CRITIQUE : McQueen, Theatre Royal Haymarket ✭✭✭✭

Tracy-Ann Oberman et Stephen Wight dans McQueen McQueen

Théâtre Royal Haymarket

27/08/15

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‘L'amour ne regarde pas avec les yeux mais avec l'esprit.’

Shakespeare, Le Songe d'une nuit d'été McQueen a ouvert cette année au Théâtre St James et transfère maintenant pour une courte série dans le West End au Théâtre Royal Haymarket après quelques changements de casting et une certaine réécriture par le dramaturge James Phillips. Il est dirigé par John Caird, avec une chorégraphie de Christopher Marney, et met en scène Stephen Wight dans le rôle de McQueen lui-même, que nous voyons en prenant place, parcourant la scène, déjà dans le rôle, indiscipliné et imprévisible, tordant la ceinture avec laquelle il pourrait être sur le point de mettre fin à ses jours… Alexander/Lee McQueen - sa vie, son œuvre, ses associés, sa mort tragique et son héritage - offre un trésor de matériel presque trop riche pour un traitement dramatique. Dans la récente rétrospective extraordinaire du V&A, Savage Beauty, il y avait une remarquable redingote de plumes dorées, haute au col et serrée à la taille, qui réapparaît sous une forme modifiée pour jouer un rôle ici dans la seconde moitié comme un symbole de la façon dont les vêtements peuvent transformer celui qui les porte. Pour moi, cependant, c'était aussi un symbole de la complexité de ce sujet – ostensiblement un sujet de surfaces scintillantes et d'un excès de glamour - semblable aux ornements Regency du Haymarket où nous étions tous réunis lors de la Soirée de Presse; mais où le cœur du sujet réside dans l'évocation de la psyché d'un homme qui, selon ceux qui ont travaillé avec lui, débordait d'autant d'idées et d'humeurs par jour qu'il y a de plumes dans ce magnifique manteau.

Stephen Wight, Laura Rees dans McQueen Avec une vie et une mort vécues sous le feu des projecteurs, où il y a beaucoup de gens qui connaissaient bien McQueen, et la plupart d'entre nous qui pensent maintenant savoir quelque chose, capturer l'essence du génie vertigineux et des multiples contradictions de cet homme et lui donner une nouvelle vie dramatique est une tâche très difficile. Nous savons d'après ses City Stories, revues ici il y a quelques mois, que James Phillips a un esprit innovateur pour la structure, une façon poétiquement suggestive de créer des dialogues, une appréciation fine de l'interpénétration des mots et de la musique, et un don avéré pour écrire sur la vie londonienne, toutes les parties nécessaires de l'équation. Relèvera-t-il ce nouveau défi ?

Ce que nous recevons est un conte de fées qui élabore l'intrigue d'un des propres scénarios de défilé semi-opératiques et élaborés de McQueen. Dahlia (Carly Bawden) après avoir observé McQueen depuis un arbre dans son jardin, entre dans sa maison pour s'enfuir avec une robe, et rencontre le créateur lui-même parmi ses mannequins au sous-sol. Il appelle son collaborateur de longue date Philip Treacy pour obtenir des conseils sur la manière d'appeler la police, mais la tenace Dahlia le charme dans un marché : elle disparaîtra à la fin de la nuit si, en retour, il la transforme en princesse en lui fabriquant une robe et en lui montrant différentes visions de Londres. Il accepte dans l'espoir de trouver également l'inspiration pour respecter la date limite de sa prochaine collection.

Ce qui suit est une suite de scènes fantastiques qui explorent les relations clés, les expériences et les problèmes dans la vie de McQueen – sa formation à Savile Row, son amitié avec Isabella Blow (Tracy-Ann Oberman), une fête V&A où la journaliste Arabella (Laura Rees) conteste l'authenticité de son talent, et sa connexion étroite avec sa mère et ses racines à Stratford. Dans la plupart d'entre elles, Dahlia est soit observatrice, participante réfractaire ou une expression du propre côté ‘féminin’ de McQueen; mais à la fin, il est clair qu'elle a toujours voulu plus que simplement une robe de cette rencontre. Chaque scène est liée à la suivante par un épisode chorégraphié dans lequel neuf danseurs canalisent les thèmes à travers l'imagerie visuelle de l'une de ses ouvertures classiques, en utilisant la même musique qui était jouée lors de ces occasions. Nous revenons finalement au sous-sol où nous avons commencé à la fin de la nuit, Dahlia part et Lee a son concept pour sa prochaine collection…..

Eloise Hymas, George Hill, Rachel Louisa Maybank, Stephen Wight (assis), Jordan Kennedy, Amber Doyle et Sophie Apollonia dans McQueen Cette pièce n'est donc pas un bio-documentaire direct, ce qui est sûrement une décision correcte; car il serait difficile d'éviter une exposition factuelle maladroite et peu dramatique d'une part, ou d'autre part, le sensationnalisme grossier des tabloïds. Phillips est beaucoup plus intéressé à capturer la versatilité mercuriale de la personnalité angoissée mais déterminée et humoristique de McQueen, et à explorer la nature et les sources de sa créativité. Il atteint ces deux objectifs, le premier aidé par la performance exceptionnellement détaillée et hypnotique de Wight, qui est bien plus qu'une simple imitation. Et le second se réalise parce qu'il réussit, la plupart du temps, à trouver une formule dramatique pour à la fois décrire les dons de McQueen et les montrer au travail. Un exemple de cela se présente sous la forme d'un certain nombre de monologues remarquables dispersés dans la pièce dans lesquels le créateur analyse ses intentions aussi bien au niveau forensique qu'esthétique. Cela pourrait facilement ne pas fonctionner. Cela pourrait devenir trop didactique ou simplement trop ingénieux – ‘Six Costumes en Quête d'un Couturier’ etc. Que ce ne soit pas le cas est un hommage à l'acteur et à la façon dont l'écriture vous contraint à regarder et à imaginer avec un œil de créateur. C'est un peu comme l'histoire de Conan Doyle dans laquelle Holmes vous dit tout sur la vie d'une personne à partir de quelques détails de leurs vêtements, et voit à travers eux. La qualité brillante mais aussi déstabilisante, implacable et isolante de ce niveau de perception est rendue palpable; à tel point qu'il y avait un silence supplémentaire d'intense concentration à travers le public à la mode et fashionista. Ils savaient qu'eux aussi étaient sous le microscope à ce moment-là …. Nous avons obtenu un sens dramatique palpable de pourquoi McQueen était à la fois un homme si séduisant et alarmant à côtoyer.

