KRITIK: Zweiter Sopran, King's Head ✭✭✭✭✭

Foto: Richard Davenport Second Soprano

King’s Head Theatre, Islington

19. Juni 2015

In dieser Theatersaison, in der das Gedenken und Erinnern an den Ausbruch des Ersten Weltkriegs stark im Vordergrund steht, sind viele der erfolgreichsten dramatischen Unternehmungen kleinformatig. In mancher Hinsicht ist dieses hervorragende Zweierstück, geschrieben von Martha Shrimpton und Ellie Routledge und gespielt von Shrimpton und Olivia Hirst, das Spiegelbild von Stony Broke in No Man’s Land, das ich hier kürzlich besprochen habe. Beide sind virtuose Demonstrationen schauspielerischer Kunst: Sie bedienen sich verschiedener Genres, schaffen eine Vielzahl von Rollen und mischen Stimmung und Stil, Musik und Sprache zu einer schwer fassbaren, ganz eigenen Mischung aus Humor und Pathos. Dadurch wird der Akt des Gedenkens komplexer und letztlich – würde ich sagen – berührender als ein schlichtes, geradlinig erzähltes oder rein historisches Vorgehen. Als Historiker bei Tageslicht werden Sie vielleicht überrascht sein, mich das sagen zu hören, und oft ist die Wahrheit tatsächlich seltsamer als jede erträumte Fiktion. Doch durch Irritation, Subversion und Neuordnung der Fakten kann Kunst mitunter zu einer tieferen emotionalen Wahrheit über die Vergangenheit vordringen – und genau darin liegt die künstlerische Leistung dieses dynamischen Duos, die neben ihrer schieren technischen Bravour steht.

Ein Großteil des Geschehens wechselt zwischen der Heimatfront – hier vertreten durch eine Yorkshire-Küche – und der Westfront selbst. Wir beginnen 1914, und die Schwestern Jane (Hirst) und Liz (Shrimpton) überlegen, was sie zur Kriegsanstrengung beitragen können. Jane beschließt, sich als Krankenschwester zu melden, während Liz zu Hause bleibt und bei der Leitung des örtlichen Postamts hilft. Jane lässt einen Verehrer zurück, Henry, ebenfalls von Hirst gespielt, der weiterhin versucht, ihr zu schreiben – und dabei zugleich eine unbeholfene Intimität mit Liz entwickelt. Dann verlagert sich die Handlung an die Westfront, wo Jane rasch die Möglichkeiten, aber auch die erschütternden Grenzen dessen erkennt, was Pflege leisten kann. Dazu kommen Szenen in den Schützengräben, in denen Henry, inzwischen eingezogen, und ein Freund von ihm unter Beschuss geraten; und durch eine Kette von Zufällen findet eine talismanartige Brosche den Weg zurück zu Jane. Die Geschichte basiert lose auf den realen Erfahrungen von Shrimptons Großmutter. Alle Episoden werden von Liedern unterbrochen: einige eigens von den Autorinnen neu komponiert, andere aus den Music-Hall- und Kabarett-Genres der damaligen Zeit; manche als Solo, andere als Duett; teils begleitet vom Akkordeon, teils von einem etwas heiser klingenden Klavier. Es gibt eine durchgehend dynamische Bewegung, die die Möglichkeiten der Bühne voll ausschöpft, und eine große improvisatorische Freiheit, die sogar Momente zufälligen, unerwarteten Humors – ausgelöst durch einen quietschenden Boden! – souverän integriert.

