CRITIQUE : Second Soprano, King's Head ✭✭✭✭✭

Photo : Richard Davenport Second Soprano

King’s Head Theatre, Islington

19 juin 2015

Dans cette saison théâtrale où la commémoration et le souvenir du déclenchement de la Première Guerre mondiale sont très présents, bon nombre des projets dramatiques les plus réussis sont de petite envergure. À certains égards, ce remarquable duo, écrit par Martha Shrimpton et Ellie Routledge, et interprété par Shrimpton et Olivia Hirst, est l'image miroir de Stony Broke in No Man’s Land, que j'ai critiqué ici récemment. Les deux sont des démonstrations virtuoses de l'art de l'acteur, utilisant de multiples genres, créant une multitude de rôles et mélangeant humeur et manière, musique et paroles pour créer un mélange indicible et individuel d'humour et de pathos. En conséquence, l'acte de commémoration devient plus complexe et, je dirais, plus émouvant qu'une simple approche narrative ou historique directe. En tant qu'historien(e) pendant les heures de jour, vous pourriez être surpris de m'entendre dire cela, et il est souvent vrai que la réalité dépasse en étrangeté toute sorte de fiction inventée. Cependant, par la perturbation, la subversion et la réorganisation des faits, l'art peut parfois creuser pour atteindre une vérité émotionnelle plus profonde sur le passé, et c'est la réussite artistique de ce duo dynamique qui s'impose aux côtés de leur pure virtuosité technique.

Une grande partie de l'action alterne entre le Front intérieur, ici représenté par une cuisine du Yorkshire, et le Front occidental lui-même. Nous commençons en 1914, et les sœurs Jane (Hirst) et Liz (Shrimpton) contemplent ce qu'elles peuvent faire pour contribuer à l'effort de guerre. Jane décide de s'engager comme infirmière et Liz reste sur place et aide à gérer le bureau de poste local. Jane laisse derrière elle un amoureux, Henry, également interprété par Hirst, qui continue d'essayer de lui écrire tout en développant également une intimité maladroite avec Liz. L'action se déplace ensuite sur le Front occidental où Jane apprend rapidement les possibilités et les limites choquantes de ce que le nursing peut accomplir. Nous avons également des scènes dans les tranchées où Henry, maintenant enrôlé, et un de ses amis sont sous le feu ; et par une série d'accidents, une broche talisman se retrouve avec Jane. L'histoire est vaguement basée sur les expériences réelles de la grand-mère de Shrimpton. Tous les épisodes de l'histoire sont ponctués par des chansons, certaines fraîchement composées par les auteurs, d'autres tirées des genres de music-hall et cabaret de l'époque, certains solos et d'autres duos, certains accompagnés à l'accordéon et d'autres sur un piano asthmatique. Il y a un mouvement dynamique continu utilisant pleinement les ressources de la scène, et une grande liberté d'improvisation, qui intègre même avec succès des moments d'humour aléatoires et inattendus provoqués par un parquet grinçant !

Alors qu'est-ce qui distingue ce spectacle comme spécial ? Surtout peut-être la variété de tons à la commande des interprètes, à la fois verbale et visuelle. Ils peuvent passer d'une ironie post-moderne mordante qui semble tirée tout droit de Fawlty Towers ou Oh, What a lovely war!, à la peur et au ressentiment des soldats sous le feu, à la mélancolie et la chaude empathie à l'infirmerie, et à la comédie ironique aux dépens l'un de l'autre. Le fait que la pièce n'évolue pas toujours dans l'ordre prévisible du naturalisme vous oblige à réfléchir plus attentivement au sujet et à sa signification. Le fait qu'elle puisse être traitée de différentes manières et humeurs simultanément sert à montrer la complexité des événements et les différents points de vue simultanément valides. Il y a aussi un sens visuel impressionnant ici. Dans les scènes hospitalières, par exemple, Hirst lève et marche aux côtés de chemises vides pour guider et aider les soldats blessés vers des civières imaginaires : c'est juste l'un des nombreux gestes d'économie poignante à l'œuvre dans cette pièce qui capture et distille des moments qu'un drame traditionnel s'attarderait à sur un effet moindre (par exemple presque toute une série de Downton Abbey !) Bien que nous ne soyons pas toujours donnés les faits complets, nous recevons toutes les émotions essentielles et de nombreux angles différents également. C'est une pièce de travail très sensuelle : il y a plusieurs moments brillamment évocateurs où les deux acteurs s'engagent dans des improvisations sonores devant un microphone qui sont progressivement amplifiées et répétées sous forme d'enregistrements. progressivement, vous êtes emportés dans l'atmosphère de l'un de ces jours d'été éternels perdus d'Angleterre censés faire partie de cet été 1914 ; ou nous sommes plongés dans les bruits de tirs d'obus et de guerre des tranchées juste après une minute ou deux de vocalisations. Technique et intention émotionnelle travaillent ensemble très efficacement ici.

La pièce ne dure qu'une heure, mais vous avez l'impression à la fin d'avoir accompagné les acteurs et auteurs dans un voyage psychologique plus long que ce que suggérerait ce moment. Les deux acteurs sont aussi efficaces à jouer les personnages masculins que féminins, et à les différencier. Jane se présente comme dévouée, de principe et noble, mais ni rigide ni collet monté ; Liz, en revanche, est plus mondaine, sensuelle et émotionnellement fragile que sa sœur. Henry, qui endure patiemment, n'est pas très futé, mais devient néanmoins un symbole du Tommy endurant. Shrimpton propose également une excellente apparition dans le rôle d'une infirmière en chef endurcie, qui cache son incapacité croissante à gérer derrière une efficacité frénétique – un type bien trop familier en temps de guerre. La musique opère comme commentaire direct, comme sous-couche discrète, comme matériel documentaire contemporain et comme satire. Cela est symptomatique d'une tendance croissante dans le théâtre contemporain à brouiller les frontières entre pièces et comédies musicales. Ce développement est d'un avantage potentiel énorme pour les deux, permettant aux ressources émotionnelles et à la portée des mots et de la musique de se chevaucher et de s'entremêler de manière très créative, comme des vagues de différentes dimensions sur la même plage.

Cette pièce a connu un grand succès au Arts Theatre avant de se déplacer au King’s Head, et elle mérite d'être vue à nouveau dans un lieu plus grand, peut-être au Festival d'Édimbourg. Cependant, en attendant, n'hésitez pas à la voir pendant cette session actuelle. Nous entendrons sûrement à nouveau parler de ces acteurs polyvalents et très inventifs et de leur véhicule mémorable.

Second Soprano se joue au King's Head Theatre jusqu'au 4 juillet 2015