CRÍTICA: McQueen, Theatre Royal Haymarket ✭✭✭✭

Tracy-Ann Oberman e Stephen Wight em McQueen McQueen

Theatre Royal Haymarket

27/08/15

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‘O amor não olha com os olhos, mas com o espírito.’

Shakespeare, Sonho de uma Noite de Verão McQueen estreou este ano no St James Theatre e transfere-se agora, para uma temporada limitada no West End, para o Theatre Royal Haymarket, após algumas alterações no elenco e um certo grau de reescrita por parte do dramaturgo James Phillips. É encenado por John Caird, com coreografia de Christopher Marney, e tem Stephen Wight no papel do próprio McQueen, que vemos assim que tomamos os nossos lugares, a percorrer o palco, já em personagem, indomável e imprevisível, torcendo e contemplando o cinto com o qual poderá estar prestes a pôr termo à sua vida…. Alexander/Lee McQueen — a sua vida, obra, círculo, morte trágica e legado — oferece quase um tesouro demasiado rico de material para tratamento dramático. Na extraordinária retrospectiva recente do V&A, Savage Beauty, havia um notável casaco comprido de penas douradas, alto no colarinho e justo na cintura, que reaparece aqui, em forma modificada, para desempenhar um papel na segunda parte como símbolo de como a roupa pode transformar quem a veste. Para mim, porém, era também um símbolo da complexidade deste tema — ostensivamente feito de superfícies cintilantes e excesso de glamour — aparentado ao brilho Regency do Haymarket onde nos reunimos todos na noite de imprensa; mas em que o cerne está em evocar a psique de um homem que, segundo quem trabalhou com ele, borbulhava de tantas ideias e estados de alma por dia quantas as penas daquele casaco glorioso.

Stephen Wight, Laura Rees em McQueen Com uma vida e uma morte vividas sob o pleno foco da publicidade, em que há muitas pessoas que conheceram bem McQueen, e a maioria de nós que agora pensa conhecer algo dele, captar a essência do génio vertiginoso do homem e das suas múltiplas contradições e dar-lhe nova vida dramática é uma tarefa muito exigente. Sabemos, por City Stories, aqui analisado há alguns meses, que James Phillips tem um olhar inovador para a estrutura, uma escrita dialogal poeticamente sugestiva, uma apurada compreensão da interpenetração entre palavras e música, e um comprovado talento para escrever sobre a vida londrina — todas elas peças necessárias desta equação. Estaria ele à altura deste novo desafio?

O que nos é dado é um conto de fadas que desenvolve a linha narrativa de um dos elaborados cenários semi-operáticos que o próprio McQueen criava para a passerelle. Dahlia (Carly Bawden), depois de observar McQueen a partir de uma árvore no seu jardim, entra em casa para fugir com um vestido e encontra o designer, ele próprio, no meio dos manequins, na cave. Ele liga ao colaborador de longa data Philip Treacy a pedir conselho sobre chamar a polícia, mas a teimosa Dahlia encanta-o para um acordo: ela desaparecerá no fim da noite se, em troca, ele a transformar numa princesa, fazendo-lhe um vestido e mostrando-lhe diferentes visões de Londres. Ele aceita na esperança de também encontrar inspiração para cumprir o prazo da sua próxima colecção.

Segue-se uma sequência de cenas fantasmagóricas que exploram relações, experiências e questões-chave na vida de McQueen — a sua formação em Savile Row, a amizade com Isabella Blow (Tracy-Ann Oberman), uma festa no V&A em que a jornalista Arabella (Laura Rees) questiona a autenticidade do seu talento, e a ligação íntima à mãe e às raízes em Stratford. Na maioria delas, Dahlia é observadora, participante teimosa ou expressão do lado ‘feminino’ do próprio McQueen; mas, no final, fica claro que ela sempre quis mais do que simplesmente um vestido deste encontro. Cada cena liga-se à seguinte através de um episódio coreografado em que nove bailarinos canalizam os temas pela imagética visual de uma das suas aberturas clássicas, usando a mesma música que aí soava. Regressamos, por fim, à cave onde começámos, quando a noite termina, Dahlia parte e Lee encontra o conceito para a sua próxima colecção…..

Eloise Hymas, George Hill, Rachel Louisa Maybank, Stephen Wight (sentado), Jordan Kennedy, Amber Doyle e Sophie Apollonia em McQueen Esta peça, portanto, não é um biográfico documental em linha recta — o que é, sem dúvida, a decisão certa; seria difícil evitar, por um lado, uma exposição factual pesada e pouco dramática, ou, por outro, um sensacionalismo tablóide grosseiro. Phillips está muito mais interessado em captar a volatilidade multifacetada da personalidade de McQueen — angustiada, mas também pragmática e bem-humorada — e em explorar a natureza e as fontes da sua criatividade. Consegue ambos os objectivos: o primeiro, ajudado por uma interpretação excepcionalmente detalhada e hipnótica de Wight, muito para além de uma simples imitação; e o segundo, porque, grande parte do tempo, encontra uma fórmula dramática para ao mesmo tempo descrever os dons de McQueen e mostrá-los em acção. Um exemplo surge em vários monólogos notáveis, espalhados ao longo da peça, em que o designer analisa as suas intenções forenses e estéticas. Isto poderia facilmente não funcionar: poderia tornar-se demasiado didáctico ou apenas demasiado exibicionista — ‘Seis Figurinos à Procura de um Costureiro’, etc. Não o é, e isso deve-se ao actor e à forma como a escrita nos obriga a olhar e a imaginar com o olhar de um designer. É um pouco como o conto de Conan Doyle em que Holmes deduz toda a vida de uma pessoa a partir de alguns detalhes da sua roupa, vendo-a por dentro. A qualidade brilhante, mas também desestabilizadora, implacável e isoladora desse grau de percepção torna-se palpável; tanto que houve um silêncio acrescido, intenso, de concentração interior por toda a plateia elegante e fashionista. Eles sabiam que também estavam sob o microscópio naquele momento…. Tivemos uma sensação dramática muito concreta de por que razão McQueen era, simultaneamente, tão sedutor e tão alarmante de ter por perto.