Was macht diese Show so besonders? Vor allem wohl die Vielfalt der Tonlagen, die den Darstellerinnen zur Verfügung steht – sprachlich wie visuell. Sie können auf einen Sechser blitzschnell wechseln: von spitzer, spröder, postmoderner Ironie, die direkt aus Fawlty Towers oder Oh, What a lovely war! stammen könnte, hin zu Angst und Groll von Soldaten unter Beschuss, zu Wehmut und warmer Empathie in der Sanitätsstation und zu trockenem Witz auf Kosten der jeweils anderen. Dass sich das Stück nicht immer in der vorhersehbaren Ordnung eines naturalistischen Erzählens entfaltet, lässt einen genauer über den Stoff und seine Bedeutung nachdenken. Dass er zugleich in unterschiedlichen Weisen und Stimmungen behandelt werden kann, zeigt die Komplexität der Ereignisse und die verschiedenen, gleichzeitig gültigen Blickwinkel. Zudem wirkt hier ein beeindruckendes visuelles Gespür. In den Hospitalszenen etwa hält Hirst leere Hemden hoch und geht neben ihnen her, um verwundete Soldaten zu imaginären Pritschen zu geleiten und ihnen zu helfen: nur eine von vielen Gesten von berührender Ökonomie, die in diesem Stück Momente einfangen und verdichten, bei denen ein traditionelles Drama länger verweilen würde – mit geringerer Wirkung (z.B. fast eine ganze Staffel Downton Abbey!). Zwar bekommen wir keineswegs immer alle Fakten, doch die zentralen Emotionen erhalten wir – und das aus vielen verschiedenen Blickwinkeln. Es ist ein sehr sinnliches Stück Arbeit: Es gibt mehrere brillant evocative Momente, in denen beide Spielerinnen vor einem Mikrofon Sound-Improvisationen entwickeln, die nach und nach verstärkt und als Aufnahmen wiederholt werden… allmählich wird man in die Atmosphäre eines dieser längst verlorenen, ewig englischen Sommertage getragen, die angeblich zu jenem Sommer 1914 gehörten; oder man wird nach nur einer Minute Vokalisieren in das Dröhnen von Granaten und den Lärm des Grabenkampfs gestoßen. Technik und emotionale Absicht greifen hier sehr wirkungsvoll ineinander.

Das Stück dauert nur eine Stunde, aber am Ende hat man das Gefühl, den Schauspielerinnen und Autorinnen auf einer längeren psychologischen Reise gefolgt zu sein, als das vermuten ließe. Beide sind ebenso überzeugend darin, männliche wie weibliche Figuren zu spielen und sie klar voneinander zu unterscheiden. Jane wirkt engagiert, prinzipientreu und nobel, aber nicht steif oder geschniegelt; Liz dagegen ist weltläufiger, sinnlicher und emotional fragiler als ihre Schwester. Der leidgeprüfte Henry ist nicht besonders helle, wird aber dennoch zum Symbol des strapazierten „Tommy“, der durchhält. Shrimpton liefert außerdem einen starken Cameo-Auftritt als hartgesichtige Oberschwester, die ihre wachsende Überforderung hinter manischer Effizienz versteckt – ein im Krieg allzu vertrauter Typus. Die Musik fungiert als direkter Kommentar, als diskretes Unterlegen, als zeitgenössisches dokumentarisches Material und als Satire. Das ist symptomatisch für einen wachsenden Trend im zeitgenössischen Theater, die Grenzen zwischen Schauspiel und Musical zu verwischen. Diese Entwicklung hat großes Potenzial für beide Formen, weil sich die emotionalen Ressourcen und die Reichweite von Wort und Musik überlappen und sich sehr kreativ gegenseitig überfluten können – wie Wellen unterschiedlicher Dimensionen am selben Strand.

Dieses Stück hatte zuvor am Arts Theatre einen sehr erfolgreichen Lauf, bevor es ins King’s Head wechselte, und es verdient, erneut in einem größeren Haus gesehen zu werden – vielleicht beim Edinburgh Festival. Bis dahin sollten Sie aber nicht zögern, es während dieser aktuellen Spielserie zu besuchen. Von diesen vielseitigen, hochgradig einfallsreichen Darstellerinnen und ihrem bemerkenswerten Vehikel werden wir ganz sicher noch mehr hören.

Second Soprano läuft am King’s Head Theatre bis zum 4. Juli 2015