CRÍTICA: McQueen, Theatre Royal Haymarket ✭✭✭✭

Tracy-Ann Oberman y Stephen Wight en McQueen McQueen

Theatre Royal Haymarket

27/08/15

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«El amor no mira con los ojos, sino con la mente».

Shakespeare, Sueño de una noche de verano McQueen se estrenó este año en el St James Theatre y ahora se traslada para una temporada limitada en el West End al Theatre Royal Haymarket, tras algunos cambios de reparto y cierto grado de reescritura por parte del dramaturgo James Phillips. La dirige John Caird, con coreografía de Christopher Marney, y protagoniza Stephen Wight como el propio McQueen, a quien vemos al tomar asiento, recorriendo el escenario de un lado a otro, ya metido en el personaje, indómito e imprevisible, retorciendo y contemplando el cinturón con el que quizá esté a punto de poner fin a su vida… Alexander/Lee McQueen —su vida, su obra, sus allegados, su trágica muerte y su legado— ofrece casi un caudal demasiado rico de material para un tratamiento dramático. En la reciente y extraordinaria retrospectiva del V&A, Savage Beauty, había un abrigo levita de plumas doradas realmente impactante, con el cuello elevado y ceñido a la cintura, que reaparece aquí en una forma modificada para desempeñar un papel en la segunda mitad como símbolo de cómo la ropa puede transformar a quien la lleva. Para mí, sin embargo, también era un símbolo de la complejidad de este tema: en apariencia, uno de superficies deslumbrantes y una exuberancia de glamour, similar al brillo regencia del Haymarket donde estábamos reunidos en la noche de prensa; pero cuyo meollo está en evocar la psique de un hombre que, según quienes trabajaron con él, chisporroteaba con tantas ideas y estados de ánimo al día como plumas tiene ese glorioso abrigo.

Stephen Wight, Laura Rees en McQueen Con una vida y una muerte vividas bajo el foco implacable de la publicidad —cuando hay muchas personas que conocieron bien a McQueen y la mayoría de nosotros creemos saber algo—, captar la esencia del genio vertiginoso del hombre y sus múltiples contradicciones y darle nueva vida dramática es una tarea endiablada. Sabemos, por City Stories, reseñada aquí hace unos meses, que James Phillips posee una mirada innovadora para la estructura, un manejo del diálogo de sugestión poética, una aguda apreciación de la interpenetración entre palabra y música, y un probado don para escribir sobre la vida londinense; todos ellos ingredientes necesarios en la ecuación. ¿Estaría a la altura de este nuevo reto?

Lo que se nos ofrece es un cuento de hadas que desarrolla la trama de uno de los propios y elaborados escenarios de pasarela de McQueen, a medio camino de la ópera. Dahlia (Carly Bawden), tras observar a McQueen desde un árbol de su jardín, entra en su casa con la intención de llevarse un vestido y se encuentra con el diseñador entre sus maniquíes en el sótano. Él llama a su colaborador de largo recorrido Philip Treacy para pedir consejo sobre si avisar a la policía, pero la testaruda Dahlia lo encandila hasta llegar a un pacto: ella desaparecerá al final de la noche si, a cambio, él la transforma en una princesa confeccionándole un vestido y mostrándole distintas visiones de Londres. Él acepta con la esperanza de que, además, encontrará inspiración para cumplir el plazo de su próxima colección.

Lo que sigue es una secuencia de escenas fantasmagóricas que exploran relaciones, experiencias y cuestiones clave en la vida de McQueen: su formación en Savile Row, su amistad con Isabella Blow (Tracy-Ann Oberman), una fiesta del V&A donde la periodista Arabella (Laura Rees) pone en duda la autenticidad de su talento, y su estrecha conexión con su madre y sus raíces en Stratford. En la mayoría de ellas, Dahlia es una observadora, una participante arisca o una manifestación del lado «femenino» del propio McQueen; pero al final queda claro que siempre quiso algo más que un simple vestido de este encuentro. Cada escena enlaza con la siguiente mediante un episodio coreografiado en el que nueve bailarines canalizan los temas a través de la imaginería visual de una de sus aperturas clásicas, utilizando la misma música que sonaba en aquellas ocasiones. Regresamos por fin al sótano donde empezamos: termina la noche, Dahlia se marcha y Lee encuentra el concepto para su próxima colección…

Eloise Hymas, George Hill, Rachel Louisa Maybank, Stephen Wight (sentado), Jordan Kennedy, Amber Doyle y Sophie Apollonia en McQueen Esta obra, por tanto, no es un biodrama documental al uso, y sin duda es una decisión acertada: por un lado, sería difícil evitar una exposición factual torpe y poco dramática; por otro, un sensacionalismo tabloid burdo. A Phillips le interesa mucho más captar la mercurial y poliédrica naturaleza de la personalidad de McQueen —angustiada pero de mente firme y con sentido del humor— y explorar la naturaleza y las fuentes de su creatividad. Logra ambos objetivos: el primero, apoyado por una interpretación excepcionalmente detallada e hipnótica de Wight, que es mucho más que una imitación; y el segundo, porque consigue, gran parte del tiempo, encontrar una fórmula dramática para describir los dones de McQueen y mostrarlos en funcionamiento. Un ejemplo de ello aparece en forma de una serie de monólogos notables repartidos por la obra, en los que el diseñador analiza sus intenciones forenses y estéticas. Esto podría fallar con facilidad: podría volverse demasiado didáctico o excesivamente artificioso —«Seis vestuarios en busca de un couturier», etc.—. Que no lo sea es mérito del actor y de cómo la escritura te obliga a mirar e imaginar con ojos de diseñador. Se parece bastante al relato de Conan Doyle en el que Holmes te cuenta toda la vida de una persona a partir de unos pocos detalles de su ropa y ve a través de ella. Se hace tangible la cualidad brillante pero también desestabilizadora, implacable y aislante de ese grado de percepción; tanto, que se produjo un silencio extra, de intensa concentración interior, en todo el público elegante y fashionista. Sabían que ellos también estaban bajo el microscopio en ese momento… Tuvimos una sensación dramática muy palpable de por qué McQueen era a la vez tan fascinante y tan inquietante de tener cerca.

