten mag geven.

Ik betwijfel of het toevoegen van een pauze voor West End het stuk ten goede is gekomen. Het zou beter werken als een ononderbroken geheel, zonder evenveel gewicht te leggen op de dunnere scènes in wat nu de tweede helft is, terwijl de delicate, dromerige sfeer behouden zou blijven.

Het productieniveau is uitmuntend. De regie is vloeiend en heeft evenveel oog voor visuele tableaus als voor kinetische energie. De choreografie is opvallend gevarieerd en vindingrijk: de dansers ruimen het decor op, poseren als paspoppen en fungeren eigenlijk als een stom koor dat visueel commentaar geeft op de handeling. Het kostuumteam heeft de lastige taak volbracht om naar het werk van de ontwerper te verwijzen zonder het klakkeloos te kopiëren, en videoprojecties geven een levendig beeld van de Londense locaties wanneer dat nodig is.

Stephen Wight als Lee in McQueen

Wights vertolking van McQueen is ongeëvenaard. De maniertjes, de combinatie van branie en kwetsbaarheid in spraak en beweging, de extremen van fijngevoeligheid en vulgariteit, attentheid en meedogenloos egoïsme; het klopte allemaal, samen met een scherp geobserveerd zelfbewustzijn over depressie, de angst voor de dood en de beangstigende aard van zijn eigen talent. Bawden doet het erg goed als Dahlia; ze zorgt ervoor dat ze waar nodig tegenwicht biedt aan Wights personage zonder haar eigenzinnige charme te verliezen, maar de rol zelf voelt nog steeds niet helemaal af. Oberman en Rees benutten hun kansen volop, en Bertenshaws ingetogen meesterkleermaker biedt een welkom rustpunt en een zorgvuldig contrast.

De avond is voortdurend stof tot nadenken, visueel spectaculair en uiterst ingenieus in het integreren van ontwerp, muziek, dans en karaktertekening om een zo gedetailleerd mogelijk portret te geven van McQueens creatieve bronnen. Delen van de voorstelling zijn onverwacht grappig en ook oprecht ontroerend. Het tonen van het creatieve proces van een kunstenaar op het toneel is een lastige zaak — de laatste tijd is wellicht Sunday in the Park with George het enige echt geslaagde voorbeeld. Behalve een eventuele musical of opera over McQueens leven — iets wat gezien de rijkdom van het onderwerp zeker de moeite waard zou zijn — staat dit stuk als een gedurfd en grotendeels geslaagd artistiek portret.

Het stuk herstelt en bevestigt op triomfantelijke wijze McQueens credo dat design op zijn best een daad van liefde voor de persoon is — een samenvatting van wie die man of vrouw was, is en kan worden — en daarom, paradoxaal genoeg, net zozeer in de geest als in het visuele ligt. Het was om deze reden dat Alexander McQueen de regel van Shakespeare boven deze recensie koos om als tatoeage te dragen — een motto voor zijn tijd, en — zeker weten — voor alle tijden.

BOEK TICKETS VOOR MCQUEEN