Outro exemplo de ‘mostrar e contar’ a funcionar bem em conjunto surge na cena passada na Anderson & Sheppard, onde McQueen se formou. O corte do vestido feito para Dahlia directamente no corpo dela demonstrou, da forma mais directa possível, as competências tradicionais de alfaiataria que ali aprendeu, e o diálogo com o mentor, Mr Hitchcock (Michael Bertenshaw), revelou o equilíbrio entre sentido de história e subversão que ele sempre procurou manter no seu trabalho: se vais ser iconoclasta, primeiro tens de ser tradicionalista!

Stephen Wight, Laura Rees e Carly Bawden em McQueen

Nem tudo resulta. A cena com Isabella Blow é um dueto barroco, elaborado, entre duas divas naturais, mas por isso mesmo carece de mordida dramática — sobretudo quando há uma boa dose de preenchimento, invulgarmente desajeitado, de ‘factos que precisas de saber primeiro’. Se isto fosse uma ópera, essa embalagem de antecedentes talvez passasse; aqui, não. Mais grave, há uma indefinição em torno da personagem de Dahlia que nem sempre ajuda e por vezes mina a coerência dramática. Afinal, qual é exactamente o contributo de Dahlia? Musa, simples artifício teatral, ou projecção de parte da própria personalidade de Lee? Isto importa particularmente na segunda parte do espectáculo, onde ela é muito mais proeminente, e não basta deixar a questão em suspenso. A esta altura, ainda não nos importamos o suficiente com ela como personagem por direito próprio para que a estrutura dramática aguente o peso — e isto só é parcialmente resgatado pela memorável síntese que Lee tem para proferir nos minutos finais.

Não tenho a certeza de que a introdução de um intervalo para o West End tenha, de facto, ajudado a peça. Funcionaria melhor em sequência contínua, sem atribuir peso igual ao material mais frágil do que é agora a segunda parte, preservando ao mesmo tempo, sem interrupções, a delicada atmosfera de fantasia.

Os valores de produção são excelentes. A encenação é fluida, com um olhar pictórico para tableaux visuais tanto quanto para a energia cinética. A coreografia é extraordinariamente variada e imaginativa: os bailarinos desmontam o cenário, posam como manequins e, na verdade, funcionam mais como um coro sem voz, oferecendo um comentário visual, integrado e indispensável à acção. A equipa de guarda-roupa cumpriu a tarefa difícil de referenciar o trabalho do designer sem o copiar servilmente, e as projecções vídeo dão, quando necessário, um vívido sentido dos lugares de Londres.

Stephen Wight como Lee em McQueen

A encarnação de McQueen por Wight é inigualável. Os maneirismos, a combinação de bravura e vulnerabilidade na fala e no movimento, os extremos de sensibilidade e vulgaridade, de consideração e egoísmo implacável — tudo estava lá, juntamente com uma autoconsciência sobre a depressão, o medo da morte e a natureza alarmante do seu próprio talento, finamente observada. Bawden sai-se muito bem como Dahlia, garantindo que faz frente à personagem de Wight quando é preciso, sem perder o seu encanto pateta; mas o papel em si ainda está, na verdade, por acabar. Oberman e Rees aproveitam plenamente as suas oportunidades, e o alfaiate cavalheiro contido de Bertenshaw oferece um bem-vindo ponto de repouso e uma contenção cuidadosamente contrastada.

A noite é continuamente estimulante, visualmente espectacular e altamente engenhosa na forma como integra design, música, dança e caracterização, para oferecer um retrato tão detalhado quanto é provável obtermos das fontes da criatividade de McQueen. Há partes inesperadamente cómicas e também genuinamente comoventes. Colocar em palco o próprio processo criativo de um artista é um assunto delicado — nos últimos tempos, talvez Sunday in the Park with George seja o único exemplo plenamente bem-sucedido. À falta de um tratamento musical ou operático da vida de McQueen — algo que, dada a amplitude do tema para todas as artes teatrais, ainda poderia muito bem valer a pena — esta peça afirma-se como um retrato artístico audaz e, em termos gerais, bem conseguido.

A peça recupera e reafirma, de forma triunfal, o credo de McQueen: o design, no seu melhor, é um acto de amor pela pessoa — uma síntese de quem aquele homem ou aquela mulher foi, é e pode vir a ser — e, por isso, reside paradoxalmente tanto na mente quanto no puro sentido visual. Foi por esta razão que Alexander McQueen escolheu a frase de Shakespeare que abre esta crítica para a usar como tatuagem — um emblema para o seu tempo e — seguramente — para todos os nossos tempos.

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