Otro caso en el que el «mostrar» y el «contar» funcionan bien en tándem llega en la escena ambientada en Anderson & Sheppard, donde se formó McQueen. El corte del vestido hecho para Dahlia directamente sobre su cuerpo demuestra de la manera más directa posible las habilidades tradicionales de sastrería que aprendió allí, y el diálogo con su mentor, el Sr. Hitchcock (Michael Bertenshaw), revela el equilibrio entre sentido histórico y subversión que siempre trató de mantener en su trabajo: si vas a ser un iconoclasta, antes tienes que ser un tradicionalista.

Stephen Wight, Laura Rees y Carly Bawden en McQueen

No todo funciona. La escena con Isabella Blow es un dúo barroco y elaboradísimo entre dos divas naturales, pero por ello mismo carece de mordiente dramática, sobre todo cuando hay una cantidad considerable de relleno, inusualmente torpe, de «hechos que necesitas saber primero». Si esto fuera una ópera, podrías permitirte este empaquetado de trasfondo, pero aquí no. Más seriamente, hay cierta indefinición en torno al personaje de Dahlia que no siempre ayuda y, a veces, socava la coherencia dramática. ¿Cuál es exactamente la aportación de Dahlia? ¿Musa, mero artilugio teatral o proyección de una parte de la propia personalidad de Lee? Esto importa especialmente en la segunda mitad del espectáculo, donde ella tiene mucha más presencia, y no basta con dejar la cuestión flotando sin resolver. En este punto no nos importa lo suficiente como personaje por derecho propio como para que la estructura dramática soporte el peso, y solo se compensa parcialmente con el memorable resumen que Lee puede pronunciar en los minutos finales.

No estoy seguro de que insertar un intermedio para el West End haya ayudado realmente a la obra. Funcionaría mejor en una secuencia continua, sin otorgar el mismo peso al material más endeble de lo que ahora es la segunda mitad, y manteniendo intacta la delicada atmósfera de fantasía.

Los valores de producción son excelentes. La dirección es fluida y posee un ojo pictórico tanto para los tableaux visuales como para la energía cinética. La coreografía es extraordinariamente variada e imaginativa: los bailarines despejan el escenario, posan como maniquíes y, de hecho, actúan más como un coro sin voz que ofrece un comentario visual, integrado e inseparable de la acción. El equipo de vestuario ha afrontado la difícil tarea de referenciar el trabajo del diseñador sin copiarlo servilmente, y las proyecciones de vídeo aportan, cuando hace falta, una vívida sensación de las localizaciones londinenses.

Stephen Wight como Lee en McQueen

La encarnación de McQueen por parte de Wight no tiene rival. Los manierismos, la combinación de descaro y vulnerabilidad en el habla y el movimiento, los extremos de sensibilidad y vulgaridad, consideración y egoísmo despiadado, estaban todos presentes; junto con una conciencia de la depresión, el miedo a la muerte y el carácter alarmante de su propio talento, finamente observada. Bawden lo hace muy bien con Dahlia, asegurándose de que planta cara al personaje de Wight cuando es necesario sin perder su encanto un poco bobalicón; pero el papel en sí sigue, en realidad, sin estar del todo terminado. Oberman y Rees aprovechan al máximo sus oportunidades, y el sastre caballeroso y contenido de Bertenshaw ofrece un bienvenido punto de reposo y una contención cuidadosamente contrastada.

La velada es continuamente estimulante, visualmente espectacular y muy ingeniosa a la hora de integrar diseño, música, danza y caracterización para ofrecer un retrato tan detallado como probablemente podamos obtener de las fuentes de la creatividad de McQueen. Algunas partes son a la vez inesperadamente divertidas y genuinamente conmovedoras. Poner en escena el propio proceso creativo de un artista es un asunto complicado: en tiempos recientes, quizá Sunday in the Park with George sea el único ejemplo plenamente logrado. A falta de un tratamiento musical u operístico de la vida de McQueen —algo que, dada la amplitud del tema, bien podría seguir mereciendo la pena—, esta obra se erige como un retrato artístico audaz y ampliamente exitoso.

La obra recupera y reafirma de manera triunfal el credo de McQueen: que el diseño, en su mejor versión, es un acto de amor hacia la persona —un compendio de quién fue, es y puede llegar a ser ese hombre o esa mujer— y que, por tanto, reside paradójicamente en la mente tanto como en el puro sentido de la vista. Por esta razón Alexander McQueen eligió la frase de Shakespeare que encabeza esta reseña para llevarla tatuada: un blasón para su tiempo y —seguramente— para todos los tiempos.

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