Une autre instance de révélation et narration fonctionnant bien en tandem est venue dans la scène située à Anderson & Sheppard, où McQueen s'est formé. La coupe de la robe réalisée pour Dahlia sur sa personne a démontré de la manière la plus directe possible les compétences traditionnelles de couture qu'il a apprises là-bas, et le dialogue avec son mentor M. Hitchcock (Michael Bertenshaw) a révélé l'équilibre entre un sens de l'histoire et de la subversion qu'il a toujours essayé de maintenir dans son travail : si vous comptez être un iconoclaste, vous devez d'abord être un traditionaliste !

Stephen Wight, Laura Rees et Carly Bawden dans McQueen

Tout ne réussit pas. La scène avec Isabella Blow est un duo Baroque élaboré entre deux divas naturelles, mais manque de mordant dramatique en conséquence, surtout lorsqu'il y a une bonne dose de comblement maladroit de « faits que vous devez savoir d'abord ». Si c'était un opéra, vous pourriez vous en tirer avec cet empaquetage de la genèse, mais pas ici. Plus sérieusement, il y a une nébulosité autour du personnage de Dahlia qui n'est pas toujours utile et parfois sape la cohérence dramatique. Quelle est exactement la contribution de Dahlia ? Comme muse, simple dispositif théâtral, ou projection d'une partie de la personnalité de Lee ? Cela importe particulièrement dans la seconde moitié du spectacle où elle est beaucoup plus en avant et il ne suffit pas de laisser cette question flotter sans résolution. Nous ne nous soucions pas assez d'elle en tant que personnage à part entière à ce stade pour que la structure dramatique supporte le poids, et cela n'est que partiellement racheté par le résumé mémorable que Lee parvient à délivrer dans ses dernières minutes.

Je ne suis pas sûr que l'insertion d'un entracte pour le West End ait réellement aidé la pièce. Cela fonctionnerait mieux en séquence continue sans placer un poids égal sur le matériel plus faible dans ce qui est maintenant la deuxième moitié, tout en préservant l'ambiance délicate de fantaisie sans interruption.

Les valeurs de production sont excellentes. La mise en scène est fluide et avec un œil pictural pour des tableaux visuels autant que pour l'énergie cinétique. La chorégraphie est formidablement variée et imaginative : les danseurs dégagent le plateau, posent comme des mannequins, et agissent en fait davantage comme un chœur non vocal offrant un commentaire visuel sur l'action et y étant intégrés. L'équipe de garde-robe a accompli la tâche délicate de faire référence au travail du créateur sans le copier servilement, et les projections vidéo donnent un sens vivant des lieux londoniens lorsque cela est nécessaire.

Stephen Wight dans le rôle de Lee dans McQueen

L'incarnation de McQueen par Wight est sans égal. Les manierismes, la combinaison de la hardiesse et de la vulnérabilité dans le discours et le mouvement, les extrêmes de sensibilité et de vulgarité, de considération et d'égoïsme impitoyable, étaient tous en place, accompagnés d'une conscience de soi à propos de la dépression, de la peur de la mort et de la nature alarmante de son propre talent qui était finement observée. Bawden s'en sort très bien avec Dahlia, s'assurant qu'elle tient tête au personnage de Wight lorsque nécessaire sans perdre son charme désinvolte: mais le rôle en lui-même est vraiment encore inachevé. Oberman et Rees saisissent pleinement leurs opportunités, et le tailleur gentleman discret joué par Bertenshaw offre un point de repos bienvenu et un contraste soigneusement retenu.

La soirée est continuellement stimulante, visuellement spectaculaire, et hautement ingénieuse pour intégrer le design, la musique, la danse et la caractérisation pour donner un portrait aussi détaillé que possible des sources de la créativité de McQueen. Certaines parties sont à la fois d'une drôlerie inattendue et réellement émouvantes aussi. Mettre en scène le processus créatif d'un artiste est une affaire délicate – De nos jours, peut-être que Sunday in the Park with George est le seul exemple vraiment réussi. Hormis un traitement musical ou opératique de la vie de McQueen - quelque chose qui pourrait bien valoir la peine d'être fait étant donné l'ampleur du sujet qui s'offre à tous les arts théâtraux - cette pièce se dresse comme un portrait artistique audacieux et globalement réussi.

La pièce récupère et réaffirme triomphalement le credo de McQueen selon lequel le design est à son meilleur un acte d'amour de la personne – un résumé de qui cet homme ou cette femme était, est et peut devenir – et réside donc, paradoxalement, dans l'esprit autant que purement dans le sens visuel. C'est pour cette raison qu'Alexander McQueen a choisi la phrase de Shakespeare qui entête cette critique pour la porter en tatouage – un emblème pour son époque, et – sûrement – pour toutes nos époques.

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